El text d’Ian Ground la traducció del qual transcrivim a continuació va ser llegit a l’acte de presentación del seu llibre ¿Arte o chorrada? (València, Publicacions de la Universitat de València / Col•lecció Estètica & Crítica, 2008) el dia 9 de juny de 2008 a l’Aula Magna de l’edifici del Carrer La Nau de la Universitat de València, amb la presència, a més d’Ian Ground, de Romà de la Calle (en qualitat de Director de la col•lecció Estètica & Crítica) i (...) de mi mateix, Salvador Rubio (en qualitat de traductor, editor i autor de la introducció del llibre). El text va ser llegit en anglés pel seu autor, alternat, paràgraf per paràgraf, amb la lectura de la traducció castellana. Hem preferit que el text traduit aparega ací en castellà, exactament igual al que va ser llegit a l’esmentat acte de presentació. La reflexió que ens proposa Ian Ground, en cara que específicament concebuda per a aquest acte, no necessita cap presentació i pot ser llegida perfectament com un text autònom. Tanmateix, em permet precedir-la amb unes quantes observacions que no pretenen sustituir les meues paraules a l’acte (on, naturalment, els agraïments eren els protagonistes) ni tampoc la introducció del llibre ja publicada, i a la qual es pot remetre directament el lector d’aquest article. (shrink)

Ground s’enfronta al xoc de l’art contemporani plantejant, a manera de reflexió filosòfica, aquelles preguntes «grolleres» que semblaven confinades en la resposta de l’home del carrer o del crític reaccionari: no és una xorrada aquesta pila de rajoles al museu? No obstant això, la seua intenció no és fer-nos prendre partit a favor o en contra de determinades obres d’art del Minimal o del Conceptual. El que batega al fons del llibre de Ground és una defensa de l’art (...) class='Hi'>contemporani quan reivindica la seua intel·ligibilitat com un tret centralment constitutiu d’aquest. Una defensa que passa, necessàriament, per mantenir en peus la vigència de la pregunta que dóna títol al llibre, a pesar dels intents recents per anul·lar-la o per relegar-la a una desautorització ingenuista i/o reaccionària de «tot» l’art contemporani. (shrink)

Aquesta publicació recull els textos de les ponències de "L'encontre Fora d'equi libri", organitzat pel Departament de Cultura i Mitjans de Comunicació els dies 5, 6 i 7 de setembre de 2008, que planteja el paper de la inestabilitat i la tra nsformació en el món contemporani. Les causes, els mecanismes i les conseqüèncie s d'estar fora d'equilibri apareixen de forma diversa en els més diversos àmbits de les ciències, les humanitats i la creació en general. L'encontre s'organitzàe n (...) tres sessions: "homo ecologicus", que reflexiona sobre el fer de manera respec tuosa amb l'ambient; "viure el canvi", que reflexiona sobre la necessitat d'adap tació a un món canviant, i "artistes al laboratori", que reflexiona sobre les co ndicions favorables al procés de creació. (shrink)

Mais de duas décadas após o seu lançamento, em 1999, o primeiro filme da trilogia Matrix tem neste segundo ano da pandemia do coronavírus uma atualidade atordoante. Em muitos aspectos, a humanidade vive dias muito próximos do enredo surreal descrito nos três filmes, que revi recentemente provavelmente pela décima vez. A diferença é que a realidade sombria vivida por bilhões de pessoas nos quatro cantos da Terra desde março de 2020 não tem uma versão amena como a existente dentro da (...) Matrix. (shrink)

Em 2022 teremos uma celebração muito especial para a Música Popular Brasileira. O icônico disco “Clube da Esquina”, de Milton Nascimento e Lô Borges, completará 50 anos de lançado. O álbum apresentou ao mundo mais do que o resultado de uma parceria musical de rara beleza; ele foi uma espécie de marco zero de um movimento artístico e existencial nascido na bucólica Belo Horizonte da segunda metade da década de 1960, envolvendo amigos, música, cinema e literatura.

