Excerpt from Système des Beaux-Arts Au sujet de la doctrine de Kant il suffisait d'aver tir que je m'y accorde toujours en ce qui suit, sans avoir jamais à l'invoquer. J'ai dû procéder autrement à l'égard d'une idée directrice non moins importante, que j'ai trouvée en Descartes, mais que le Prince de l'entendement n'a nullement approchée du présent sujet. Je veux parler de l'imagination comme fonction ou puissance humaine, mais essentiellement définie par le mécanisme et les affections du (...) corps humain. Cette importante idée n'a certainement pas été assez suivie par ceux qui ont tenté de décrire convenable ment la nature humaine sans esprit de système et, par une conséquence naturelle, elle est ignorée de ceux qui réfléchissent volontiers sur les beaux-arts c'est pourquoi il ne m'a pas paru inutile de l'analyser avec suite. Mais il ne faut pas attendre d'après cela que quelque règle des arts soit tirée de cette idée-là; car ce sont les oeuvres qui donnent la règle en sorte que l'étude des différents arts serait ici comme la vérification d'une doctrine de l'imagination d'abord proposée. Et comme cette méthode, qui consiste à exposer et expliquer autant que l'on peut, sans jamais tenter de rien prouver, risque d'étonner les esprits jeunes, communément formés par l'argumentation et les polémiques, il faut donc que j'ajoute ici un troi sième avertissement. About the Publisher Forgotten Books publishes hundreds of thousands of rare and classic books. Find more at www.forgottenbooks.com This book is a reproduction of an important historical work. Forgotten Books uses state-of-the-art technology to digitally reconstruct the work, preserving the original format whilst repairing imperfections present in the aged copy. In rare cases, an imperfection in the original, such as a blemish or missing page, may be replicated in our edition. We do, however, repair the vast majority of imperfections successfully; any imperfections that remain are intentionally left to preserve the state of such historical works. (shrink)

Les idées ici proposées ne dépendent point de quelque idée supérieure d'abord posée, et ne conduisent même point à quelque notion commune qui puisse définir tous les arts en peu de mots. Au contraire je me suis attaché à marquer les différences, les séparations, les oppositions, me réglant ainsi, autant que peut faire la critique, sur les oeuvres elles-mêmes, dont chacune s'affirme si bien et n'affirme qu'elle.

v. 1. A défaut-- la littérature -- v. 2. Arts et philosophie mêlés.

La manière dont la sociologie rend compte d’artifications récentes semble supposer l’existence d’une frontière stable ou stabilisée entre art et non-art à partir de l’émergence moderne de la catégorie des « beaux-arts ». Les études sociologiques concluent par ailleurs au caractère rare et marginal des cas de désartification. En relisant trois paragraphes de la troisième Critique, ce texte vise à introduire des nuances sur ces deux points : le xviii e siècle n’a pas produit de consensus sur une (...) liste « arrêtée » des beaux-arts et certaines désartifications historiques ont atteint des disciplines qui servirent de modèles dans l’émergence même de la catégorie des beaux-arts. (shrink)

This article situates Auden’s poem Musée des Beaux Arts in the process of his conversion to Christianity. The author argues for the layered intertextuality of the poem, in which allusions to Bruegel’s Landscape with the Fall of Icarus, The Census at Jerusalem, and The Massacre of the Innocents can be recognised. Moreover, Philippe de Champaigne’s Presentation in the Temple and Peter Paul Rubens’s The Martyrdom of St Livinus seem also to have influenced the poem. Finally, there is reason (...) to suppose that John Singer Sargent’s Crashed Aeroplane influenced Auden. In an analysis of the structure of the poem, the author argues that there is a clear structure hidden under the surface of day-to-day language. He connects this hidden structure with Auden’s poem The Hidden Law, and suggests that Auden wished to claim that even though we cannot understand suffering, it has a hidden meaning known only to God. This hidden meaning connects our suffering with the self-emptying of Christ, a connection which the author demonstrates is in fact also made in Musée des Beaux Arts. (shrink)

Name der Zeitschrift: Semiotica Jahrgang: 2015 Heft: 207 Seiten: 185-200.

