Cet article tente d’analyser les rapports de d’Henri Matisse à la danse. Si celle-ci fut l’objet de nombreuses de ses œuvres, elle se présente aussi comme une méthode qui participe de son processus de création.

Cet ouvrage est l'hommage qu'une des deux filles de Jean Klein (1912-1998), Nita, comédienne et artiste, a décidé de rendre à son père, un des plus célèbres maîtres spirituels du XXe siècle, pour le centième anniversaire de sa naissance. Nita Klein a rassemblé ici de nombreux souvenirs de conversations avec Jean Klein, des inédits, des photographies autour de la question de l'art et de la spiritualité. Jean Klein a été philosophe et un maître spirituel remarquable auteur d'une oeuvre essentielle qui (...) a infuencé de nombreux enseignants contemporains comme Eric Baret, Jean-Bouchart D'Orval, Francis Lucille, Jean-Marc Mantel etc. Même si Jean Klein n'appartenait à aucune école, sa quête de la vérité a rencontré l'Advaïta Vedânta (Non-Dualité) dont il a dit lui-même que " ce n'est pas un système, une religion, une technique. Ce n'est même pas une philosophie, c'est simplement la vérité. " Mais Jean Klein était aussi violoniste (il pratiqua toute sa vie le violon) et s'intéressait à toutes les formes d'art : au théâtre, à la peinture (il était ami de Hans Hartung), à la danse (son autre fille, Malavika, est professeur de danse indienne). Il s'agit donc dans ce livre d'une rencontre entre l'intuition d'un artiste et la recherche indienne de la vérité, recherche plus orientée vers la perception globale de la Réalité que vers les certitudes offertes par le savoir. Nita Klein nous invite à découvrir comment la spiritualité authentique conduit à la création artistique ; comment, dans l'art du théâtre, l'interprétation d'un personnage, peut atteindre à la vérité, quand la personnalité du comédien consent à s'effacer. " En l'absence du "Moi", il y a seulement la vie. ", dit Jean Klein. Et pas seulement dans le théâtre, mais dans la peinture, le dessin, la danse. La Non-Dualité, avec Jean Klein, est une ouverture à la Beauté. (shrink)

Le problème de l’identité dans le monde de l’art est pertinent sous de nombreux aspects. Cet article vise à examiner l’identité de l’oeuvre d’art. L’examen est construit en trois étapes : le problème d’identification d’un objet en tant qu’oeuvre d’art, le problème des propriétés pertinentes d’une oeuvre d’art et la question de l’auteur de l’oeuvre comme décisive (ou pas) pour l’identification d’une oeuvre d’art. Ces questions se sont posées avec l’évolution de la pratique artistique et de (...) la théorie de l’art au siècle dernier. L’apparition du “readymade” a déstabilisé l’identité solide de l’oeuvre d’art de sorte que nous devons maintenant déterminer quelle est la différence entre une oeuvre d’art et son pendant perceptuellement identique. Les caractéristiques traditionnellement pertinentes ayant perdu leur importance dans l’art conceptuel, nous devons déterminer quelles sont les caractéristiques pertinentes, même aujourd’hui, des oeuvres d’art. Enfin, la pratique de l’appropriation dans l’art post-moderne défie la notion d’artiste et celle du sens de la création authentique. (shrink)

aEst-il possible de définir ce qu'est une oeuvre d'art? L'auteur s'interroge sur la création artistique, l'expérience esthétique, la place à accorder à l'oeuvre d'art d'un point de vue institutionnel mais aussi esthétique.

Plusieurs générations de chercheurs internationaux interrogent l’esthétique de Merleau-Ponty suivant deux axes : d’une part, le dialogue constant et passionné avec des arts (peinture, littérature, cinéma) et ses protagonistes (Cézanne, Proust, Claude Simon) qui est à l’origine de l’esthétique de Merleau-Ponty, et dans d’autre part, l’impact de la pensée merleau-pontienne sur les arts, depuis le Minimal Art américain en passant par le Body Art et la danse contemporaine. Tandis que certaines contributions s’intéressent, en s’appuyant sur les inédits, au rapport jusqu’ici (...) moins étudié que Merleau-Ponty entretenait avec la musique, mais aussi avec la photographie, d’autres contributions jaugent l’héritage merleau-pontien dans des arts sur lesquels il n’a pas lui-même écrit (la sculpture, la danse ou le théâtre). Ce volume propose donc une première synthèse générale du rapport de Merleau-Ponty aux arts, tout en en indiquant les lignes de fuite et les horizons qui en font aujourd’hui, cinquante ans après sa mort, toute l’actualité. -/- Contributions d’Emmanuel Alloa, Ronald Bonan, Fabrice Bourlez, Mauro Carbone, Lambert Dousson, Eliane Escoubas, Barbara Formis, Paule Gioffredi, Adnen Jdey, Stefan Kristensen, Rosamaria Salvatore, Jenny Slatman, Bernhard Waldenfels, Benedetta Zaccarello. (shrink)

La 4e de couverture indique : "Cet ouvrage est écrit à quatre mains et porte sur la relation entre création artistique et sciences de la cognition. L'ouvrage propose deux approches de l'expérience esthétique. Une approche en troisième personne mobilisant des modèles propres aux systèmes dits auto-organisateurs issus de la biologie dédiée à la réception des œuvres d'art et une approche en première personne rendant compte par auto-analyse d'une pratique artistique vécue qui s'appuie également sur de tels systèmes, systèmes eux-mêmes liés (...) aux concepts d'émergence et de complexité". (shrink)

L'oeuvre et le concept! Tels sont bien les deux objets, par excellence, de la philosophie de l'art. L'oeuvre d'art sur laquelle " philosophe " Olivier Revault d'Allonnes n'est pas l'oeuvre achevee, celebree, sacralisee, sanctifiee, mais au contraire l'oeuvre qui, de tout temps, deroute, irrite, scandalise, dejoue le discours apprete et conciliant de l'esthetique traditionnelle. Le concept est l'autre nom de la critique, parole enfin donnee aux oeuvres, passees et presentes, afin qu'elles puissent dire non aux ordres etablis... Leur interpretation se (...) joue donc a l'infini, mais non pas dans l'indetermination, car ce qu'elles expriment, qu'il s'agisse d'un tableau de Rembrandt, d'un quatuor de Beethoven, ou d'une piece pour piano de Schonberg, est chaque fois identique, a savoir l'irreductible et " irrespectueuse " liberte de la creation artistique. Cette esthetique, a l'ecart des dogmatismes, des systemes et des modes, est ici pretexte aux reflexions et aux temoignages qui composent cet ouvrage. (shrink)

