OElkins shines his bright light across the long-overlooked shadowland of studio education. Beautifully written and easy to use, this book is an absolute must for art students and faculty alike."NGeorge Smith, founder and president, Institute for Doctoral Studies in the Visual Arts.

NOT SAUSSURE: A CRITIQUE OF POST?SAUSSUREAN LITERARY THEORY by Raymond Tallis London: Macmillan, 1988. 273 pp., £33 (£10.95 paper).

Over the last 25 years, there has been an increasing fascination with the “dark” side of leadership. The term “destructive leadership” has been used as an overarching expression to describe various “bad” leader behaviors believed to be associated with harmful consequences for followers and organizations. Yet, there is a general consensus and appreciation in the broader leadership literature that leadership represents much more than the behaviors of those in positions of influence. It is a dynamic, cocreational process between leaders, followers, (...) and environments, the product of which contributes to group and organizational outcomes. In this paper, we argue that, despite this more holistic recognition of leadership processes within the broader leadership literature, current conceptualizations and analyses of destructive leadership continue to focus too heavily on behaviors and characteristics of “bad” leaders. In our view, to achieve a more balanced understanding of destructive leadership, it is important to adopt more integrative approaches that are based in the contemporary leadership discourse and that recognize flawed or toxic leaders, susceptible followers, and conducive environments as interdependent elements of a broader destructive leadership process. To this end, we offer a critique of the destructive leadership literature, propose a broader definition of destructive leadership, and highlight gaps in our understanding of leaders, followers, and environments in contributing to destructive leadership processes. Finally, we conclude by discussing strategies for examining destructive leadership in a broader, more holistic fashion. (shrink)

Published under the auspices of The World Institute for Advanced Phenomenological Research and Learning, 19 essays document the April 1998 international congress held at Harvard University. They ponder on such topics as the phenomenology of the experience of enchantment, Leonardo's enchantress, the ambiguous meaning of musical enchantment in Kant's Third Critique, art and the reenchantment of sensuous human activity, the creative voice, the allure of the Naza, Henri Matisse's early critical reception in New York, Zizek's sublimicist aesthetic of enchanted (...) fantasy, and enchantment in Baroque festive court performance in France. There is no subject index. Annotation copyrighted by Book News Inc., Portland, OR. (shrink)

This article critically examines the emergent phenomena of AI-generated and NFT art through the lens of Georg Lukács’ theory of reification and its existential implications. Lukács argued that under capitalism, social relations and human experiences are transformed into objective, quantifiable commodities, leading to a fragmented and alienated consciousness. Applying this framework to AI and NFT art, these technologies can be said to represent extreme examples of the reification of art and creativity in the digital age. AI art generators reduce artistic (...) production to abstract, computable properties divorced from lived experience, while NFTs transform digital art into speculative commodities, imposing the logic of private property and exchange value onto the previously open domain of online culture. The existential dimension of this reification is explored, raising questions about the nature of creativity, originality, and the value of art in an increasingly financialized and automated world. The article suggests that a Lukácsian critique must not only diagnose the reified character of these cultural forms but also identify their potential for resistance and transformation, pointing toward a re-humanized and emancipatory vision of art in the digital age. Contemporary theorists such as Tiziana Terranova, Nick Dyer-Witheford, and Benjamin Noys are invoked to further elucidate these issues. (shrink)

Ces textes sont ceux d'un artiste engagé dans la société et d'un critique affirmé. Ils abordent des thématiques fondamentales: le rapport de l'artiste avec son sujet de travail, la lecture explicative de textes littéraires et le dialogue avec les auteurs, le questionnement sur les fondements des manifestations culturelles en société. Mais ils évoquent aussi des aspects plus régionaux, avec un entretien sur un rite de société, l'explication de quelques fondamentaux de la musique en Afrique, un historique des arts visuels (...) en Côte d'Ivoire et au Togo. Ils ne pouvaient se clore que par l'analyse des corrélations entre fonds et formes, pour trouver et déterminer des évidences plastiques. (shrink)