Sul concetto di scienza della pittura nel Trattato della Pittura di Leonardo da Vinci.

L’œuvre de Bentham repose sur quelques paradoxes étonnants. Le premier est que le plaisir est la clé de voûte du système des arts et des sciences et pourtant ce système ne donne lieu à aucune esthétique qui ait l'ampleur de la réflexion de l'auteur sur le droit, la politique, l’éthique, les sciences, les techniques, et même sur la religion. Le second est que l'on a souvent opposé l'utilité à la beauté et bien des auteurs ont vu dans la recherche (...) de l'utilité une enquête incompatible avec la recherche du beau. Mais il n'y a guère de raison à donner pour justifier cette opposition : une chose peut être utile et belle ; une chose belle a au moins l'utilité de sa beauté puisqu'elle produit un plaisir. Le troisième est que l'analyse que Bentham mène à propos du plaisir et de la douleur est assez incertaine ; tantôt le plaisir est tenu pour aussi réel que la douleur, mais, à d'autres moments, la douleur est plus réelle que le plaisir. Le quatrième tient à la difficulté de nier radicalement qu'il y ait des bons goût et des mauvais goûts ; la notion de goût implique cette différence. Enfin, nous avons trouvé si peu de raison qui permette d'exclure les beaux arts du champ de la réflexion utilitariste que nous nous sommes risqués, à partir de quelques éléments donnés par Bentham, à esquisser une esthétique. Il nous paraît toutefois qu'une esthétique utilitariste reste à concevoir. (shrink)

L'exposition Berthe Morisot organisée conjointement par le Palais des Beaux-Arts de Lille et la fondation Pierre Gianadda, à Martigny, ainsi que son catalogue peuvent être regardés comme un véritable événement. D'abord, saluons la fondation suisse qui fait un travail de fond remarquable depuis de nombreuses années en exposant (avec catalogue) des artistes françaises comme Camille Claudel, Suzanne Valadon, Marie Laurencin, en collaboration avec des musées de province. Notons ensuite que...

Dans Art et Scolastique, Maritain ne pense pas seulement l’art comme une technique, mais comme une vertu intellectuelle. Pour mieux saisir l’originalité de cette thèse, il faut la resituer dans le moment artistique et philosophique des années 1920. Maritain n’était pas hostile à la modernité artistique : la gageure d’ Art et Scolastique consiste à penser l’art du présent grâce aux concepts thomasiens pour construire une théorie néothomiste originale du bel art. Mais peut-on rigoureusement penser la création artistique avec les (...) outils conceptuels de Thomas d’Aquin? En mettant au jour les tensions internes à Art et Scolastique, on met en lumière la vivacité et l’inventivité de la philosophie maritainienne de l’art. (shrink)

L’angle sous lequel Kant aborde le jugement esthétique (de goût) est transcendantal, il s’agit d’établir la possibilité qu’un tel jugement soit de validité universelle et nécessaire. On est donc loin d’une perspective historique sur les arts que développera Hegel. Cependant, les conditions de possibilité recherchées sont celles de jugements appartenant à l’expérience d’individus humains et à celle de l’humanité au cours des siècles. C’est sur la présence de cet aspect temporel du jugement réfléchissant esthétique et de la production des (...) beaux-arts dans la première partie de la troisième Critique et sur ses enjeux que se centre le propos de ce texte. (shrink)