La philosophie de l'art sans histoire de l'art est vide, l'histoire de l'art sans philosophie de l'art est aveugle. Car l'art est fait non seulement d'oeuvres, mais aussi de mots pour les dire, de concepts pour les distinguer et de théories pour les penser. Pourquoi le XIXe siècle a-t-il défendu «l'art pour l'art»? Pourquoi la musique, la littérature ou la peinture furent-elles si soucieuses de formalisme? Que signifia la création en 1863 d'un «Salon des refusés»? Comment évolua le régime économique (...) des arts plastiques? Telles sont quelques-unes des questions dont traite cet ouvrage et auxquelles on ne peut répondre sans convoquer à la fois les oeuvres, les acteurs et les courants, mais aussi les concepts même d'«art» et d'«artiste». Il analyse donc la production et la réception artistiques de la Modernité au sein de l'atmosphère théorique du XIXe siècle, et étudie notamment l'importance considérable qu'eurent sur le devenir de l'art le Romantisme allemand, la philosophie de Hegel et celle de Schopenhauer. (shrink)

Alain Lévêque, né en 1942 à Paris, est l'auteur notamment de Bonnard, la main légère (Deyrolle Editeur/L'Arbre voyageur, 1994 ; Verdier, 2006), et le préfacier des Observations sur la peinture de Pierre Bonnard, parues aux éditions L'Atelier contemporain en 2015. Il faut miser pour voir. Savoir jouer, ruser, cacher, mais aussi dévoiler son jeu, s'attendre à perdre, à gagner, réfléchir, avoir des coups de tête, de la chance, se recueillir, tout dépenser. Ne pas retenir quelques mots bien au chaud pour (...) l'hiver, dans son bas de laine pour les temps de disette. Tout dépenser. Il faut à chaque fois écrire toutes voiles dehors, au risque de se trouver fort dépourvu quand la bise n'est pas venue. Je ne connais rien de plus difficile que ces commandes d'un " petit texte " pour une exposition de peinture, le travail d'un sculpteur. Car jamais de moi-même je n'irais me fourrer dans pareil pétrin (encore qu'il est tentant de mettre ses mains dans la pâte qui finira par s'échauffer et lever, mais c'est une autre histoire). Il s'agit qu'on m'invite à jouer, et si le jeu est engageant, je ne peux m'empêcher de dire chiche et de jouer à perdre haleine, me fiant à l'excitation, à l'emportement, et croisant les doigts pour qu'à la fin je puisse enlever le bandeau que j'ai sur les yeux et reconnaître ce que j'ai cru toucher. Ecrire pour voir. Est-ce écrire en regard du tableau? On peut bien écrire quelques mots dans un carnet devant le tableau, il ne s'agit jamais d'un tête-à-tête. Le tableau a une et même plusieurs longueurs d'avance. Qu'il soit peint comme de toute éternité et ne demande rien à personne crève les yeux. Le tableau est immobile, cela crève aussi les yeux, on ne peut pourtant pas le fixer. Ecrire dans son carnet oblige à baisser les yeux. Lorsqu'on les relève, le tableau a détalé. On envoie des mots en éclaireur. L'ensemble des textes écrits par Maryline Desbiolles (parus pour la plupart dans des catalogues ou revues, ou inédits) sur l'art, autour de l'art, à partir de l'art est ici réuni : une première partie rassemble les approches les plus réflexives sur la création ; dans le second chapitre les textes s'articulent autour de deux thématiques chères à l'auteur : l'Italie, la cuisine ; le troisième chapitre réunit les essais et poèmes consacrés aux sculptures de Bernard Pagès ; sont ensuite regroupés les essais consacrés à des artistes ou des oeuvres ; le volume se clôt enfin sur des oeuvres de fiction dont l'élément déclencheur de l'écriture fut la fréquentation d'oeuvres plastiques. L'ensemble des textes a été revu en prévision de cet ouvrage, tout autant essai sur l'art qu'oeuvre littéraire. (shrink)

Au départ de cet ouvrage, une phrase de Martin Heidegger prononcée en 1958 à Aix-en-Provence : "J'ai trouvé ici le chemin de Paul Cézanne auquel, de son début jusqu'à sa fin, mon propre chemin de pensée correspond d'une certaine manière". Comprendre cette correspondance entre la pensée de Heidegger et la peinture de Cézanne suppose de comprendre quelle mutation la révolution phénoménologique du XX? siècle a fait subir à la pensée pour qu'un philosophe reconnaisse comme interlocuteur privilégié l'oeuvre d'un peintre et (...) non d'un autre philosophe. L'exposition du dialogue entre Heidegger et Cézanne est aussi une manière d'interroger l'originalité de la correspondance entre la révolution phénoménologique et l'art moderne. (shrink)

English summary: French description: Pensees du corps: se peut-il que le corps pense, qu'il ne soit pas un simple objet de reflexion, mais un sujet de pensee a part entiere?La demarche philosophique est ici confrontee a un corpus de pratiques et d'arts gestuels japonais (danse, theatre, arts martiaux). Une serie d'experiences significatives bousculent les idees recues et poussent le penseur a un renouvellement radical de ses methodes et de ses concepts. En resulte une philosophie de terrain, incarnee et immanente, qui (...) met en lumiere la profonde rationalite du corps. Y compris dans ses deploiements qui d'ordinaire resistent a l'analyse: sensation et action.Nul besoin d'avoir recours a un relativisme culturaliste friand d'exotisme, encore moins a un quelconque irrationalisme. Les pensees du corps dessinent un espace de publicite et d'intelligibilite, une forme d'universalite que chacun peut intimement eprouver et affiner. Loin de constituer un dehors, le corps apparait comme le lieu de production d'un savoir et d'une pensee universellement partageables. (shrink)

Propose un parcours initiatique parmi des extraits d'oeuvres picturales et musicales du XXe siècle et des idées leur étant contemporaines, issues de la philosophie et des sciences humaines. L'argumentation vise aussi à étayer l'hypothèse de correspondances entre les langages des arts et des idées. La problématique concerne ainsi l'esthétique, l'éducation et la communication.