A humanidade tem sido tomada por angústias tão sutis que, aos poucos, vai se dissolvendo – física e psicologicamente – como se estivesse sendo consumida de dentro para fora. Neste sentido a saída – ainda que imediata e provisória – é propor um jogo de Xadrez com a morte. Não à toa Ingmar Bergman escolhe o Xadrez como a forma da sua personagem desafiar “alguém” tão poderoso. O jogo é um chamamento à razão, à luz capaz de organizar as ideias (...) e dar um rumo à vida. (shrink)

Ainda que possa ser visto como clichê sob diversos aspectos, o filme “O Céu da Meia-Noite” (dirigido e protagonizado por George Clooney para a Netflix) traz temas reflexivos na perspectiva existencial. Lançado em dezembro de um ano doloroso para a humanidade, ele teve as suas gravações encerradas pouco antes do início da pandemia, ainda que traga uma atmosfera tão soturna quanto a deste momento histórico.

O início da terceira década do século 21, tão marcado pela globalização tecnológica e virtualização das relações humanas, ainda mantém fortes laços com o obscurantismo religioso da Idade Média. Com outra roupagem, o fanatismo de muitos cristãos das mais variadas igrejas eterniza sentimentos e ações que acreditávamos superados há séculos. A intolerância religiosa, normalmente carregada de outras tantas intolerâncias na pauta moral, revela com clareza que a caça às bruxas nos tempos da chamada Santa Inquisição foi atualizada com sucesso. O (...) Brasil, por exemplo, vive um de seus piores momentos históricos neste sentido, principalmente pelos recorrentes ataques furiosos às religiões de matriz africana e crimes de agressão e morte contra as chamadas minorias sociais. (shrink)

Quando assisti pela primeira vez a “Sociedade dos Poetas Mortos”, em 1989 (ano de lançamento no cinema), a história protagonizada pelo saudoso Robin Williams me comoveu profundamente. Naquela época eu caminhava rumo aos meus 20 anos, quando a vida ainda parece uma areia movediça e o futuro, uma eternidade. Eu ainda estava na Faculdade de Filosofia da UFBA, em Salvador, preparando-me para ser professor.

Revendo recentemente o ótimo filme “A Vila”, do diretor indiano M. Night Shyamalan (o mesmo diretor de “O Sexto Sentido”, “Corpo Fechado” e “Sinais”), é possível entender os motivos que levaram os fundadores do vilarejo fictício a criar um mundo à parte para as futuras gerações. O filme, de 2004, é inserido no gênero “suspense” por conta de sua história central em torno de uma lenda sobre criaturas aterradoras que vivem na floresta. Estas são o empecilho para que os moradores (...) cultivem o desejo de deixar o único lugar que conhecem. (shrink)

Desde que foram criados pelos sumérios há mais de 5 mil anos, os livros sempre aterrorizaram os ocupantes do topo de quaisquer formas de poder. Neles estiveram e continuam sendo guardados os sonhos, as ideias, os projetos e as ações da humanidade em todas as vertentes possíveis, sejam eles libertadores e instigantes para as transformações positivas do mundo e do próprio ser humano, sejam eles os caminhos opostos da destruição e da opressão. [...].

“Não existe ninguém que não esteja mais próximo da morte depois de um ano que antes dele, amanhã mais do que hoje, hoje mais do que ontem, pouco depois mais do que agora e agora pouco mais do que antes”. Neste trecho do livro “Cidade de Deus”, um dos mais importantes filósofos da Idade Média – Santo Agostinho (354-430) – enfatiza uma velha constatação da humanidade, mas que a angustia em qualquer época.

Recopilació dels textos de les reflexions que van tenir lloc en l'encontre inter nacional "Noves fronteres de la ciència, l'art i el pensament. Física de l'estèt ica", celebrat els dies 6 i 7 de setembre de 2005 a l'Auditori Caixa Catalunya-l a Pedrera de Barcelona. En la trobada es plantejaren preguntes universals relati ves als límits de la nostra percepció, al disseny de la matèria o a la narrativa de la complexitat circumdant. Va comptar amb la col·laboración de personalitats d'àmbits (...) no científics que, des de la seva perspectiva, contribuiren a destil·l ar l'estètica emanada de les tendències contemporànies d'aquesta disciplina cien tífica. (shrink)

