El blanco y el negro son más que colores, son claves de un contraste simbólico en islas que montaron su estructura social –desde los tiempos coloniales– sobre la esclavitud que racializó las relaciones sociales y generó con ellas modos diversos de discriminación que llegan hasta nuestros días. Uno de los importantes aportes del negro a las artes plásticas del Caribe, es su color, un signo visual en el universo de las tensiones raciales, nacidas en el seno mismo de la (...) sociedad moderno–colonial. Este trabajo se propone distinguir esa trayectoria de significaciones visuales, a través de una selección de obras que emplean el blanco y el negro a partir del soporte físico del cuerpo con todas sus capacidades expresivas. Uno de los textos más significativos del siglo XX sobre la cuestión, Piel negra, máscaras blancas (1952) de Frantz Fanon, será asumido como un recurso de interpretación crítica para el estudio de la selección de obras y autores del Caribe insular que se inscriben en los conflictos de la racialización e inferiorización de las corporalidades, para explorar formas de un humanismo decolonizador, devolver el hombre a su lugar, resituar su “yo” y revalorizar su sitio en la historia. (shrink)

Las artes visuales, marginadas de otras áreas del conocimiento, por la fragmentación epistemológica propi-ciada por el positivismo y con afán de responder al desarrollo vertiginoso y complejo de nuevas tecnologías, han perdido la más importante de sus tareas, la reflexión. La especulación sobre la acción artística y la entrega de juicios críticos acerca de sus manifestaciones implica la introspección y el pensar sobre sus procesos y parámetros de desarrollo. Imaginar y crear en las artes visuales se ha convertido (...) en las reacciones espontáneas resultantes de la intuición del instante, olvidando etapas importantes de concentración, abstracción, especulación y transformación de la experiencia estética. Hoy las artes son la provocación de una cadena de reacciones físicas: repulsión, sorpresa, rechazo, etc., de las transgresiones a la forma y no al fondo, hay un abismo entre el pensamiento y la razón. Hay un olvido de los contenidos, por los que lucharon Klee, Kandinsky, Arnheim o Gombrich y que hizo comprensible la obra de Cézanne, Duchamp o Beuys. Se trata de una reflexión sobre la importancia del dominio epistemológico en las artes visuales, una llamada a regresar a su conceptualización y a reconstruir la filosofía y la teoría del arte visual de nuestro tiempo. Estas disciplinas tienen un aspecto teórico referente a los conceptos que las sustentan, un aspecto técnico concerniente a los medios por los cuales se crea la obra o la acción artística y un aspecto poético, que establece un nexo entre quien crea la obra y quienes la perciben y contemplan, éstos entre sí y entre éstos y la obra. Lo anterior requiere de los conocimientos indis-pensables para reconocer y comprender tanto el excedente de sentido de las artes visuales como la socialización sus valores culturales, son indispensables las estructuras y concepciones teóricas porque, de un mismo objeto o acción se dan diversas interpretaciones igualmente válidas, siempre y cuando estén sustentadas cognoscitivamente. Las artes visuales son una unidad de saber, un conjunto de conocimientos unificados merced a ciertos principios, pero no es un cuerpo de verdades cerradas, al contrario, se hallan en relación permanente y dinámica con otros ámbitos cognoscitivos, influyen en algunos y son influenciadas por otros. La conceptuación de las artes visuales es valiosa porque tiene efectos directos en la forma de pensamiento, en la conducta y en las acciones y decisiones de los seres humanos, en virtud de que se conciben como generadoras de valores y bienes culturales. (shrink)

ÍNDICE: Presentación. Prólogo - Una reflexión sobre el concepto del arte. - La sensibilidad. - Lo estético. - El estilo. - Arte y Utilidad. - El Dibujo. - Análisis de la línea. - La forma plana - El claroscuro y la entonación. - La textura. - La forma tridimensional. - La armonía. - La simetría - La proporción y el cuerpo humano. - El movimiento. - El peso como elemento plástico. - La composición. - El color. - El diseño. - (...) El rostro humano como significante estético. - El arte como lenguaje. Índice de nombres. (shrink)