Philosophe polonais et disciple d'Edmund Husserl, Ingarden envisage la relation a l'oeuvre d'art comme une experience menee dans un echange reciproque et continu avec l'objet. Il defend ainsi une esthetique qui n'est ni purement subjectiviste en ce qu'elle n'est en rien reductible aux sentiments emotionnels d'un sujet, ni purement objectiviste en ce que les determinations reelles et materielles de l'oeuvre donnee exigent la participation intentionnelle du spectateur pour s'accomplir en manifestation intuitive concrete. Objet intentionnel par excellence, l'oeuvre d'art se tient (...) entre monde reel et monde spirituel, entre realite et jeu imaginaire. Elle se donne au spectateur comme une invitation a deployer son activite intentionnelle et, ce faisant, a participer a la vie de l'oeuvre a travers l'histoire de ses receptions. Les textes reunis ici offrent un large panorama des preoccupations esthetiques d'Ingarden. Ils presentent les principaux resultats de ses recherches theoriques concernant la nature des vecus et des objets esthetiques, ainsi que des applications concretes des analyses ontologiques menees sur differents types d'oeuvres d'art (litterature, peinture, architecture et film). L'ensemble des analyses ontologiques et phenomenologiques y est egalement toujours adosse a la question des valeurs, et de l'evaluation artistique ainsi qu'a la recherche d'un fondement objectif des valeurs. (shrink)

En posant avec clarté des questions de philosophie de l’esprit, d’ontologie et d’épistémologie, ce livre témoigne à la fois de l’intérêt réel de la danse comme objet philosophique et du rôle unique que peut jouer la philosophie dans une meilleure compréhension de cet art. Qu’est-ce que danser ? Que nous apprend le mouvement dansé sur la nature humaine et la relation entre le corps et l’esprit ? À quelles conditions une œuvre est-elle correctement interprétée par les danseurs et bien (...) identifiée par les spectateurs ? (shrink)

L'art n'explique pas le monde, il en fait partie. Cet essai est un parti pris contre l'historicisme et contre l'idée d'une fin de l'art. Chaque oeuvre envisagée est un événement, une énigme, un "coup de dés". C'est en cela qu'elle échappe à toute détermination, à toute adaptation : l'art est sans pourquoi.

De Bach à Boulez : trois siècles de musique, trois siècles de créations, de reprises, de disparitions, longue traîne du présent, de toutes les oeuvres présentes. "Musics for piano" de John Cage, "Sonates" de Mozart, "Symphonie fantastique" de Berlioz, "Concerts royaux" de Couperin, "Saint François d'Assise" de Messiaen. Comment rendre compte de ces oeuvres? Qu'est-ce qui fait l'oeuvre et sa valeur, en musique? On connaît deux manières de répondre à la question, disons deux paradigmes de l'oeuvre d'art. Paradigme musicologique : (...) l'oeuvre, c'est la partition ou le texte musical fixé sur un support. Paradigme sociologique : l'oeuvre, c'est ce que des acteurs, critiques, publics, agents, institutions, désignent comme telle. Où compte avant tout l'intention esthétique. L'auteur revient sur l'un et l'autre, pointant les maillons forts et les maillons faibles de ces schèmes de pensée, et leur complicité dans le projet d'arrêter l'oeuvre d'art. " L'art arrêté! " Tel pourrait être le bandeau de nombre d'ouvrages sur le thème. Invite à ne pas les approcher! A l'intellectuel déçu par les sillons fermés de la pensée, au mélomane perdu devant la schématisation de ce qu'il aimait, proposons un autre chemin. Suivons une oeuvre " en liberté " décrivons ses manifestations, repérées par ce nom : "Sur Incises" de Pierre Boulez ; saisissons, plutôt qu'une oeuvre, "ce et ceux qui oeuvrent" et alimentent aujourd'hui notre passion. (shrink)

L’esprit contemporain nous vole nos intériorités. Il entend façonner nos goûts et nos imaginaires. Orienter nos expériences. Nous détourner de nous-mêmes dans un divertissement généralisé, une mise en réseau et un art consommé de l’inquiétude qui est une autre manière de nous emporter dans son flux. C’est un homme mutilé, abruti, amoindri spirituellement que produit ce monde dominé par la technique qui ose appeler progrès les0régressions qu’il programme. L’art – entendu non comme savoir ou culture mais comme passion de la (...) liberté et exploration de nos sources enfouies – est l’un des derniers moyens qui nous restent pour nous savoir humains. Tout art digne de ce nom est insurrection, quête d’absolu, tentative désespérée pour dire l’amour incommensurable qui nous taraude. Emmanuel Godo, ici, nous provoque et nous convoque. Et si nous faisions l’épreuve de notre humanité – pour en avoir la preuve – en nous confrontant à des oeuvres d’art? Mais pas à des simulacres sans épaisseur ou à des joujoux insipides, non! Car ce n’est pas en millions de dollars que s’évalue une oeuvre mais à sa capacité à faire se lever en nous nos forces en sommeil. Un plaidoyer magistral pour l’art contemporain, le vrai. (shrink)

Que nous apprend le mouvement dansé sur la nature humaine? Quelle signification la danse permet-elle de donner à la relation entre le corps et l'esprit? Les animaux non humains peuvent-ils danser? Un spectacle de danse n'est-il qu'un divertissement agréable ou la contemplation perplexe d'un monde mystérieux et ineffable? La danse permet-elle d'affiner notre perception de certaines propriétés expressives, notamment musicales? A quelles conditions telle oeuvre, Le Lac des cygnes ou Annonciation d'Angelin Preljocaj, est-elle correctement interprétée par les danseurs et bien (...) identifiée par les spectateurs? Quel est le statut des partitions chorégraphiques dans cette identité de l'œuvre dansée? Voici quelques-uns des problèmes auxquels se confrontent les spécialistes internationaux de la philosophie de la danse qui ont participé à cet ouvrage. En posant avec clarté certaines questions de philosophie de l'esprit, d'ontologie, et d'épistémologie, ils témoignent à la fois de l'intérêt réel de la danse comme objet philosophique et du rôle unique que peut jouer la philosophie dans une meilleure compréhension de cet art. (shrink)