Não há dúvida de que uma intenção moral presidiu ou, no mínimo, acompanhou grande parte da arte do passado. Esquecemos suficientemente de falar da arte, em geral, como um domínio em que as considerações éticas não têm lugar e em relação a qual seria inconveniente falar em moral, isso porque belo e bom são valores não apenas distintos, mas independentes, e dentre esses importa conservar-lhes essa independência. Uma visão sensata do estado histórico da questão supõe, no entanto, que tomemos consciência (...) da historicidade dessa posição separatista, ou seja, que, por um lado, esqueçamos por um instante a autonomia e a autotelia da arte ensinada no século XIX e, por outro lado, que nos lembremos da maneira com que os artistas e os pensadores da arte, anterior à invenção moderna das belas-artes, concebiam a prática artística. Nessa longa história pré-moderna da arte, gostaria de examinar mais precisamente aqui as intenções éticas da teoria humanista da pintura e de submeter a um exame crítico a eficácia dessas intenções.Palavras-chave: Efeitos Éticos da Pintura. Teoria Humanista da Pintura. Efeitos Estéticos e Cognitivos da Arte. Résumé:Qu’une intention morale ait présidé ou au moins accompagné une grande partie de l’artdupassé, c’estcequi ne fait aucundoute. Nous l’avons suffisamment oublié pourparler de l’art, engénéral, comme d’un domaine où les considérations éthiques n’ontpasleurplace et à propos duquel il serait déplacé de parler de morale, aumotif que beau et biensont desvaleurs non seulement distinctes mais indépendantes et dontqu’il importe de leur conservercette indépendance. Une visionsaine de l’état historique de la question suppose pourtant que nous prenions conscience de l’historicité de cette position séparatiste, autrementdit, que d’une part nous ou blions pour un temps l’autonomie et l’autolélie de l’artenseignée par le XIX èmesiècle et d’autrepart, que nous nous rappelions la manière dont artistes et penseurs de l’art d’avant l’invention modernedes beaux-art sont conçula pratique artistique. Dans cette longue histoire prémoderne de l’art, on considérera plus précisément ici les intentions éthiques de la théorie humaniste de lapeinture et l’onsoumettra à unexamen critique lesmoyens de cesintentions.Mots-Clés: ÉffetsÉthiques de laPeinture. ThéorieHumaniste de laPeinture. ÉffetsEsthétiques et Cognitifs de l’art. (shrink)

L'art est la chair de la vie. Il incarne la vie intérieure comme renonciation. L'art est en effet la réalité même de l'affect en tant que ce dernier s'annonce comme étant, dans son essence universelle, à la fois aspiration et renoncement à l'absolu. C'est cette thèse que le philosophe Patrice Guillamaud avait déjà défendue à propos du cinéma et qu'il développe ici à propos de l'ensemble des différents arts. Il s'agit ainsi d'un nouveau système des Beaux-Arts. Celui-ci (...) met en évidence les différentes essences de l'art à partir des différentes manières dont celui-ci fait participer la vie aux différentes sphères de la réalité que sont notamment la pensée, la nature et l'histoire. De la littérature à la musique, en passant par la peinture et l'architecture, l'art est la vie comme renonciation. De Proust à Schönberg, de Botticelli au Corbusier et de Dostoïevski à Beckmann, c'est la même essence universelle de la vie qui se livre dans chacune des grandes oeuvres de l'art. (shrink)

Critique à l’égard des réflexions philosophiques empiristes, Antoine Chrysostome Quatremère de Quincy forgea autour de 1800 une nouvelle théorie de l’art, grâce à une connaissance précoce du criticisme kantien et des esthétiques qui s’en inspirèrent. Il imposa une conception idéaliste de l’art, en opposant un système d’ imitation abstraite du type idéal au traditionnel concept d’ imitation de la nature. En faisant valoir l’existence d’une « puissance d’imaginer » intuitionniste et spontanée, dérivée du concept d’ Einbildungskraft, il proposa un système (...) général des beaux-arts fondé sur une nouvelle métaphysique. Avant Madame de Staël et Victor Cousin, il contribua à diffuser auprès du public français certains débats artistiques outre-Rhin parmi les plus originaux, en soutenant activement les échanges intellectuels entre les deux pays, et notamment les critiques novatrices du mouvement Sturm und Drang dans une perspective spiritualiste. Cet article est une contribution à l’histoire des transferts culturels entre la France et l’Allemagne au début du XIX e siècle, en présentant les grands principes de sa métaphysique de l’art, son interprétation de la mimèsis, mais aussi ses sources pour comprendre les fondements de sa politique des arts à l’aube d’une révolution artistique en Europe. (shrink)