Crise de l'art ou consensus culturel? Aujourd'hui, l'important n'est plus, semble-t-il, que la critique esthetique ait encore a dire sur Josef Beuys mais que le Centre Pompidou puisse faire croire qu'il dit tout de lui. Le culturel, dans son mecanisme institutionnel et mediatique bien huile, apparait comme l'ultime parade que l'ordre social ait su trouver pour conjurer sa peur - ou sa haine - de l'art. Cependant la critique n'a pas a se laisser abuser ni intimider par l'artifice (...) du consensus culturel qui regne actuellement. Il lui revient de continuer a evaluer les oeuvres, pour autant que le jugement sur l'art engage aussi la societe et l'epoque dans lesquelles cet art se deploie. La reflexion esthetique ne se reduit pas au jugement de gout, elle commence avec lui et se poursuit apres lui. (shrink)

Cet article entend cerner la spécificité de la critique littéraire de l’art telle qu’elle fut pratiquée par les écrivains et poètes en France entre 1850 et 1950, dans le sillage de Diderot, à partir d’un examen des écrits sur l’art de Diderot, Baudelaire, Zola, Stendhal, Huysmans, Valéry, Proust, Reverdy, Leiris. Au-delà des différences individuelles de goût, de statut, de sujets traités et de la prolixité discursive évidente dans la pratique, on peut mettre en lumière les points de convergence qui (...) s’observent dans leurs écrits, afin de cerner le propre de la critique littéraire de l’art du point de vue de la démarche, de la méthode et du style. Ces convergences prennent fond dans une posture commune aux écrivains, qui est celle du non-spécialiste, cultivant résolument la pensée libre et subjective. (shrink)

_Critiques of Knowing_ explores what happens to science and computing when we think of them as texts. Lynette Hunter elegantly weaves together vast areas of thought: rhetoric, politics, AI, computing, feminism, science studies, aesthetics and epistemology. _Critiques of Knowing_ shows us that what we need is a radical shake-up of approaches to the arts if the critiques of science and computing are to come to any fruition.

La modernité s'est construite sur une série d'oppositions l'autorisant à imposer ses fins destructrices à une nature devenue muette et aux autres peuples exclus du mouvement de l'histoire. Cet ouvrage rappelle l'origine des pensées dualistes ayant nourri cette attitude. Il montre que la philosophie, l'anthropologie et les sciences exactes ont largement mis en cause ces théories dualistes. L'histoire de l'art permet d'examiner la manière dont théoriciens et artistes ont pensé l'oeuvre en questionnant l'hylémorphisme et le geste. L'analyse porte aussi sur (...) la numérisation du monde et la nouvelle intelligence d'une matière devenue information. Le dualisme laisse place à une pensée du devenir rejetant toute idée de modèle. (shrink)

À travers une vingtaine de contributions de chercheurs et d'artistes, L'art tout contre la machine invite à réfléchir à la médiation de la technique dans notre rapport au monde telles que les pratiques artistiques contemporaines en esquissent le sens. Il se divise en trois parties, qui tissent de nombreux liens entre elles : « Technique et nature » ; « Interfaces relationnelles et dispositifs génératifs » et « Outils conviviaux et machines domestiques ». Les objectifs sont multiples : interroger des (...) œuvres et des procédures artistiques pour leur capacité à mettre en évidence les incidences des dispositifs machiniques sur nos environnements d'existence ; faire apparaître les filiations de dispositifs de création a priori hétérogènes en interrogeant les circulations entre différents régimes de technicité ; mettre en relief enfin la portée politique et artistique d'une compréhension conviviale des outils de création et la spécificité du rapport à la technique qui la sous-tend. (shrink)