Depuis la Renaissance, une série de textes témoignent de l’intérêt des artistes pour l’informe, d’un passage du Traité de la peinture de Léonard de Vinci à Degas, Danse, Dessin de Valéry. Léonard de Vinci, Alexander Cozens ou Paul Valéry proposent des « exercice[s] par l’informe», selon l’expression de Valéry. Il s’agit bien d’« exercice[s] », d’activités répétées pour aiguiser les facultés de l’esprit. Ces exercices s’adressent avant tout aux artistes et plus particulièrement aux dessinateurs et aux peintres ; ils constituent (...) une préparation à la création artistique. Ils n’ont généralement pas pour but d’appréhender l’informe ; c’est pourquoi Valéry emploie la tournure « exercice[s] par l’informe» : travailler l’informe est un moyen, une activité qui a le plus souvent pour fin une œuvre qui manifeste un rapport renouvelé aux formes. Comme les « exercices spirituels » dont Pierre Hadot a montré l’importance dans la philosophie antique, ces exercices reposent sur une pratique plutôt que sur une théorie ; comme eux, ils engagent l’esprit — l’entraînement d’une faculté particulière réclame en fait le concours de plusieurs. Cette pratique, qui n’est jamais définitivement acquise, doit par conséquent être répétée. En effet, chacun de ces exercices possède une fonction critique et la critique doit être reconduite tant que perdure l’habitude ou l’illusion qu’elle combat. La différence essentielle tient à la visée de l’exercice : les pratiques que nous étudierons ne tendent pas à réformer le mode de vie du sujet et ainsi à transformer le sujet lui-même, mais à produire une œuvre. Vinci, Cozens et Valéry proposent des exercices artistiques. Si l’exercice spirituel est « une pratique destinée à opérer un changement radical de l’être », selon l’expression d’Hadot, l’exercice artistique possède sans doute un but plus modeste : il vise à développer les facultés fondamentales pour la création artistique, telles que l’imagination, « les capacités d’invention », selon l’expression de Cozens, ou la sensibilité. Les exercices spirituels tendent à apprendre à vivre, tandis que les exercices artistiques ont pour but d’apprendre à créer. Parmi ceux-ci, les exercices par l’informe se distinguent par leur radicalité. D’abord, ils jouent souvent un rôle liminaire : ils exercent l’esprit et dans certains cas le corps en vue de la première étape de la création artistique, l’invention. Mais surtout, ils exercent des facultés fondamentales pour la création artistique, en particulier dans le domaine des arts visuels, pour lesquels écrivent non seulement Vinci et Cozens mais aussi Valéry : les exercices par l’informe ont pour enjeu non seulement d’apprendre à créer, mais aussi d’apprendre à voir. (shrink)

En littérature comme en peinture, le brouillage des hiérarchies est aussi constant que leur formulation, tant l'acte créateur se confond avec leur transgression et leur déplacement. L'importance théorique des genres paraît disproportionnée au regard de leur influence réelle sur la création littéraire et artistique. En revanche, leur impact se fait bien plus ressentir sur la réception des oeuvres, car ils fournissent des critères de jugement et permettent d'instaurer dans le système des beaux-arts une manière d'ordre politique. La transgression des hiérarchies (...) est bien souvent involontaire, et quand elle est volontaire, elle apparaît comme un geste iconoclaste, mais ce geste lui-même n'est pas loin de devenir institutionnel. S'il est aujourd'hui banal d'étudier la transgression des frontières génériques, le présent volume interroge la fascination que les hiérarchies ont toujours exercée, envers et contre toute réalité, et la séduction paradoxale des genres mineurs"--Page 4 of cover. (shrink)

L'ouvrage revient sur le projet de l'esthétique dite "scientifique", qui se constitue comme telle dans la 2e moitié du XIXe siècle : dépasser les postulats kantiens et spiritualistes au nom d'un rapprochement de l'esthétique avec les sciences expérimentales de son temps (psychologie, physiologie, psychophysique, anthropologie...). Croisant les approches de la philosophie et de l'histoire de l’art, l'ouvrage étudie en outre l'articulation de cette esthétique avec l'art de son temps, du néo-impressionnisme aux débuts de l'abstraction, de l'art nouveau à la géométrie (...) sensible des puristes, et des réformateurs des arts du geste et de la danse aux zélateurs des synesthésies et de l'oeuvre d'art totale. (shrink)

Tout est parti d'une demande d'Olivier Kaeppelin, directeur de la Fondation Maeght, chargeant Bernard-Henri Levy de penser la grande exposition de l'été 2013, à la Fondation. Un thème : les rapports de la peinture et de la philosophie. Un principe : traiter à égalité, et faire dialoguer autour de cette thématique, les maîtres de l'art ancien, moderne et contemporain. Un fil directeur : une sorte de "grand récit", découpé en six stations, où l'on voit la philosophie censurer, ou réhabiliter, ou (...) effacer à nouveau, ou au contraire relayer et même remplacer, le travail des peintres. Une aventure : Bernard-Henri Levy a, pour raconter cette histoire, couru les collections privées, les musées de France et d'ailleurs, débusquant ainsi des chefs-d'oeuvre, souvent peu connus et peu vus, qui seront, du 29 juin prochain au 12 novembre, exposés sur les murs de la Fondation Maeght. Le livre enfin, né de cette aventure, est découpé en trois parties. Une longue "Lettre à Olivier Kaeppelin" (80 pages) posant les bases de l'exposition, ses principes théoriques et ceux de l'Esthetique de BHL. Un Journal, tenu de l'été 2011 au printemps 2013, et racontant, jour après jour, le "making of" de cette exposition hors-norme : problèmes esthétiques et techniques, portraits d'artistes ou de collectionneurs, moments d'éblouissement et de déception - tout y est. Et puis, enfin, les images des 120 oeuvres choisies et accompagnées, chaque fois, d'une "notice" à la fois littéraire et scientifique - c'est la troisième partie du livre. Ce livre n'est pas un "catalogue" (même s'il répertorie savamment les oeuvres retenues). Ce n'est pas un "beau livre" (même s'il est richement illustré). C'est un vrai livre, foisonnant, vivant, littéraire de bout en bout, bourré d'anecdotes et de croquis - où l'on retrouve l'encre du BHL philosophe mais aussi romancier et parfois même cinéaste! Bernard-Henri Lévy a, depuis 30 ans, publié plusieurs monographies sur l'art ancien (Piero della Francesca), moderne (Mondrian) ou contemporain (Frank Stella). Ce nouveau livre vient prolonger et, en quelque sorte, couronner cette part moins connue et, jusqu'ici, délibérément discrète de son oeuvre. (shrink)