Between Nightmare and Reality: Dystopian Reflections on the Contemporary Society Resum: Per mitjà de la narració de fantasia i de ciència ficció, la utopia i la distopia promouen una anàlisi crítica de la realitat. En particular, la distopia ens alerta de les possibles conseqüències catastròfiques derivades de problemes sociopolítics existents i contribueix a la reflexió constructiva sobre les amenaces antidemocràtiques que posen en perill la nostra societat. Aquest article examina la representació de l’autoritat, la coacció, la propaganda, la plasmació, l’espai (...) i el llenguatge en distopies sociopolítiques seleccionades i reconegudes, com Nosaltres de Zamiatin, Un món feliç de Huxley, La nit de l’esvàstica de Burdekin, 1984 d’Orwell i El conte de la serventa de Atwood, i compara aquestes ficcions amb esdeveniments històrics i contemporanis, amb l'esperança d’il·luminar la manera real en què el poder opera sobre els cossos i les ments en sistemes tant repressius com liberals.: Through fantasy and science fiction storytelling, utopia and dystopia promote a critical analysis of reality. In particular, dystopia warns against the possible nightmarish consequences of factual socio-political issues, as well as it fosters a constructive and thought-provoking reflection on the undemocratic threats that jeopardize our society. This article examines the representation of authority, coercion, propaganda, embodiment, space, and language in selected and renowned socio-political dystopias, including Zamyatin’s We, Huxley’s Brave New World, Burdekin’s Swastika Night, Orwell’s 1984, and Atwood’s The Handmaid’s Tale, and it subsequently compares these fictional depictions with historical and contemporary events, hoping to shed light on the real way that power operates on bodies and minds both in repressive and liberal systems. Paraules clau: distopia, utopia, control, violència, realització Keywords: Dystopia, Utopia, Control, Violence, Embodiment. (shrink)

https://revistes.uab.cat/enrahonar/article/view/v38-adrian.

Col·lecció que aplega les actes dels cursos d'estiu del comtat d'Urgell que se celebra cada juliol a Balaguer des de l'any 1996. Aquests llibres contribueixen a renovar el coneixement de les arrels medievals de la mà dels millors especialistes d'Europa i Amèrica. Directors: Flocel Sabaté i Joan Farré.

L’estiu de 1947, tres joves amics, Yves Klein, Claude Pascal i Armand Fernandez, s’asseuen a la platja de Niça. Encara no són artistes, no fan res i perden el temps omplint-lo de projectes i paraules. Prenen el sol, miren el mar i el cel de la Mediterrània, fan declaracions entusiastes sobre el Gran Art del futur i comparteixen la natura, com uns nens que es divideixen un regne imaginari. Klein pren el blau del cel que abasta amb la mirada, com (...) el color absolut i ideal de la pintura. -/- Yves le Monochrome dirà diverses vegades que, aquell matí d’estiu, va fer un viatge fantàstic, com si fos un astronauta conquerint l’espai, i va signar, com si es tractés d’un llenç pintat de blau, l’altre costat d’aquest bell cel sense núvols: la més bella i la més gran de les seves obres. Aquest cel blau pintat de blau és una obra immaterial i impossible, no feta per les mans de l’artista, amb colors, pinzells i teles, sinó explicada amb les seves paraules, mites i llegendes. (shrink)

The Seven Heavenly Palaces were created by Anselm Kiefer to inaugurate the HangarBicocca in Milan in 2004, and, after an intervention on the site in 2008, were transferred, preserved and repaired, finally relocated differently for a new and definitive exhibition, with some paintings, in 2015. Erected around prefabricated containers, these monumental ruins in reinforced concrete, are in fact assembled, reconstructed and restored ruins, nonarchitectural and metaphorical buildings with a mass of complementary materials considered an integral part of the work and (...) credited as produced by the artist in person. According to what preunderstandings and values the operation of conservation and operation has been established and carried out ? According to which idea of the ontological, perceptual and semantic identity of the work of art the aesthetic experience of this high problematic site-specific installation has been reconfigured ? (shrink)

In an attempt to discover the facial action units for affective states that occur during complex learning, this study adopted an emote-aloud procedure in which participants were recorded as they verbalised their affective states while interacting with an intelligent tutoring system (AutoTutor). Participants’ facial expressions were coded by two expert raters using Ekman's Facial Action Coding System and analysed using association rule mining techniques. The two expert raters received an overall kappa that ranged between.76 and.84. The association rule mining analysis (...) uncovered facial actions associated with confusion, frustration, and boredom. We discuss these rules and the prospects of enhancing AutoTutor with non-intrusive affect-sensitive capabilities. (shrink)