This article examines E.H. Gombrich’s critical appraisal of Arnold Hauser’s book, The Social History of Art. Hauser’s Social History of Art was published in 1951, a year after Gombrich’s bestseller, The Story of Art. Although written in Britain for an English-speaking public, both books had their origins in the intellectual history of Central Europe: Gombrich was an Austrian art historian and Hauser was Hungarian. Gombrich’s critique, published in The Art Bulletin in 1953, attacked Hauser’s dialectical materialism and his sociological (...) interpretation of art history. Borrowing arguments from Karl Popper’s critique of historicism, Gombrich described Hauser’s work as collectivist and deterministic, tendencies at odds with his own conception of art history. However, in his readiness to label Hauser a proponent of historical materialism, Gombrich failed to recognize Hauser’s own criticism of deterministic theories of art, especially formalism. This article investigates Gombrich’s reasons for rejecting Hauser’s sociology of art. It argues Gombrich used Hauser as an ideological counterpoint to his own version of art history, avowedly liberal and individualist in outlook. (shrink)

One of the less comprehensible passages in Immanuel Kant’s Critique of the Power of Judgment is paragraph 9 (KU, AA 5: 216 – 219) where the author rhetorically asks: when we perform a pure judgment of taste, does taking pleasure in a beautiful object come first and only then does (any) aesthetic judgment follow or is it the other way around? The partial conclusions from elaborating this question will then be used to support my assumption that art can be (...) used as a revolutionary and empowering force, much in the way Walter Benjamin hoped the cinema could be used. (shrink)

Dans la deuxième moitié des années 1980 s’est développée, dans l’ensemble du champ de la culture, une véritable esthétique de la bêtise. Quelques jeunes critiques d’art se sont alors emparés du phénomène et ont tenté de le théoriser, entre 1994 et 1998, dans les revues les plus lues de l’époque : Flash Art International, Artpress, Frieze. L’étude de ce corpus d’articles (signés par Joshua Decter, Éric Troncy, Jon Savage, Andrew Hulktrans et Jean-Yves Jouannais) témoigne à la fois des mutations de (...) la critique d’art de l’époque et de l’enjeu que représente alors l’art délibérément bête. On remarquera que la critique d’art se fait alors critique culturelle : elle regarde peu les œuvres, réduites au statut d’illustrations et d’arguments visuels. On s’interrogera également sur la place que les revues d’art contemporain ont accordée à la culture populaire médiatique la plus régressive du temps. Beavis & Butt-Head, Melrose Place ou encore Alerte à Malibu ont été ainsi disséqués dans les colonnes d’ Artforum ou de Flash Art. Alors que les œuvres d’art estampillées « art contemporain » donnaient lieu à des analyses étonnamment sommaires, ce sont les séries télévisées et les dessins animés qui ont conduit aux analyses les plus stimulantes. Elles l’ont fait en recourant au paradigme de la méta-criticalité cher au modernisme, conférant aux œuvres les plus régressives le statut d’image spéculaire, à la fois duplice et critique, de la culture de la bêtise qui les générait. Pointe alors le paradoxe suivant : alternant entre l’enthousiasme forcené et la déploration, la critique d’art des années 1990 a intellectualisé l’anti-intellectualisme le plus radical. (shrink)

Vardoulakis’s ambitious work stems from his perception of the inability of Heidegger’s thought in particular, and of continental philosophy in general, to account for human action in the absence of an understanding of human ends. His specific contention is that this deficiency stems from a mistranslation of Aristotle by Heidegger, whereby Heidegger conflates the ends of phronesis with those of techne. Unfortunately, this contention is itself based on a mistranslation of the Greek. The true argument between Aristotle and Heidegger does (...) not depend upon the difference between the ends of techne and phronesis, but upon the question as to whether our standards for judging human action and thought are given historically or by nature. Heidegger contends that the source of the significance of all things is a mysterious, historical dispensation inaccessible to reason. We are left only with ‘hope’ of a new dispensation, an attitude Vardoulakis rightly finds inadequate. Aristotle’s contention that art or artifice (techne, nomos, poiesis, or ethos) completes or imitates nature can comprehend both constructed or artificial aspects of our ordinary experience and institutions while doing justice to our perception that there are intelligible standards by which we can judge ourselves and others. I suggest the merit of Vardoulakis’s intention is better realized by a return to Aristotle’s understanding of the ends of human action. (shrink)