This book analyses the dynamic relationship between art and subjective consciousness, following a phenomenological, pragmatist and enactive approach. It brings out a new approach to the role of the body in art, not as a speculative object or symbolic material but as the living source of the imaginary. It contains theoretical contributions and case studies taken from various artistic practices (visual art, theatre, literature and music), Western and Eastern, the latter concerning China, India and Japan. These contributions allow us to (...) nourish the debate on embodied cognition and aesthetics, using theory-philosophy, art history, neuroscience-and the authors' personal experience as artists or spectators. According to the Husserlian method of "reduction" and pragmatist introspection, they postulate that listening to bodily sensations-cramps, heartbeats, impulsive movements, eye orientation-can unravel the thread of subconscious experience, both active and affective, that emerge in the encounter between a subject and an artwork, an encounter which, following John Dewey, we deem to be a case study for life in general. Ce livre analyse la relation dynamique entre l'art et la conscience subjective, selon une approche phénoménologique, pragmatiste et enactive. Il vise à faire émerger une nouvelle approche du rôle du corps dans l'art, non pas comme objet spéculatif ou matériau symbolique, mais comme source vivante de l'imaginaire. Les contributions théoriques et les études de cas sont prises à diverses pratiques artistiques (arts visuels, théâtre, littérature et musique), occidentales et orientales, ces dernières concernant la Chine, l'Inde et le Japon. Selon la méthode husserlienne de réduction, en écho à l'introspection pragmatiste, les textes témoignent que l'écoute des sensations corporelles - crampes, battements de coeur, mouvements pulsionnels, orientation des yeux - mises en jeu par l'oeuvre, permet de dénouer le fil de l'expérience inconsciente, à la fois kinesthésique et affective, qui émerge dans la rencontre entre un sujet et une oeuvre d'art, une rencontre comprise, à la manière de Dewey, comme un cas d'école de la vie en général. (shrink)

Qu’a donc « voulu dire » l’artiste? Qu’a-t-il recherché? Cette question peut sembler dépassée ou naïve, comme si l’œuvre se suffisait à elle-même. Pour Alessandro Pignocchi, il est impossible de comprendre nos relations aux œuvres d’art sans s’interroger sur les intentions de l’artiste. Les avancées récentes en sciences cognitives suggèrent en effet que chaque aspect de notre expérience d’une œuvre est façonné par les intentions que nous attribuons, pour la plupart inconsciemment, à l’artiste. Nous percevons par exemple, (...) à notre insu, de nombreuses propriétés des œuvres d’art – les traits d’un dessin, certains aspects de la structure des films ou des phrases d’un roman – comme le fruit d’intentions et d’actions que nous aurions nous-mêmes pu produire. Réflexion pluridisciplinaire, cet ouvrage revisite des thèmes classiques de la philosophie de l’art – le concept d’œuvre, la place de l’auteur, du contexte, le rapport de l’œuvre au temps, le statut du jugement artistique – et élabore une série d’outils de pensée visant à enrichir nos relations aux œuvres d’art. Alessandro Pignocchi est docteur de l’EHESS en philosophie et en sciences cognitives, membre de l’Institut Jean-Nicod. Il est aussi illustrateur. (shrink)

Les articles de ce recueil, réunis par des membres du Centre de Recherche en Poétique, Histoire Littéraire et Linguistique (EA 3003) de l'Université de Pau et des Pays de l'Adour, explorent les notions de perception, perspective et perspicacité dans plusieurs champs de recherche (linguistique, littérature, histoire des idées, philosophie et arts) et à diverses époques, du Moyen Age à la modernité. De l'univers sonore médiéval à l'esthétique de Debussy, de la linguistique populaire à l'étude linguistique des relations entre perception, cognition (...) et syntaxe, de Prévost à Proust en passant par Mark Twain ou Virginia Woolf, de la peinture américaine de Thomas Cole aux oeuvres vidéographiques contemporaines, cet ouvrage, tel un kaléidoscope, offre une myriade de perspectives sur la façon dont de simples locuteurs, des écrivains, des artistes ou des philosophes s'efforcent d'appréhender le monde. Les auteurs mettent en évidence les multiples stratégies rhétoriques, narratives ou esthétiques, entre autres, destinées à combler les failles d'une vision trop empirique ou à briser ou brouiller de façon perverse les écrans qui font obstacle à notre perception. Celle-ci survient parfois au terme d'une longue initiation, ou elle ne survient pas, tant il paraît difficile de jeter un regard surplombant sur un monde labile et opaque. La perception n'en demeure pas moins un catalyseur de la création, et aussi de la réception, voire de la re-création par un lecteur / spectateur perspicace qui aime être surpris de voir plus loin que son horizon d'attente. (shrink)

Ce livre rassemble des conférences données par le philosophe belge Maurice de Wulf sur le sujet de l'art et de la beauté. Il a été publié par l'Institut de Philosophie et la Librairie Félix Alcan. This work has been selected by scholars as being culturally important, and is part of the knowledge base of civilization as we know it. This work is in the "public domain in the United States of America, and possibly other nations. Within the United States, you (...) may freely copy and distribute this work, as no entity (individual or corporate) has a copyright on the body of the work. Scholars believe, and we concur, that this work is important enough to be preserved, reproduced, and made generally available to the public. We appreciate your support of the preservation process, and thank you for being an important part of keeping this knowledge alive and relevant. (shrink)