Las trayectorias del arte caribeño, luego de la Segunda Guerra Mundial, experimentan profundas transformaciones en sus prácticas creativas y modos de comprensión cultural. Las complejas realidades sociales y políticas en las islas del Caribe hispano condujeron a un punto de giro en los procesos regionales, una transformación del campo del arte y replanteamientos de los discursos periféricos desde las manifestaciones, los temas de interés y el rol del artista en la sociedad. La fotografía, y especialmente aquella procedente de espacios periféricos (...) en las lógicas internacionales del arte, aportaron los iconos más contestatarios del momento. Los símbolos culturales de una nueva voz, que responde a un pensamiento emancipatorio y descolonizador, se expresan en la construcción de un discurso visual de paradigmas éticos y libertarios. Los lenguajes más renovadores de la época apelan a una base fotográfica de trasfondo por la relación entre la inmediatez y la pregnancia de la imagen, o la inherente reproductibilidad que propicia una función comunicativa más efectiva. (shrink)

La categoría ‘arte conceptual’ se aplica a una gran cantidad de obras de arte contemporáneo. El artista Sol LeWitt introdujo el término en la jerga del arte al describir obras de arte donde “la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra” (LeWitt 1967: 79, traducción mía). Inicialmente, el término se utilizó para referirse a obras producidas entre finales de los años sesenta y principios de los setenta por artistas como Sol LeWitt, Robert Barry, Lawrence Weiner, (...) On Kawara, Joseph Kosuth, John Baldessari, el grupo Art & Language y otros (véase Lippard 1973). En España fueron relevantes el Grup de Treball, Zaj o Esther Ferrer entre otros. Más tarde se hizo evidente no solo que obras como Fuente (1917) de Marcel Duchamp – un urinario de porcelana, que fue firmado “R. Mutt” y presentado para una exposición de la Sociedad de Artistas Independientes – tenían mucho en común con aquellas producidas a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, sino también que obras de arte conceptual continuaron siendo producidas a lo largo de la década de 1970 y las décadas siguientes, hasta el punto de que podría argumentarse que gran parte del arte contemporáneo es, en cierta medida, conceptual. -/- Es característico de los primeros autores conceptuales el uso del lenguaje natural en obras que son en principio visuales o plásticas, como las frases de Weiner, las definiciones de Kosuth o los ensayos de Art&Language. Se trata de un interés por el significado y el lenguaje heredado de la semiótica y la filosofía analítica de la época. También señala el énfasis (a menudo exclusivo) de todas las obras de arte conceptual en el elemento conceptual, como ocurre en los dibujos y pinturas murales de LeWitt, donde el artista produjo las instrucciones para su ejecución, luego las realizó en colaboración con otros, o transfirió completamente a otros esta tarea. Otra característica de las primeras obras de arte conceptual es que los artistas no manipularon ningún material para producir un objeto (como en Fuente de Duchamp) o usaron materiales excéntricos como el lenguaje natural, su propio cuerpo -como en I am the locus (# 1) (1975) de Adrian Piper, una performance en la que la artista se pegó un bigote en la cara, se puso una peluca Afro y anteojos redondos con montura de alambre y caminó en las calles actuando como un hombre-, o el chocolate con el que Anya Gallaccio revistió las paredes de un viejo edificio agrícola en Stroke (2004), dejando que el público las tocara y que el chocolate se pudriese. -/- Debido a sus características inusuales, el arte conceptual plantea muchas preguntas filosóficas: sobre la definición de arte, sobre la ontología y los medios de las obras de arte y sobre nuestra experiencia apreciativa de ellas. En lo que sigue, presentaré brevemente cada uno de estos temas. (shrink)

This article takes a renewed look at Chicana political performance and urban intervention art in Latin America. Art-in-action has been a particularly fertile tradition in Latin America ever since the sixties, and more recently it has inspired a large number of performing artists working within a feminist and/or queer perspective. Here we would like to introduce the work of Chicano artist Guillermo Gómez-Peña and his band of performers, « La Pocha Nostra », and also that of the Bolivian collective « (...) Mujeres Creando », both pairing exposure of gender oppression to a post-colonial perspective and to the themes of territory, frontier, and identitary loyalty and dissidence. Their visual video-permormance work springs from the captations documenting their actions and performances, and also from video objects in the domain of the poetic field, or in that of hybridation of fiction and documentary reality. They take shape in the particular context of the American continent, which is one of imperial dominance, migratory situations, and skin-colour based stratifications, but also of processes of sovereignty and autonomy-creation by indigenous people, of democratic changes and revolutionary movements, and of cultural experiences and experiments of the border and of a being-creole. (shrink)