Le cinéma occupe une place importante dans l’œuvre du philosophe et esthéticien français Étienne Souriau (1892-1979). Soucieux d’inclure parmi les traditionnels Beaux-arts l’art mécanique nouveau du cinéma, Souriau développe au lendemain de la Seconde Guerre mondiale une pensée ontologique singulière du cinéma dont Christian Metz nous rappelle en 1980 qu’elle ne fonctionne que par interventions. Depuis ses premières tentatives d’études par la méthode cinématographique de 1937, du temps où Souriau enseigne à l’université de Lyon, jusqu’aux pages de son (...) posthume Avenir de la philosophie (1982), en passant par les dix années d’aventure filmologique, cette étude vise donc à réunir l’ensemble de ces interventions et à révéler l’étendue de cette pensée jusqu’à sa postérité. Il s’agit encore d’explorer ces années filmologiques durant lesquelles Souriau dirige un Groupe de recherche au sein de l’Institut de filmologie ; groupe auquel nous devons notamment la paternité du concept actualisé de diégèse. Ce corpus a priori hétérogène regroupe des chapitres d’ouvrage, articles de revues, inédits et archives, et constitue in fine de façon rhizomique ce que nous pouvons désormais nommer : la pensée esthétique du cinéma selon Étienne Souriau. (shrink)

La manifestation artistique Mothership (Nantes, 2010), conçue par Michaël Sellam, artiste invité à l'école des beaux-arts de Nantes, autour d'un scénario inspiré du cinéma de science-fiction et de " mondes parallèles ", nous a permis de mener un questionnement inédit portant sur le travail d'artistes émergents faisant appel aux techniques du numérique (son, multimédia...) Si les oeuvres ont été abordées sous l'angle classique de l'analyse voire de la psychanalyse, et de la déconstruction, elles ont surtout été le point (...) de départ de discussions et réflexions philosophiques originales prenant appui sur une théorie des appareils - à distinguer des simples dispositifs et systèmes de communication - visant à appréhender les enjeux actuels de l'art et de la culture, innervés par une techno-science qui se voudrait porteuse d'espoir et d'utopie, quand elle se trouve bien souvent emportée dans des dérives commerciales, totalitaires et sectaires : l'individu, pris dans une temporalité vide, effrénée, et dépossédé d'une technique qu'il n'a pu intérioriser, se retrouve prolétarisé (Stiegler). Quelles seraient les alternatives à un tel phénomène? Comment, par l'expérience, matérialiser les immatériaux. La figure polymorphe - à la fois fantastique, imaginaire, sociale et politique - de l'extraterrestre (étranger, handicapé, hérétique, parasite, fou, génie, monstre, ange ou sauveur...) s'est progressivement imposée, nous conduisant à interroger les problématiques portant sur la différence et sur les différends qu'elle suscite, sur l'errance, la spectralité, l'événement et l'univers infini, l'archaïque et l'ultramoderne... Le rapport entre art et croyance, science et idéologie, foi et savoir (Derrida) s'est révélé déterminant dans notre réflexion, la pierre angulaire se situant dans la technique, potentiellement aliénante du fait des normes qu'elle met en jeu, ou au contraire émancipatrice, quand elle parvient à dépasser sa condition hylémorphique. (shrink)

Historienne de l’art à University College à Londres, Mechthild Fend est spécialiste de la culture visuelle de la France des XVIIIe et XIXe siècles. Au cours des années 1990, elle a consacré une thèse de doctorat à la question de la représentation du masculin dans les beaux-arts de cette époque. C’est cette recherche qui est au fondement des Limites de la masculinité, paru pour la première fois en allemand en 2003. L’ouvrage présente donc les avantages et les inconvénients (...) d’une recherche « da... (shrink)