Phalènes (le mot se dit au féminin comme au masculin) : ce sont des papillons nocturnes qui apparaissent depuis l’obscurité et, lorsqu’ils n’y retournent pas, viennent s’aventurer près d’une chandelle pour s’y consumer brusquement et ne laisser, sur la table, qu’un petit tas de cendres. Ils ou elles traversent ce recueil de textes comme une figure destinée à penser, à repenser l’image. À interroger, plus précisément, l’apparition comme réel de l’image. Les phalènes sont beauté faite de fragilité, forme faite d’informe, (...) au terme de son état larvaire et de sa métamorphose, la chrysalide ne se nomme-t-elle pas imago?, symétrie faite de brisure, luxe fait d’altération, mouvement fait d’errance autant que d’obstination, désir fait de consumation. Battements d’ailes, battements du visible et battements du temps. Les phalènes emblématisent un genre nécessaire, nécessairement papillonnant, fatalement réglé sur l’imagination, du savoir à se faire sur les images. Quels rapports faut-il construire entre connaître et regarder? Est-ce reconnaître ou pas? Des hypothèses sont ici formulées à travers quelques études sur l’"image-sillage" selon Bergson, le "savoir-mouvement" selon Warburg, le "regard des mots" selon Rilke, la notion d’"image-dépouille" selon Blanchot, ou encore la façon dont Deleuze a voulu penser l’acte, faussement simple, de "faire une image". On découvre aussi comment apparaître et ressembler se nouent, mais sans se rassembler, dans le vol d’un papillon, la danse d’un psychotique, la trace d’un suaire, le moulage d’une jeune fille qui frissonne ou le coloris en grisaille d’un tableau de paysage. On tente de mieux regarder une chronophotographie de Marey, une planche du test de Rorschach, un détail de Velázquez, une draperie de Loïe Fuller, un diagramme de Beckett, une cire anatomique, un châle de prière juif ou une oeuvre d’art contemporain dédiée au génocide rwandais... On s’interroge sur le fait que l’image brûle d’apparaître, et qu’ainsi sa contribution à notre connaissance de l’histoire soit aussi problématique que nécessaire. (shrink)

Vous éprouvez souvent l'embarras du choix? Que sera la liberté au XXIe siècle? Depuis l'invention des machines et des computeurs, notre quotidien semble avoir gagné du temps. Mais en contrepartie, il paraît de plus en plus codé, soumis aux automatismes. Depuis Leibniz jusqu'à la puce biométrique, l'auteur raconte une histoire alternative de l'ère informatique. Il démontre que le " numérisme ", le principe ordinateur, est une vertu humaine ancestrale et nécessaire. Mais insuffisante. Après le sauve-qui-peut du postmodernisme, un nouveau paradigme (...) est en train de naître, le " créalisme " : le monde est notre création commune incessante. L'horizon de notre liberté politique et existentielle, c'est la Terre comme oeuvre d'art. Construit comme une odyssée philosophique curieuse et empreinte d'humour, voici un traité de cocréativité pour une époque aux forces actives éclatées. Où l'on découvre que l'ordre et l'aventure ne sont pas incompatibles. (shrink)

La question qui anime tout ce travail est de savoir comment la philosophie peut se rendre digne du retour aux choses memes. Chez Merleau-Ponty, ce retour implique, de prime abord, une critique vigoureuse de la pensee representative. La phenomenologie merleau-pontienne nous enseigne que la perception, ou plus precisement l'aisthesis, precede le domaine de la representation. C'est donc a l'aisthesis que la phenomenologie doit remonter. Et c'est la tout l'interet d'une ontologie de la peinture qui se demarque profondement d'une ontologie de (...) la representation. Or, l'etude de Jenny Slatman montre clairement que ce retour aux choses memes ne s'acheve pas simplement dans une philosophie de l'art. En effet, l'auteur developpe la these, a travers une lecture rigoureuse de l'oeuvre de Merleau-Ponty, selon laquelle le retour aux choses memes resulte en une transformation de l'expression philosophique. Comparable a une oeuvre d'art, l'oeuvre ou l'expression de la philosophie ne devrait pas s'enfermer dans des concepts figes. Mais grace a la force de la metaphore, le discours philosophique peut rester a jamais ouvert et en mouvement perpetuel. (shrink)

La philosophie de l'art d'Étienne Gilson n'accorde aucune place au roman. Après avoir dégagé les raisons de ce rejet et en avoir dévoilé les présupposés, nous montrons que le roman a droit de cité dans la sphère des arts majeurs, et ce même à partir des principes de la théorie de Gilson.Gilson's philosophy of art leaves no room to the novel. First, we elucidate his reasons to do so, then we disclose their presuppositions, and finally we show that the novel (...) should be considered as a major form of art even on Gilson's grounds. (shrink)

L'omniprésence de l'image dans nos sociétés contemporaines, massivement régies par les médias visuels, - photographie, cinéma, télévision, internet - a bouleversé notre culture, longtemps fondée sur le primat de l'écrit. Cette révolution renoue cependant avec les assises les plus anciennes de notre culture où l'image, prise en charge par la peinture, le théâtre et les arts oratoires, était porteuse de savoir et d'émotion esthétique. Ce pouvoir de création et de communication de l'image a fait très tôt l'objet d'un examen critique (...) soucieux d'en dénoncer les dangers : force et forme d'attraction paroxystique, la fascination désigne assez bien ce péril et ces pièges. Platon, le premier, en instruit le procès tandis qu'Aristote s'efforce d'arrimer au logos la puissance imageante du théâtre. A l'âge classique, les Etats modernes établissent leur pouvoir par un contrôle croissant de l'image : J-M Apostolidès et L Marin ont rendu compte, pour la France, de la machinerie fascinatrice du "grand Roi", qui traverse les arts et l'imaginaire classiques. La littérature contemporaine inclut dans sa démarche réflexive cette méditation sur le pouvoir fascinant de l'image : l'oeuvre de Pascal Quignard en reprend et repense ainsi les figures paradigmatiques - Narcisse, Méduse, Médée. Examinant ce phénomène dans la peinture, la littérature et les arts du spectacle, cet ouvrage, transhistorique et pluridisciplinaire, est l'occasion d'un dialogue entre philosophes, littéraires, esthéticiens et historiens qui interrogent ici collectivement, en toute liberté critique, la fascination des images dans son ambivalence, rayonnante et aliénante. (shrink)

L'article présente d'abord les principales tendances de l'esthétique: centrées sur les arts du beau (peinture, sculpture, littérature, etc.: définition extensionnelle ouverte), elles divergent en termes de rattachement à un champ d'étude plus vaste (l'expérience sensible, l'art ou la beauté en général, etc.). Les principales tendances de la sémiologie, de leur côté, correspondent à une science ou doctrine générale des signes, à une science des signaux (signes servant à communiquer), voire à une science des seuls signaux non linguistiques, à l'exclusion des (...) indices (signes sans visée communicative) et des signaux linguistiques. Les rapports entre ces deux champs disciplinaires varient, entre autres, relativement d'une part à la possibilité de considérer l'oeuvre d'art comme un signe, voire comme un signal (à ce niveau, le modèle de la communication peut revêtir une valeur heuristique), d'autre part selon les diverses sortes de signes. En définitive, les relations entre l'esthétique philosophique et la sémiologie de l'art s'échelonnent de la disparition complète de la première à l'identification des deux, en passant par la coexistence, harmonieuse ou conflictuelle, des deux. (shrink)