Para ofrecer una ruta de lectura del pensamiento feminista-deleuziano, se pone a discusión el concepto cartografía propuesto por Braidotti, respecto a la recepción y reelaboración de la inmanencia radical, y la diferencia sexual en la filosofía actual. Se propone un símil de dicha recepción en la teoría y estudios del arte, particularmente en México. A través de Metamorfosis. Hacia una teoría materialista del devenir y los conceptos clave como devenir-mujer y devenir-insecto, se entabla una relación con los feminismos visuales situados (...) en el sur global. El diálogo entre ambas recepciones, la filosófica y la artística, implica un acercamiento a la problematización y comprensión del conflicto capital-vida, además de las aportaciones posibles de la producción feminista, hace patente cómo se continúa en la teoría feminista actual una línea materialista, con profundas raíces clásicas, de una ontología del cuerpo. Palabras clave: inmanencia radical, devenir animal, metamorfosis, diferencia sexual. (shrink)

Sobre la belleza humana pesa, en el reino de las artes visuales contemporáneas, casi una prohibición tácita. El cuerpo humano es todavía uno de los temas centrales del arte, pero no se lo suele representar como bello: el énfasis se pone en su fealdad, o en los aspectos terribles o abyectos de la corporalidad. Este artículo intenta comprender el proceso que lleva a esta situación a partir de la transformación del concepto de “belleza ideal” entre Kant y Baudelaire, que (...) muestra una profunda conexión entre el concepto de belleza humana y la esperanza del progreso moral. La ruptura de esta esperanza, sostenemos, es una de las razones por las cuales el arte moderno y contemporáneo ha rechazado con tanta fuerza la representación de la belleza ideal. (shrink)

Partiendo de las consignas de la hermenéutica contemporánea, este texto pretende desentrañar algunas claves para una hermenéutica de las artes visuales in itinere. Para ello se introduce en las nociones de método (Eugenio Trías), pauta inmanente de acción (Upanishads), disposición afectiva, círculo estético-hermenéutico y espiral estético-hermenéutica. Se desprenden dos hipótesis: el cuestionamiento sobre en qué medida la pauta paradigmática y ejemplar que rige en un arte visual in itinere es proporcional al despliegue de la pauta inmanente de acción del (...) artista ejecutor; y la defensa de que el mérito estético en estas artes pasa por que en su dinámica se lleve a cumplido término la espiral estético-hermenéutica. (shrink)

En el presente artículo me ocupo de la discusión acerca de cuán exigentes son nuestras obligaciones de contribuir con dinero y tiempo a las agencias humanitarias que asisten a personas en situación de pobreza extrema en el mundo. Defiendo una posición intermedia, moderada, frente a la posición extrema formulada por Peter Singer y frente a la posición según la cual nuestras obligaciones son mínimas. La objeción principal contra esas dos posiciones es que, cuando analizan la situación en que los potenciales (...) donantes se encuentran frente a las personas en situación de pobreza extrema, omiten el carácter iterativo que es propio de esa situación. La posición moderada, en cambio, tiene en cuenta ese carácter, gracias a que entiende a nuestras obligaciones hacia los pobres globales como obligaciones imperfectas. In this article I engage in the debate about the demandingness of our duties to contribute with money and time to humanitarian agencies that assist people who live in extreme poverty around the world. I defend an intermediate, moderate, view against Peter Singer's extreme view, and also against the view according to which our duties are minimal. The main objection regarding those two views is that, when they analyze the situation in which potential donors are vis-à-vis people who live in extreme poverty, they miss its distinctive iterative character. The moderate view, on the contrary, pays heed to that character, thanks to its account of our duties towards the global poor as imperfect duties. (shrink)