Dans la deuxième moitié des années 1980 s’est développée, dans l’ensemble du champ de la culture, une véritable esthétique de la bêtise. Quelques jeunes critiques d’art se sont alors emparés du phénomène et ont tenté de le théoriser, entre 1994 et 1998, dans les revues les plus lues de l’époque : Flash Art International, Artpress, Frieze. L’étude de ce corpus d’articles (signés par Joshua Decter, Éric Troncy, Jon Savage, Andrew Hulktrans et Jean-Yves Jouannais) témoigne à la fois des mutations de (...) la critique d’art de l’époque et de l’enjeu que représente alors l’art délibérément bête. On remarquera que la critique d’art se fait alors critique culturelle : elle regarde peu les œuvres, réduites au statut d’illustrations et d’arguments visuels. On s’interrogera également sur la place que les revues d’art contemporain ont accordée à la culture populaire médiatique la plus régressive du temps. Beavis & Butt-Head, Melrose Place ou encore Alerte à Malibu ont été ainsi disséqués dans les colonnes d’ Artforum ou de Flash Art. Alors que les œuvres d’art estampillées « art contemporain » donnaient lieu à des analyses étonnamment sommaires, ce sont les séries télévisées et les dessins animés qui ont conduit aux analyses les plus stimulantes. Elles l’ont fait en recourant au paradigme de la méta-criticalité cher au modernisme, conférant aux œuvres les plus régressives le statut d’image spéculaire, à la fois duplice et critique, de la culture de la bêtise qui les générait. Pointe alors le paradoxe suivant : alternant entre l’enthousiasme forcené et la déploration, la critique d’art des années 1990 a intellectualisé l’anti-intellectualisme le plus radical. (shrink)

L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique à la française, dont (...) les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

En la primera parte de este artículo se discute el punto de vista del filósofo de las ciencias Arthur Fine, sobre el realismo y el antirealismo. Se establecen algunas relaciones semánticas y pragmáticas con D. Davidson y R. Brandon, sin dejar de insistir en que el lenguaje ya no puede seguir s..

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:...

Heidegger, Art, and Postmodernity offers a radical new interpretation of Heidegger's later philosophy, developing his argument that art can help lead humanity beyond the nihilistic ontotheology of the modern age. Providing pathbreaking readings of Heidegger's 'The Origin of the Work of Art' and his notoriously difficult Contributions to Philosophy, this book explains precisely what postmodernity meant for Heidegger, the greatest philosophical critic of modernity, and what it could still mean for us today. Exploring these issues, Iain D. Thomson examines several (...) postmodern works of art, including music, literature, painting and even comic books, from a post-Heideggerian perspective. Clearly written and accessible, this book will help readers gain a deeper understanding of Heidegger and his relation to postmodern theory, popular culture and art. (shrink)

Since the meaning of the design in the XIX Century, “applied art” , till today's Designart, through the artidesign , the boundary among art and design has been often unsettled. During the 50’s, Max Bill has defined “hairdresser” the designer who focuses on the shape rather than the function. Nowadays, we are surrounded by more and more products with high symbolic level designed to state their aesthetic configuration. Nothing against the communicative value of the product. However, what happens when it (...) affects the usability? (shrink)

Laura D'Olimpio argues that aesthetic education ought to be a compulsory part of education for all students, from pre-primary through to high school, as it is essential that young people have the opportunity to make art, experience and understand art and be informed as to the artistic history and aesthetic theories that have shaped their own culture and others. The book defends arts education on the basis of art's distinctive value and centrality to human experience. It also engages with topics (...) such as the art teacher's role in the classroom, curricula concerns and gleaning moral meanings from artworks. (shrink)

Cet article revient sur une notion à la fois féconde et polémique des derniers travaux de Foucault : l’esthétique de l’existence, ou la possibilité d’élaborer sa vie comme une œuvre d’art. À rebours de plusieurs critiques et malentendus, il s’agit de saisir le sens et les enjeux de cette idée en faisant pleinement droit à sa dimension esthétique. À travers l’analyse de la conférence sur La Culture de soi, l’article commence par montrer la spécificité de l’esthétique de l’existence au sein (...) des larges réflexions de Foucault sur les problématisations du sujet. En confrontant ensuite différents textes du philosophe entre eux, on en vient à dégager une double série de propositions qui mettent en lumière la profonde actualité de l’esthétique de l’existence et son potentiel subversif. (shrink)