En 1657, Nicolas Poussin peint une Fuite en Égypte au voyageur couché. La toile disparaît ensuite pendant plusieurs siècles. Dans les années 1980, plusieurs versions du tableau réapparaissent, de grands experts mondiaux s'opposent, des laboratoires d'analyse et des tribunaux s'en mêlent et nombreux sont ceux - galeristes, experts, directeurs de musée, conservateurs, etc. - à vouloir authentifier et s'approprier le chef-d'oeuvre. L'une des versions sera finalement acquise pour 17 millions d'euros par le musée des Beaux-Arts de Lyon. De (...) quoi nous parle cette histoire aux allures d'intrigue policière? Pourquoi une telle débauche d'énergie, de controverses et d'argent pendant autant d'années? Qu'est-ce qui fait la valeur - économique, esthétique - d'une oeuvre d'art? Et d'où vient cette aura attachée aux créateurs et aux oeuvres? (shrink)

Résumé Des Principes de l’Architecture, de la Sculpture, de la Peinture et des autres Arts qui en dépendent - avec un Dictionnaire des termes propres à chacun de ces Arts ont été publiés en 1676. Contemporain du système des Académies établi par Colbert, le livre est destiné à décrire et fixer par des mots précis la pratique des arts figuratifs dans la France de Louis XIV et forme ainsi la première encyclopédie méthodique et illustrée qui en ait (...) traité. L’article s’intéresse à la théorie poïétique sous-jacente à l’édifice que Félibien consacre aux « plus beaux des Arts ». Loin du dogmatisme que l’on prête trop souvent au propos académicien, cette théorie s’avère avant tout attentive aux spécificités irréductibles de chacune des pratiques dont elle rend compte et ne parvient à la sûreté du discours, qu’une fois l’épreuve faite des limites rencontrée par la rationalité lorsque celle-ci se tourne vers les ouvrages d’art. (shrink)

In 2008, the Musée des Beaux-Arts de Lyon acquired a painting called The Flight into Egypt which was attributed to the French artist Nicolas Poussin. Thought to have been painted in 1657, the painting had gone missing for more than three centuries. Several versions were rediscovered in the 1980s and one was passed from hand to hand, from a family who had no idea of its value to gallery owners and eventually to the museum. A painting that had (...) been sold as a decorative object in 1986 for around 12,000 euros was acquired two decades later by the Musée des Beaux-Arts de Lyon for 17 million euros. What does this remarkable story tell us about the nature of art and the way that it is valued? How is it that what seemed to be just an ordinary canvas could be transformed into a masterpiece, that a decorative object could become a national treasure? This is a story permeated by social magic the social alchemy that transforms lead into gold, the ordinary into the extraordinary, the profane into the sacred. Focusing on this extraordinary case, Bernard Lahire lays bare the beliefs and social processes that underpin the creation of a masterpiece. Like a detective piecing together the clues in an unsolved mystery he carefully reconstructs the steps that led from the same material object being treated as a copy of insignificant value to being endowed with the status of a highly-prized painting commanding a record-breaking price. He thereby shows that a painting is never just a painting, and is always more than a piece of stretched canvass to which brush strokes of paint have been applied: this object, and the value we attach to it, is also the product of a complex array of social processes – with its distinctive institutions and experts – that lies behind it. And through the history of this painting, Lahire uncovers some of the fundamental structures of our social world. For the social magic that can transform a painting from a simple copy into a masterpiece is similar to the social magic that is present throughout our societies, in economics and politics as much as art and religion, a magic that results from the spell cast by power on those who tacitly recognize its authority. By following the trail of a single work of art, Lahire interrogates the foundations on which our perceptions of value and our belief in institutions rest and exposes the forms of domination which lie hidden behind our admiration of works of art. (shrink)