El dialeteísmo es la posición que afirma que hay contradicciones verdaderas. Este artículo versará sobre esa posición. En la primera sección, mencionaré los principales aportes que, en mi perspectiva, el dialeteísmo ha hecho a la lógica filosófica. En la segunda sección, analizaré el principal problema del dialeteísmo. En la tercera sección, mostraré que los argumentos a favor del dialeteísmo no llegan a establecer la verdad de esta posición. Finalmente, explicaré cuál es el tipo de paraconsistencia que considero adecuada y la (...) compararé con la posición dialeteísta. Dialetheism is the position which claims that there are true contradictions. This paper deals with this position. In the first section, I will mention the main contributions that, in my perspective, dialetheism has made to philosophical logic. In the second section, I will analyze the main problem of dialetheism. In the third section, I will show that the arguments in favor of dialetheism are not conclusive. Finally, I will explain which kind of paraconsistency I consider adequate, and I will compare it with the dialetheist position. (shrink)

La Comunicación No Verbal es aquello que transmitimos sin palabras. También todo que acompaña nuestras palabras. Es inherente al ser humano, forma parte de nuestra historia evolutiva y va unido a la forma de expresar emociones y sentimientos. En todas las facetas y momentos vitales nos expresamos a través del cuerpo y también recibimos información a través de él.Si hay un ámbito donde cobra especial importancia es el arte. Lacorporalidad es una pieza fundamental que ayuda a la composición de la (...) obra y a la expresión del mensaje. En este trabajo analizaremos tres disciplinas: Performance, Teatro y Danza. (shrink)

Showcases methods of visualization to support text comprehension and engagement with texts. Includes examples from teaching Plato's Phaedo.

Panel de discusión del Cuerpo Académico de Estética y Arte realizado en los marcos del Tercer Coloquio Nacional de la Asociación Mexicana de Estudios en Estética, en el que fueron expositores los doctores José Ramón Fabelo Corzo, Gerardo de la Fuente Lora e Isabel Fraile Martín. El doctor Fabelo realizó una presentación general sobre los antecedentes del tema, su significación y perspectivas de desarrollo, en particular sobre las posibilidades de introducción de nuevas categorías, entre ellas la de la “colonialidad del (...) valer”. El doctor De la Fuente, por su parte, centró su intervención en las contradicciones que debe resolver la teoría de la colonialidad para no terminar realizando ella misma una apología a la colonialidad, refiriéndose al papel que en ello puede y debe desempeñar la estética. La doctora Fraile llama la atención sobre lo que podría considerarse el lado positivo de las relaciones de colonialidad que permitieron, entre otras consecuencias, un mutuo enriquecimiento cultural, algo que muestra mediante el análisis del traspaso de imaginarios visuales para los artistas de América Latina. (shrink)

El siguiente texto contiene una presentación resumida de la investigación doctoral del autor. Tomando como ejemplo la producción de las artes visuales centroamericanas del período inmediatamente posterior a la firma de los acuerdos de paz en la región se analizan las relaciones entre imagen y palabra en las obras del arte visual en que se experimenta con diversas dimensiones de la palabra escrita. Para realizar ese análisis ha sido necesario construir un aparato conceptual y un esquema de análisis que (...) vincule dicho recurso artístico con la producción social de espacios, sujeciones y miradas a través de las convenciones mediales ejercidas en las culturas gráficas y visuales, y en sus formas y posibilidades de relación. (shrink)

In a society which traditionally valued the moral and expressive forces of art, landscape painting became one of the most esteemed art forms. In China, "landscape" has always meant what its Chinese name—shan shui —implies: paintings dominated by peaks and streams supplemented by trees, rocks, mists, and plunging waterfalls. Despite major changes in style, landscape painting in China between the eighth and eighteenth centuries was remarkably stable in subject matter. Chinese artists painted the natural settings which surrounded them in their (...) home provinces or those which they discovered in their travels; and such settings were dominated by mountains and rivers. Moreover mountains and water were imbued with symbolic value. Traditionally the mountain has been considered the symbol of the emperor—the son of Heaven—and of virtue and masculine energy. The ridges and folds of the mountains display the veins of energy that course through the earth and the continuous process of change which characterizes the Universe. Water represents the origin of life, the female principle, vitality itself. Trees, stones, bamboo, and many flowers were similarly endowed with cosmogonic and moral significance. Given the symbolic value with which elements of nature were traditionally endowed, Chinese landscape painting is properly considered the normative form through which artists reasserted correct social relationships, moral order among men, and moral order in nature. Esther Jacobson-Leong, associate professor of art history at the University of Oregon, is currently working on problems in the significance in Steppe art and related traditions. (shrink)