I write here about how the visible and the invisible intertwine in painting: in theory and in praxis – primarily the praxis of my own painting. Philosophers are rarely asked to discuss, much less to show in public, what they do avocationally rather than professionally. I was drawn to the invitation of the Merleau-Ponty Circle to exhibit my painting and to talk about what I do when I am not writing or teaching philosophy. It has offered a rare chance to (...) catch up with myself – with the painter in me. I started in art long before I turned to philosophy. It was my first love and is still my intermittent passion. I have not hidden it from others altogether – I have shown my work in various group shows– but it would be more accurate to say that I have hidden it from myself. Talking about my art work in the context of this Circle comes at a very welcome moment in which I am in the process of determining where I shall go with the rest of my life as it shortens down: ars longa, vita brevis.J’écris ici à propos de la manière dont le visible et l’invisible s’entrelacent dans la peinture : en théorie et en pratique, prioritairement dans ma propre pratique de la peinture. On demande rarement aux philosophes de discuter, et encore moins de montrer en public, ce qu’ils font en amateurs plutôt que professionnellement. J’ai été entraîné par l’invitation du Merleau-Ponty Circle à exposer ma peinture et à parler de ce que je fais lorsque je n’écrit pas et n’enseigne pas la philosophie. Cela m’a offert une chance rare de me retrouver moi-même, le peintre en moi. J’ai commencé dans l’art bien avant de me tourner vers la philosophie. C’était mon premier amour c’est encore ma passion intermittente. Je ne l’ai pas caché, puisque j’ai montré mon travail dans plusieurs expositions collectives. Ce serait plus juste de dire que je l’ai caché de moi-même. Parler de mes oeuvres d’art dans le contexte du Merleau-Ponty Circle arrive à un moment tout à fait bienvenu, où je suis en train de réfléchir à la suite de ma vie, puisqu’elle raccourcit : ars longa, vita brevis.In questo articolo tratto di come il visibile e l’invisibile si intreccino in pittura, nella teoria come nella pratica, e in particolare nella mia pratica di pittura. Raramente ai filosofi viene chiesto di discutere, e ancor più raramente di mostrare pubblicamente, ciò che essi fanno in ambito amatoriale e non professionale. Sono rimasto molto colpito dall’invito del Merleau-Ponty Circle a esporre i miei dipinti e a parlare dell’attività che svolgo quando non scrivo o non insegno filosofia. Questo invito mi ha fornito un’opportunità rara per riprendere contatto con me stesso – con il pittore che è in me. Mi sono avvicinato all’arte molto prima di rivolgermi alla filosofia. L’arte è stato il mio primo amore ed è ancora la mia passione intermittente. Non l’ho mai tenuta nascosta agli altri – ho presentato il mio lavoro in numerose mostre collettive; forse sarebbe più corretto dire che l’ho nascosta a me stesso.La possibilità di parlare della mia arte in occasione del Merleau-Ponty Circle si è presentata in un momento molto propizio, in cui mi trovo a domandarmi quale strada percorrere in quello che resta della mia vita che a mano a mano si accorcia: ars longa, vita brevis. (shrink)

L'art est la chair de la vie. Il incarne la vie intérieure comme renonciation. L'art est en effet la réalité même de l'affect en tant que ce dernier s'annonce comme étant, dans son essence universelle, à la fois aspiration et renoncement à l'absolu. C'est cette thèse que le philosophe Patrice Guillamaud avait déjà défendue à propos du cinéma et qu'il développe ici à propos de l'ensemble des différents arts. Il s'agit ainsi d'un nouveau système des Beaux-Arts. Celui-ci met en évidence (...) les différentes essences de l'art à partir des différentes manières dont celui-ci fait participer la vie aux différentes sphères de la réalité que sont notamment la pensée, la nature et l'histoire. De la littérature à la musique, en passant par la peinture et l'architecture, l'art est la vie comme renonciation. De Proust à Schönberg, de Botticelli au Corbusier et de Dostoïevski à Beckmann, c'est la même essence universelle de la vie qui se livre dans chacune des grandes oeuvres de l'art. (shrink)

La philosophie analytique est ici considérée à son point de départ. Les conditions de l’expression sont vues comme synonymes de celles de la pensée. Une entreprise d’explicitation est à cette suite appliquée en retour à la méthode scientifique qui était auparavant le modèle. La distinction de la syntaxe et de la sémantique, commandée par l’analyse logique, est alors appliquée à l’ensemble des systèmes de représentation: oeuvre d’art, action humaine, esprit. Cette évolution montre un souci essentiel: l’instrument technique de la (...) connaissance. (shrink)

Antoine Altieri Nous nous proposons dans cet article d’interroger, à la lumière de la conception henryenne de l’art telle qu’elle s’expose dans Voir l’invisible, le rapport que cette modalité particulière de l’expression entretient avec la « vie », qui est toujours vie de l’artiste. Il s’agira pour ce faire d’interroger l’antique notion de « Mimèsis », et de proposer le sens véritable qu’il faut accorder à l’« imitation » dans l’art : le propre de l’imitation étant de ne pas faire (...) oublier qu’elle est une imitation. Mais nous nous proposerons ainsi de déterminer ce qu’il en est de la « naissance » de l’artiste : l’artiste est celui qui « naît » véritablement, tel qu’en lui-même dans sa singularité, du fait de communier avec la vie de cela même qu’il représente. (shrink)

Au terme d'une longue recherche en quête du sens de l'art et de son mystère au coeur de nos vies, ce bref essai voudrait revenir sur le point central de jointure entre apparence et apparition qu'on peut désigner sous l'expression de manifestation esthétique. Interrogation ultime que soulève tout grand créateur d'une oeuvre d'art digne de ce nom, à savoir porteuse d'un contenu de vérité authentique. Ainsi du doute de Cézanne hanté au dire de Merleau-Ponty par le soupçon de l'échec de (...) la peinture à conjurer l'illusion des images - ou encore de l'angoisse de Schoenberg à la poursuite d'une musique qui soit espérance messianique (ce que J S Bach déjà avait poursuivi au sommet toute sa vie). Question éminemment philosophique méditée depuis toujours par les plus grands penseurs. Ainsi, au confluent du néo-platonisme et du christianisme, la lecture augustinienne de Plotin ; en plein âge baroque, l'analyse kantienne décisive du sublime au principe de l'imagination esthétique, et, à l'aurore de notre modernité du XXe siècle, l'invocation de Walter Benjamin à "l'aura, l'unique apparaître d'un lointain". (shrink)