The fundamentals of Kahn's architectural philosophy begin with his personal history: his inherent talent; his family background and childhood experiences; his education, from elementary school through architectural school; the influences of Paul Philippe Cret and Beaux Arts architecture; and his travels, especially those to study the antique monuments of Egypt, Greece, and Rome. Because the causal aspects of these experiences were absorbed by him, rather than being the products of Kahn's own thinking, he rarely acknowledged them. His conclusions (...) led to a philosophy that echoed some of the thoughts of earlier philosophers, like Spinoza and Heidegger, but were arrived at independently.1 Kahn expressed his philosophy in lectures, seminars, writings, interviews, conversation, and often through sketches. However, he habitually expressed himself elliptically-his phrasing poetic, his metaphors original and apt. Therefore, his meaning was often felt rather than understood. Extensive studies of Louis Kahn's architecture exist, but few focus on his fully developed architectural philosophy.2 This text addresses that subject, incorporating his own words (in italics) and relating them where relevant to his final work, the Yale Center of British Art (hereafter, "the Center"). Kahn died during the construction of the building, the last material expression of his architectural philosophy. I was the first director of the Center, a participant in the selection of the architect and throughout the building's planning and creation. Coincidental with the early years of Kahn's planning for the Center, two young architectural historians-John Cook and Heinrich Klotz-interviewed several leading architects, including Kahn. Working with a verbatim transcript of the Kahn interviews, made by Karen Denavit, I produced an edited version of the interviews in book format. Louis I. Kahn in Conversation: Interviews with John W. Cook and Heinrich Klotz (hereafter, "Kahn in Conversation") is the source for many of the Kahn quotations included here. A researcher can consult the full, verbatim transcript of the interviews in the Center's Institutional Archives, in the Manuscripts and Archives collections in Sterling Memorial Library at Yale University, and in the Architectural Archives of the University of Pennsylvania. (shrink)

Au § 45 de laCritique de la facultè de juger, Kant écrit: «La nature était belle lorsqu'elle avait incontinent l'apparence de l'art; et l'art ne peut être appelé beau que lorsque nous sommes conscients qu'il s'agit bien d'art, mais qu'il prend pour nous l'apparence de la nature». Ce qui semble à première vue n'être qu'un simple «paradoxes Gedankenspiel» nous convie au contraire à l'un des problèmes les plus intéressants de la troisièmeCritique: celui du rapport entre la beauté de l'art et (...) celle de la nature. L'intention de la présente analyse est de préciser l'importance de ce rapport dans l'économie et dans l'articulation générale de cette œuvre. Comment devons-nous comprendre cette sorte de «chassé-croisé» entre l'art et la nature? Est-ce que, par exemple, l'affirmation qui déclare que l'art ne peut être beau que s'il apparaît comme nature possède, aux yeux de Kant, le même statut philosophique que celle qui dit que la nature pour être belle doit apparaître comme art? En somme, est-ce que d'après Kant la relation entre les belles formes naturelles et les beaux produits de l'art en est une de réciprocité? (shrink)

Nous ne cessons d'apprecier des objets, nous leur donnons de la valeur, nous les disons beaux ou laids. La beaute ou la laideur ne sont donc pas des qualites reelles des choses. Mais ce sentiment qui est le notre est cause par des qualites qui sont bien reelles dans les choses. De sorte que, la nature humaine etant assez ordinaire parmi les hommes, il n'est pas vain de rechercher dans les matieres du gout, et plus particulierement dans les matieres (...) litteraires, des lois generales qu'on peut figurer dans des modeles choisis ou representer, sur un mode critique, dans une regle du gout. L'argument de Hume est simple, mais prete a des analyses fort subtiles. On en suit la progression avec bonheur dans ces essais magnifiquement ecrits par leur auteur. (shrink)

Alain, 1920: Système des beaux-arts, Paris, Gallimard, 1920. Burdea, G.C., Coiffet P., 1993: Virtual Reality Technology, Hoboken, New Jersey, John Wiley & Sons Inc., 2003. Dufrenne M., 1953: Phenomenology of aesthetic experience, by E. Casey, Northwestern University Press, Evanston, 1973. Dufrenne M., 1963: Le poétique, Paris, P.U.F., 1963. Dufrenne M., 1966: Jalons, Nijhoff, La Haye, 1963. Dufrenne M., 1967: Esthétique et Philosophie, vol. I, Paris, Klincksieck, 1967. Dufrenne M., 1976a: Esthétique et Philosophi e, vol. II, Paris, Klincksieck, 1967. (...) Dufrenne M., 1981a: L'inventaire des a priori: recherche de l'originaire, Paris, Bourgois, 1981. Dufrenne M., 1981b: Esthétique et Philosophie, vol. III, Klincksieck, Paris. 1981. Dufrenne M., 1987: L'oeil et l'oreille, Montreal, L'HEXAGONE, 1987. Franzini E., 1982: Natura e Poesia, Su un inventario degli a priori di Mikel Dufrenne, in Fenomenologia e scienze dell'uomo, Padova, CLESP editrice, pp. 67-90. Sartre J.P., 1940: The psychology of imagination, New York, Philosophical library, 1948. (shrink)