This essay examines the reasons for Hegel's frequently professed claim that Kant's Critique of Judgment simultaneously reveals the internal limits of critical philosophy and opens the door to his own system of speculative idealism. It evaluates Hegel's contention that the conceptions of aesthetic experience, organic purposiveness, and the intuitive intellect developed in the third Critique together conspire to undermine the epistemological and metaphysical foundations of the theories of nature and freedom advanced in the first and second Critiques . (...) Finally it explains how Hegel understands his logic and real philosophy as a realist and quasi-naturalistic alternative to Kant's subjective idealism, one that purports to generate a system of categories adequate not only to dead matter but also to organic life and free self-conscious spirit. (shrink)

L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique à la française, (...) dont les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

L’originalité de cet article porte tant sur l’approche que sur l’actualité du problème choisi. Il croise sciences politiques (quantitatives et comparatives) et théorie politique, pour traiter de la montée d’une citoyenneté critique. Il analyse ses formes et passe ensuite à une critique plus étayée et philosophique. Ces deux types de résultats ne se recouvrent que très partiellement. Principalement focalisée sur des questions d’identité, la majeure partie des travaux en philosophie politique passent à côté de ce qui constitue le (...) coeur de l’exercice politique. L’article propose alors de considérer des formes de responsabilités, notamment dans l’Union européenne, permettant d’affronter cette critique réactive. (shrink)

In this paper, we examine Maduabuchi Dukor’s article titled “Divination: A Science or An Art?”, where he endeavours to demonstrate the character and nature of African science as well as explores the issue whether some practices in Africa can be accorded a scientific status. These tasks to explore and demonstrate the scientific nature of African practices led Maduabuchi Dukor to focus on divination as his working example; and specifically identified Ifa divination. In sum, Maduabuchi Dukor argues that African (Ifa) divination (...) is or can be made a science through formalization and quantification. The main thrust of his argument is that with the aid of formalization and quantification, divination as practiced in Africa can qualify as a science. Our contention as regards this exercise by Maduabuchi Dukor runs from the beginning of the article through to the end of it. That is, our critique of the article concerns some suppositions employed to build up the argument that supports the claim that (Ifa) divination is a scientific enterprise. In other words, the premises and the conclusion so provided, we argue, are full of contestations; and it is these contestations that we showcased in this paper. It is important to make it clear that our contention has nothing to do with the thinking of Maduabuchi Dukor that Ifa divination is a science or can be made to be so; rather, our contention is the suppositions that he deployed to articulate his thought. (shrink)

Notre propos souhaite nuancer la doxa académique selon laquelle l’invention de la critique d’art serait née en France dans la seconde moitié du xviii e siècle. En effet, la lecture des Entretiens de Félibien favorise par l’éloquence du dialogue la variété des points de vue. Cet article rend compte des tensions qui émanent des Entretiens, une œuvre incessamment située entre la théorie et la critique. La comparaison entre l’œuvre de Raphaël et celle de Michel-Ange illustre cette tension entre (...) l’esthétique (le goût) et la théorie (les règles) dans le « regard Félibien » ; ne cachant pas sa préférence pour Raphaël, il conteste la hiérarchie vasarienne. (shrink)

Rad se bavi Adornovom idejom estetske racionalnosti razvijenom u njegovoj filozofiji umetnosti. Ona predstavlja odgovor na problem zacaravanja uma kojeg postavlja Dijalektika prosvetiteljstva i pokusaj njegovog prosvecivanja po uzoru na nacin postupanja umetnosti. Ovde se pokazuje na koji nacin se mehanizmu opire estetski model racionalnosti prisutan u umetnosti i pod kojim uslovima on postize oslobadjanje prirode iz vlasti subjektivnog duha, a saglasno sa tim i coveka iz vlasti prirode, koja se u toku rascaravanja dijalekticki preobrazila u mitsku silu koja ljude (...) otudjuje od slobode, a samim tim i od mogucnosti postizanja srece. Prema ovoj argumentaciji, umetnost u Adornovom misljenju igra sredisnju ulogu u kritici prosvecenosti. PR Projekat Ministarstva nauke Republike Srbije, br. 149029. (shrink)