Les etudes reunies dans ce volume ont ete originellement publiees sous le titre general L 'industrialisation des arts du beau, et parachevent la reflexion esthetique d'Etienne Gilson, inauguree dans l'Introduction aux arts du beau, et poursuivie dans Peinture et realite ou encore Matieres et formes. Reprenant l'ordre de reflexion de ce dernier ouvrage (les arts plastiques, la musique, la litterature), l'auteur - non sans rappeler certaines analyses des penseurs de l'ecole de Francfort - donne ici a penser en quoi l'infinie (...) reproduction technique et industrielle d'une oeuvre d'art modifie non seulement l'experience esthetique dont elle est l'objet, mais aussi la culture dans laquelle cette reproduction massive prend place. Mettant ainsi en perspective les notions de culture de masse et d'industrialisation, Etienne Gilson les differencie au sein d'une relation complexe, ou l'industrialisation des produits culturels n'est que le moyen de creer une culture de masse, dont elle devient a la fois la cause et l'effet. Il devient alors possible de s'interroger sur le sens des beaux-arts de masse au sein de cette culture, ainsi que sur le rapport qu'entretient l'oeuvre originale avec ses reproductions industrielles. C'est enfin au cas de l'Eglise catholique post-conciliaire et a ses efforts de massification que s'etend la reflexion, s'ouvrant ainsi par-dela le domaine des beaux-arts a la notion de societe de masse dans toute son ampleur. (shrink)

Cet ouvrage porte sur la notion de surface, ses plans, ses dimensions et ses propriétés, mais surtout sur ses fonctions dans l'univers artistique. Dès les premiers collages cubistes, ce sont les avant-gardes du début du XXe siècle qui ont fait de cette entité l'élément principal de l'art, de ses opérations et de ses visions. Avec l'invention du cinématographe, du phonographe, et la nouvelle typographie, elle a été repensée en profondeur, vouée à une existence renouvelée au travers de procédés artistiques comme (...) le collage et le montage. C'est dire qu'elle n'a rien d'une catégorie figée et qu'il s'agit d'en faire l'histoire en même temps que la théorie. C'est ce à quoi s'attache cette étude, véritable traversée des avant-gardes occidentales (arts plastiques, cinéma, théâtre, poésie) élaborée au filtre d'une logique des surfaces généralisée. De Picasso à Abel Gance, de Braque à Fernand Léger, d'Apollinaire à Eisenstein, c'est tout un pan de la pensée et de la création qui est ici mis puissamment en perspective au moyen d'analyses aussi précises dans la saisie de leurs objets que dans la traversée de la littérature qu'ils ont suscitée. On y découvrira non seulement une nouvelle histoire des avant-gardes, largement critique par rapport à l'approche formaliste des surfaces (celle de Clement Greenberg notamment), mais aussi une nouvelle histoire de la quatrième dimension, enjeu majeur d'un grand nombre de travaux modernistes. Des surfaces donc ou d'une vision profondément renouvelée du sens et des effets de la création."--back cover. (shrink)

Partie de l’homme et de sa poièsis pour en nier les limites et se représenter un produire supérieur, la création digne du Dieu créateur du ciel et de la terre, la philosophie occidentale a fini par l’appliquer à l’homme-artiste : partie d’une conception trop anthropomorphique de la production divine, elle a fini par promouvoir une conception théomorphique de la création humaine. On érige en méthode un tel théomorphisme afin de voir d’abord comment les diverses conceptions de la création divine éclairent (...) effectivement la création humaine. On explore ensuite la relation de l’œuvre au principe créateur : qu’est et que devient l’œuvre une fois qu’elle est créée? Et que peut nous apprendre sur la création même le destin du créé? (shrink)

Les Salons de Diderot figurent sans conteste parmi les plus fameux écrits sur l’art. Bien plus, on a longtemps répété que l’encyclopédiste avait initié la « critique d’art », entendue comme un genre littéraire clairement défini et appelé à une postérité féconde. Or, non seulement Diderot n’est pas l’inventeur du genre, mais le philosophe ne se percevait pas lui-même comme critique d’art. Les Salons, en effet, ne constituent pas une production en marge du corpus philosophique de Diderot ; (...) au contraire, ils s’inscrivent au cœur de l’œuvre générale de ce penseur atypique, en même temps qu’ils en restituent l’image, en prolongent les questionnements, en dévoilent les ambitions et en révèlent la méthode. Pourtant, il n’est pas faux d’affir­mer que les écrits de Diderot sur l’art sont conçus comme une critique des œuvres d’art, singulièrement de celles des peintres, à la double condition d’entendre conve­nablement le sens philosophique que Diderot donne au mot « critique » et de conserver en mémoire qu’écrire, pour le salonnier, ne consiste jamais à parler de la peinture mais, bien plutôt, de s’astreindre à parler peinture. (shrink)

L'analyse de la personne ou de l'oeuvre d'art comme entité matériellement incorporée et culturellement émergente est centrale dans l'oeuvre de Joseph Margolis : il tente de développer un dualisme des propriétés, comme alternative au réalisme platonicien et au dualisme ontique cartésien, en esthétique et en « philosophy of mind ». La définition de l'incorporation proposée par Margolis est ici critiquée par le moyen d'un contre-exemple, et plusieurs révisions possibles de cette définition, en vue d'éviter l'objection, sont aussi rejetées. La théorie (...) de Margolis nous délivre en principe des inconvénients métaphysiques des ontologies traditionnelles ; mais elle ne peut être acceptée tant et aussi longtemps que le concept d'incorporation n'aura pas été défini d'une façon satisfaisante.The analysis of a person or artwork as a materially embodied culturally emergent entity is central to Joseph Margolis' attempt to develop property dualism as an alternative to Platonic realism or ontic Cartesian dualism in aesthetics and the philosophy of mind. Margolis' definition of material embodiment is criticized by counter-example, and several methods of revising the definition to avoid the objection are discredited. Margolis' theory in principle offers relief from the metaphysical disadvantages of traditional ontologies. But the proposal cannot be accepted unless or until the concept of material embodiment is correctly defined. (shrink)