En las últimas décadas, el espacio caribeño y la figura del afrocostarricense se han convertido en germen propulsor creativo que bien se podría interpretar como una celebración de los símbolos de un espacio y etnicidad oprimidos. Sin embargo, una lectura detallada muestra que sus propuestas podrían no pasar de lo anecdótico, estereotípico y exótico. Esta supuesta inserción del Caribe y los sujetos afrocostarricenses logran más bien, marginar y eliminar cualquier posibilidad deinserción, así como consolidar los discursos hegemónicos tradicionales, en los (...) que se refuerza un nacionalismo del Valle Central, presentando los otros espacios como ajenos. Bajo esta impronta se inscribe Caribe (2004) de Esteban Ramírez. Este filme muestra al Caribe como un espacio exótico en donde los sujetos que conviven no pasan de ser forasteros, foráneos a cualquier discurso nacional verdadero e inclusivo. El ensayo reflexiona cómo a través de la introducción del Caribe y los sujetos afrocostarricenses, dentro de una problemática que les involucre como parte de la patria y una disyuntiva del Caribe como idilio o barbarie, reconstruye un sentido de exotismo que demuestra una contemporaneidad fragmentada. Es mediante una fetichización de la imagen del Caribe lo que permite que las líneas de la hegemonía relacionadas con el debate de la etnicidad y la identidad nacional sean reposicionadas para crear lo que el crítico Jerome Branche (1999) llama “nuevo consensus o ‘definición’ de la realidad, dirigida en última instancia a mantener el status quo” de la clase dominante. (shrink)

The concept of the “work of art” is paradoxically both widely used and often unexamined. This book re-evaluates the scope of “work,” “art,” and “the aesthetic” from the viewpoint of deconstructionist philosophy and suggests that Derrida’s analyses resolve some central questions in the discourses of contemporary visual arts.

La transición digital de nuestro tiempo, favorecida por los avances de la inteligencia artificial, evidencia retos complejos en las sociedades digitales emergentes. Las artes plásticas se han visto influenciadas por esta digitalización, tanto en lo relativo a los procesos creativos como en lo que concierne al acceso y la exposición de las obras artísticas. En este trabajo se presenta un análisis filosófico centrado en el patrimonio, a saber, su almacenamiento, representación y exposición digital de las obras artísticas. Concretamente, nos (...) servimos de la teoría de injusticia epistémica de Miranda Fricker para un estudio ético y epistemológico sobre el uso de las bases de datos en el diseño de los museos virtuales, insistiendo en el papel de estas para la perpetuación o mitigación de las injusticias que pueden darse en este contexto. Finalmente, se propone la abducción como punto de partida para un análisis filosófico futuro más amplio sobre el museo digital, donde se consideren las relaciones entre visitantes y museos y su influencia en la distribución epistémico-moral en estos entornos. (shrink)

En este texto exploraré la idea de que la práctica de la danza puede ser un método de investigación en filosofía. Propongo que no solo es posible hacer filosofía en movimiento, sino que además esta aproximación cinética al pensamiento permite poner en cuestión y transformar sesgos y paradigmas patriarcales y coloniales que han predominado en la historia de la filosofía. La danza nos permite experimentar nuestros cuerpos a través de, en y por el movimiento, en lugar de meramente hablar y (...) referirnos al cuerpo como un objeto (como cualquier otro objeto) y de conceptualizar sus propiedades generales. Mi tesis es que un cuerpo que piensa es un cuerpo en movimiento, de manera que, si queremos filosofar como una forma de rechazar los dualismos y privilegios arbitrarios, la danza es una forma interesante de hacerlo. Analizaré el concepto de lo viviente de Gilbert Simondon, a partir de una difracción basada en la experiencia de participar en un taller de danza de Marie Bardet, para mostrar que cuando la temporalidad y la topología de lo viviente se aclaran en la experiencia, es posible constatar las potencias de pensamiento de los cuerpos múltiples, ya no está en cuestión un cuerpo abstracto, sino un cuerpo vivido, feminizado, marcado por historias singulares. (shrink)

Since its publication fifty years ago, this work has established itself as a classic. It casts the visual process in psychological terms and describes the creative way one's eye organizes visual material according to specific psychological premises. In 1974 this book was revised and expanded, and since then it has continued to burnish Rudolf Arnheim's reputation as a groundbreaking theoretician in the fields of art and psychology.