The theme of the relationship between art and society is certainly not a central topic in the aesthetic reflection of Italian neo-idealism. Neither in Croce nor in Gentile it is ever discussed at length, and the few writings in which it is addressed are brief and polemically oriented. This essay, however, proposes to discuss the few hints present in Croce and Gentile on this subject. First, the debate on the materialistic interpretation of history will be examined, to which both Croce (...) and Gentile made important contributions at the end of the 19th century. Secondly, Croce’s own way of doing the history of literature will be discussed, showing the differences that distance him from the Desanctisian model and also from the model derived from the Hegelian Aesthetics. Croce’s way of making history of literature, indeed, aroused harsh criticism after World War II and provoked a request for a “return to De Sanctis”.Finally, but the theme will be only hinted at in the essay, a brief reference will be proposed to the opinions of Antonio Gramsci and his reading of Croce. (shrink)

L’esprit contemporain nous vole nos intériorités. Il entend façonner nos goûts et nos imaginaires. Orienter nos expériences. Nous détourner de nous-mêmes dans un divertissement généralisé, une mise en réseau et un art consommé de l’inquiétude qui est une autre manière de nous emporter dans son flux. C’est un homme mutilé, abruti, amoindri spirituellement que produit ce monde dominé par la technique qui ose appeler progrès les0régressions qu’il programme. L’art – entendu non comme savoir ou culture mais comme passion de la (...) liberté et exploration de nos sources enfouies – est l’un des derniers moyens qui nous restent pour nous savoir humains. Tout art digne de ce nom est insurrection, quête d’absolu, tentative désespérée pour dire l’amour incommensurable qui nous taraude. Emmanuel Godo, ici, nous provoque et nous convoque. Et si nous faisions l’épreuve de notre humanité – pour en avoir la preuve – en nous confrontant à des oeuvres d’art? Mais pas à des simulacres sans épaisseur ou à des joujoux insipides, non! Car ce n’est pas en millions de dollars que s’évalue une oeuvre mais à sa capacité à faire se lever en nous nos forces en sommeil. Un plaidoyer magistral pour l’art contemporain, le vrai. (shrink)

Qu’a donc « voulu dire » l’artiste? Qu’a-t-il recherché? Cette question peut sembler dépassée ou naïve, comme si l’œuvre se suffisait à elle-même. Pour Alessandro Pignocchi, il est impossible de comprendre nos relations aux œuvres d’art sans s’interroger sur les intentions de l’artiste. Les avancées récentes en sciences cognitives suggèrent en effet que chaque aspect de notre expérience d’une œuvre est façonné par les intentions que nous attribuons, pour la plupart inconsciemment, à l’artiste. Nous percevons par exemple, à notre insu, (...) de nombreuses propriétés des œuvres d’art – les traits d’un dessin, certains aspects de la structure des films ou des phrases d’un roman – comme le fruit d’intentions et d’actions que nous aurions nous-mêmes pu produire. Réflexion pluridisciplinaire, cet ouvrage revisite des thèmes classiques de la philosophie de l’art – le concept d’œuvre, la place de l’auteur, du contexte, le rapport de l’œuvre au temps, le statut du jugement artistique – et élabore une série d’outils de pensée visant à enrichir nos relations aux œuvres d’art. Alessandro Pignocchi est docteur de l’EHESS en philosophie et en sciences cognitives, membre de l’Institut Jean-Nicod. Il est aussi illustrateur. (shrink)

The general thesis which I should wish to sustain on this topic is by no means new. It is, briefly, that even in the Republic , where the views on art which Plato propounds are notoriously unsatisfactory to the modern mind, this unsatisfactoriness is not due to any lack of aesthetic sympathy on Plato's part, but on the contrary to what is almost an excess of it. The position as far as I can understand it is this: the true artist (...) is the philosopher, and true artistic insight is episteme . The work of art par excellence is primarily the philosopher's own life-that is, the philosopher himself. (shrink)

Stephen Davies’s Adornment lays an admirable foundation upon which much fruitful philosophical discussion about the topic of adornment can—and likely, will—be b.

"Music before all else..." yes, but what music, when the last century focused on discussing the very concept itself? This work studies the passage from modern art to contemporary art while considering the fundamental transformations of the musical paradigm.