Le musée des Beaux-arts et d’Archéologie de Besançon (MBAB) restructuré est une stratification d’architectures de différentes époques. L’enveloppe initiale de l’architecte Pierre Marnotte datant du XIXème siècle abritait à l’origine une halle à grains. Ce bâtiment fût transformé progressivement en musée. En 1967, l’architecte Louis Miquel construit dans la cour de cet édifice une extension afin de recevoir une énième donation d’œuvres qui caractérisent les collections de cette institution. No...

Corollaire à "l'homme mesure de toute chose" se place "l'homme démesure de toute chose". La démesure n'est pas dommageable en soi, ne pas prendre la mesure de cette démesure ni engager une culture préparant à digérer la démesure est par contre désastreux. Toute médiation est aussi facteur de démesure. Première des médiations humaines, le langage verbal entre dans un vertige de la démesure, à la mesure des médiations technologiques et de leur puissance inouïe. Cet essai sur la condensation se place (...) dans l'effort pour penser les fondements de la médiation symbolique et ce à partir d'une économie sensible de la représentation qui prend pour appui le langage plastique. Kim Leroy est docteur en Philosophie et lettres de l'Université libre de Bruxelles (2006). il enseigne la philosophie de l'art et la sémiologie des médias à l'académie royale des Beaux-arts de Bruxelles et à Arts2 à Mons. coopérateur à la coopérative Quatre Quarts à court-saint-Etienne, il est aussi observateur au conseil d'administration du Mundaneum à Mons et Membre de SEA (sustainable economy association). (shrink)

En littérature comme en peinture, le brouillage des hiérarchies est aussi constant que leur formulation, tant l'acte créateur se confond avec leur transgression et leur déplacement. L'importance théorique des genres paraît disproportionnée au regard de leur influence réelle sur la création littéraire et artistique. En revanche, leur impact se fait bien plus ressentir sur la réception des oeuvres, car ils fournissent des critères de jugement et permettent d'instaurer dans le système des beaux-arts une manière d'ordre politique. La transgression (...) des hiérarchies est bien souvent involontaire, et quand elle est volontaire, elle apparaît comme un geste iconoclaste, mais ce geste lui-même n'est pas loin de devenir institutionnel. S'il est aujourd'hui banal d'étudier la transgression des frontières génériques, le présent volume interroge la fascination que les hiérarchies ont toujours exercée, envers et contre toute réalité, et la séduction paradoxale des genres mineurs"--Page 4 of cover. (shrink)

Vu l’intérêt croissant que l’on porte aux questions éthiques dans le monde contemporain, on ne s’étonne plus de voir se multiplier les travaux qui discutent la façon dont ces questions se posent dans telle ou telle discipline. Or parmi celles-ci, l’architecture occupe une place assez particulière. Dans la mesure où l’on a affaire à l’un des beaux-arts, il ne va pas de soi que l’on puisse attribuer à l’architecture une fonction éthique, tant il est vrai que l’artiste authentique (...) est en droit de revendiquer une sorte de liberté qui se prête mal au respect inconditionnel d’impératifs d’origine morale. Toutefois, comme l’architecture est un art dont le propre est de répondre à un besoin fondamental de l’être humain, soit celui de trouver un abri et un lieu propice à l’habitation, au travail, à l’étude, au recueillement, à la détente ou à quelque autre activité jugée importante, les architectes ont rarement eu beaucoup de. (shrink)