A partir de la revisión de bibliografía especializada y del análisis crítico-constructivo del trabajo de Dow (2013) que examina los anacronismos existentes en la recreación digital de la ciudad de Florencia en el videojuego Assassin’s Creed II (2009), el presente trabajo explora la capacidad que tienen este tipo de videojuegos para reconstruir la ambientación de un período histórico concreto a partir del uso de anacronismos derivados de licencias creativas y de las necesidades artísticas propias del videojuego. Los resultados demuestran que (...) el anacronismo es una herramienta que los desarrolladores de videojuegos históricos utilizan de forma intencionada para transmitir una imagen del pasado que resulte vigente y atractiva en la actualidad. Igualmente se evidencia la necesidad de una metodología propia dentro de los denominados Game Studies que aborde el videojuego como objeto de estudio artístico lejos del enfoque de líneas de investigación como los Historical Game Studies y otras disciplinas humanísticas. (shrink)

Since its publication fifty years ago, this work has established itself as a classic. It casts the visual process in psychological terms and describes the creative way one's eye organizes visual material according to specific psychological premises. In 1974 this book was revised and expanded, and since then it has continued to burnish Rudolf Arnheim's reputation as a groundbreaking theoretician in the fields of art and psychology.

This book interprets relationships among art and ethics in the context of contemporary South African art. Nearly three decades after inaugurating political freedom in a democratic form, the infrastructure of South Africa faces palpable issues and challenges to the social fabric. The social tension involves painful struggles for decolonization and violent debates about the removal of colonial statues, change of colonial names, transformation of universities, and curriculum change. This book does critical work in art history, theory, criticism, and visual culture (...) by looking from and looking after social differences to interpret the potential impact of contemporary media and mediation. Artists examined include Zanele Muholi, Mohau Modisekeng, Dineo Seshee Bopape, Hasan and Husain Essop, and Kemang Wa Lehulere. The book will be of interest to scholars working in art history, contemporary art, visual culture, art theory, ethics, aesthetics, philosophy of art, and African studies. (shrink)

Over the last four years I have been drawing on aspects of my own visual art practice (‘data capture’ digital drawing performances, 2004–) in my drawing teaching at the University of Cape Town. For this article I would like to share these projects and discuss the relevance of incorporating multimedia engagement in the teaching of traditional drawing at a tertiary level. First, moving images, sound, digital devices such as smartphones, tablets and engagement in online platforms are primary mediators of experience (...) for many urban citizens. I find it relevant for students to not only reflect critically on the use of digital tools and online social platforms, but to experience and explore engaging with them directly as an experience by making them physical through drawing. In my experience through my teaching practice I have observed how this embodiment of the technology can provide useful tools of processing the volume of immaterial information that we engage with on a daily basis. A physical processing of multimedia material can also operate to provide an interesting engagement with perception, cognition and orientation. At another level, by bringing different media together in the physical studio of life drawing, there can be an interesting reflection and experience of different states of being in the world. These aspects are discussed through descriptions of a selection of my own creative practice and a second-year drawing project I teach at the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town titled, ‘Interface: Image and text, the portrait as Dialogue’. (shrink)

The image is the raw material of the twenty-first century. Images infiltrate all social and cultural spaces. Its digital-mediated realities drive communication, industry and knowledge. Images saturate life and adolescent learners are familiar with the participatory nature of image production and its social, educational and personal communicative realities. Vision and visibility, seeing and being now dominate how we inter-subjectively recognise ourselves and perform our world. We also find our aesthetic and embodied self increasingly constituted within imaging acts that are relational. (...) Visual culture may have colonised the self and learning, but imagination is without borders. The current pictorial turn opens possibilities to explore truth in flux through visual artistic acts. This article embeds Deleuzian method, which is one of intuitions, going beyond the actual, or our limited forms of representing life, to recognising that life has future imaginative potential forms and is always becoming. The article discusses an arts-based inquiry project for gifted artist visualiser/learners at an Australian regional university who are given broad topics on science phenomena and asked to give them expression. It suggests that pedagogies of the visual with their performative acts can prise open curriculum where an art-science interchange between two disciplines is made difficult by the current siloed nature of curriculum knowledge. Drawing on an analysis of Anika’s and Joel’s artworks and visual diaries it aims to reveal how their learning events dwell and are performed in aesthetic borderlands and how visual pedagogies forge new fluid visual borderlands and new learning. (shrink)