Normal 0 false false false MicrosoftInternetExplorer4 /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Table Normal"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-parent:""; mso-padding-alt:0in 5.4pt 0in 5.4pt; mso-para-margin:0in; mso-para-margin-bottom:.0001pt; mso-pagination:widow-orphan; font-size:10.0pt; font-family:"Times New Roman"; mso-ansi-language:#0400; mso-fareast-language:#0400; mso-bidi-language:#0400;} The purpose of this study is to analyze the tenets that relate to Dada’s self-understanding of art. The phenomenon Dada is notoriously difficult to describe; some critics hesitate even to use the term “movement.” Focusing on Dadaists’ reflections about the phenomenon itself, we will try to delineate a general image (...) of the Dada in the context of the European avant-gardes of the 20-th century. We will also try to analyze the historical and political context inside which the dada phenomenon occurred. Our main focus will be on two main tenets of Dadaism: the “self-critical” feature of Dada’s self-image as it emerges during the main phases of its history, especially during its early phase, and the political commitment of Dada during its last phases of development. (shrink)

Draws on examples ranging from prehistoric cave art to modern pop music to discuss the nature and purpose of art and its use by powerful social and cultural forces.

This paper explores an analogy between two approaches to teleology in nature and two theories of authorship. I argue that Spinoza’s attempt (as Kant criticizes it in the Third Critique) to explain all natural unity, and explain away apparent teleological unity, in terms of inhering in the same subject (God) or proceeding causally from God’s essence mirrors the view Proust lays out in the essay “Gustave Moreau” that the features of a work of art are unified in virtue of (...) occurring together in, and proceeding from the laws of, the artist’s inner soul. Meanwhile, the strategy Kant favors for understanding interdependent natural systems like organisms—provisionally considering them as purposively designed—resembles the one Alexander Nehamas recommends in “The Postulated Author” (1981) for interpreting a work of art: imagining the agent who could have intended all its features. I propose that this analogy sheds light on the unity of the two parts of the Third Critique by pointing to the similarity between interpreting beautiful objects and interpreting nature. (shrink)

J’essaie d’explorer la vision religieuse d’Euripide en le considérant comme un penseur en même temps qu’un artiste, ou mieux, comme un auteur qui soulève en artiste des questions essentielles sur le sens de l’existence humaine par rapport à celle des dieux, non pas tellement en mettant dans la bouche de ses personnages certaines doxai, mais plutôt en les faisant parler et agir d’une certaine façon dans une situation dramatique particulière. En me détachant aussi bien des savants qui ont vu dans (...) Euripide un défenseur de la tradition religieuse, que de ceux qui ont tendance à déconstruire ses figures des dieux dans un jeu de projections de la psychologie humaine, je soutiens qu’Euripide a mis en question dès le début la consistance des croyances traditionnelles, avec une inquiétude grandissante qui a abouti, sinon à une négation de l’existence des dieux, du moins à une attitude exaspérée de doute sur leur rôle dans l’existence humaine : ce qui est suffisant pour qu’il puisse être compté parmi les auteurs que Platon accuse d’impiété dans le livre X des Lois. (shrink)

In Aesthetic Theory, Adorno argues that, in modernity, art and philosophy are reciprocally dependent upon each other for legitimation and critical force. This claim has puzzled scholars and provoked controversy. I argue that Adorno’s thesis may be comprehended in the following manner: art requires philosophy because, without the latter, art would lack the power to critique social and historical reality (in particular, the ideological elements that often remain invisible as second nature), and to rationally interpret the material particularity expressed (...) by such reality; and, conversely, philosophy requires art because the latter expresses historical experience to reason. Such material historical experience is necessary in order to prevent philosophy from falling into ideological convention; idle speculation; or abstract and reified instrumentality. Thus, the constellation of history, art, and philosophy is essential to Adorno’s aesthetics. (shrink)

This article explores distinctively visual presentations and performances of alterity from the perspective of art theory and practice. It gives particular attention to Marcel Duchamp's notion and practice of the infra-mince. The ‘infra-thin’ is not usually related to postcolonial questions. However, numerous evocations of alterity in contemporary art, this article argues, resonate with Duchamp's infra-thin — not only in their practices but also in the ways in which they present the relationship between different cultures and views of ‘difference’. Focusing on (...) artwork responding to the ‘Arab Springs’ as a striking instance of wider aesthetics of resistance, this article shows how such art can be seen to adapt the infra-thin for the purposes of a multidirectional critique. (shrink)

Le Consistoire de Rotterdam ayant condamné plusieurs articles lors de la première parution du Dictionnaire historique et critique, les éditions ultérieures contiendront des « Éclaircissements ». Bayle, par sa maîtrise de l’écriture cryptée, va faire de ces textes, officiellement de justification et d’autocensure, un plaidoyer pour la liberté de philosopher.Dans ses premiers textes, comme les Pensées diverses sur la comète, il a pratiqué un art d’écrire d’autant plus efficace qu’il était presque revendiqué comme tel dans des « Avis aux (...) lecteurs ». Il appartient en effet à une génération d’écrivains qui tente de donner à un certain public quelques clefs de lecture permettant, en contournant la censure, de faire perdre à celle-ci une partie de sa nocivité et de sa raison d’être. Cette « pédagogie » se déploie dans les Nouvelles de la République des Lettres, dans son Dictionnaire. Ce sont ces clefs qui peuvent rendre encore le lecteur contemporain apte à déjouer les pièges de ces étranges « Éclaircissements ».The Rotterdam Consistory having sentenced a few articles on the occasion of the first edition of the Critical and Historical Dictionary, the later editions will contain a few explanations. Bayle, through his mastery of crypted writing will turn those texts – supposed to be of justification and self-censorship – into a plea for the freedom to philosophize.In his first texts, for instance in Several Thoughts on the Comet, he exercized an art of writing all the more efficient as it had been almost claimed as such in « Advices to the readers ». Indeed, he belongs to a generation of writers attempting to give some kind of audience a few keys for reading that should enable, by by-passing censorship, to deprive it of part of its noxiousness and raison d’être. Such a paedagogical approach unfolds itself in the News from the Republic of Letters and his Dictionary. Such keys still enable the contemporary reader to thwart the traps of those strange « Explanations ». (shrink)

Many Christian thinkers have embraced the notion “art for art’s sake.” Chesterton did not. To the contrary, he saw such an idea as deeply problematic for a Christian aesthetic. In the following article, I will explore some philosophical aspects of the “art for art’s sake” movement and then explain why Chesterton parted company with it.

Rousseau's Critique of Science is the first book-length treatment of Rousseau's first philosophic work. It argues that the Discourse is indispensable, both for those interested in the genesis and meaning of Rousseau's philosophic system, and for those interested in the moral consequences of our liberal democratic commitment to scientific progress.

AI’s new ability to create artworks is seen as a major challenge to today’s understanding of art. There is a strong tension between people who predict that AI will replace artists and critics who claim that AI art will never be art. Furthermore, recent studies have documented a negative bias towards AI art. This paper provides a philosophical explanation for this negative bias, based on our shared understanding of the ontological differences between objects. We argue that our perception of art (...) depends on our understanding of the context of its creation: human-made art is experienced as an interplay between the artist and nature. In AI-generated art, this interplay is either absent or minimised. We conclude that the displacement of the “human factor” in art will not lead to an evolution of art, but to the end of art. (shrink)

In this paper I measure the progressive potentiality of art against Russell Kirk’s notion of “normative art”. Kirk argues that good literature cultivates virtue according to a transcendent norm, a law of nature. I interrogate the extent to which this art can be conservative according to Kirk’s own meaning of conservatism and read his own conservatism against itself in an effort to show which of its tenets detrimentally supersede and contradict its others. The criticism of Kirk’s discussion of normative art (...) makes use of Charles Sanders Peirce’s more sophisticated epistemology, metaphysics, and normative science of aesthetics. Ultimately, Kirk’s conservatism and his position on normative art rely on metaphysical dualism and the gratuitous capacity of intuition. This ends in an unjustified discounting of his principles of variety, imperfectability, prescription, and continuity and their subordination to his principle of transcendence. (shrink)