Art history, aesthetics, and visual studies today find themselves in contested new philosophical and institutional circumstances. This fascinating and challenging volume explores the connections and differences among these three methods of investigating visual representation. What are the dominant aesthetic assumptions underlying art historical inquiry? How have these assumptions been challenged by visual studies? Are questions of quality, form, content, meaning, and spectatorship culturally specific? Can we still define the parameters of what should properly constitute the objects of the history of (...) art? Fifteen distinguished scholars answer these and other questions, critically examining the relationships among these three scholarly fields from their founding moments through their contemporary practices. (shrink)

El presente volumen incluye la edición crítica, acompañada de un completo estudio introductorio, del Arte de bien morir, texto en prosa sin autor declarado, y de La contienda del cuerpo y alma, una composición en verso firmada por Antón López de Meta. Ambas obras integraban un mismo libro destinado a preparar al hombre para enfrentar su tránsito final hacia la vida eterna y forman parte de la tradición del Memento mori.

This essay attempts a restatement of the relationship between art and science in terms of “making” and “knowing.” It first surveys the various ways art and science were related in the early modern period, arguing that one result of the new naturalistic representation was the emergence of a new visual culture that reinforced appeals to eyewitness and firsthand experience and in some cases fostered a new examination of European culture. At the same time, art, understood as the work of the (...) human hand in imitating nature, came to be viewed as one of the central characteristics that distinguished European society from the past. Moreover, artist/artisans helped constitute the aims and methods of the study of nature during the fifteenth and sixteenth centuries, articulating a new kind of authority for nature and providing the artworks that engendered a culture of nature study and collection. Thus art and artisans were fundamental motors of the Scientific Revolution. More attention to the visual culture of early modern Europe, including religious and devotional imagery, and seeking out intersections between making and knowing, as some art historians studying techniques have begun to do, will add to our understanding of the relationship between art and science in the early modern period. (shrink)

En este artículo se analizan las relaciones entre arte, tecnología y cuerpo, teniendo como marco de análisis el pensamiento del filósofo español Félix Duque. En primer lugar, consideramos la concepción del cuerpo como máquina y su derivación actual en la noción de cyborg. En segundo lugar, mostramos cómo la concepción del cuerpo-máquina se hace parte del body art de Stelarc y del arte carnal de Orlan, quienes plantean el diseño del cuerpo dada su obsolescencia. En tercer lugar, presentamos las críticas (...) de Duque a estos ciberartistas y en general a los planteamientos transhumanistas y posthumanistas. Finalmente, comparamos la metáfora del «cyborg» en Broncano con la «filosofía de la técnica de la naturaleza» de Duque, poniendo de relieve la necesidad de plantear y explicitar la cuestión política implícita en el diseño del cuerpo y la «libre creación». (shrink)

A 37,641-word exegesis for thesis "sur travaux". Includes: Research methodology; "Expositions des textes"; Paralogisms for scholars; Conference, exhibition, and research tour details and itineraries. -/- PhD (Doctor of Philosophy) – Deakin University – 2011-2014 – Thesis by Publication (“sur travaux”): “Visual Agency in Art and Architecture” – Two monographs: Dossier Chris Marker: The Suffering Image (2012); and Not-I/Thou: The Other Subject of Art and Architecture (2014) – Two curated, multimedia group exhibitions: “‘Shadow-lands’: The Suffering Image” (2012), Dennys Lascelles Gallery, Alfred (...) Deakin Prime Ministerial Library, Deakin University; and “‘Shadow-lands’ II: Not-I/Thou” (2014), Dennys Lascelles Gallery, Alfred Deakin Prime Ministerial Library, Deakin University – Two archival submissions: “DCM Bequest” (2012), research dossier, Australian Film Institute/RMIT; “Shadow-lands”: The Suffering Image (2012), limited-edition, hand-made folio (exhibition dossier), Alfred Deakin Prime Ministerial Library, Deakin University, and St. Paschal Library, Yarra Theological Union – Supervision: David Jones, John Rollo, and Flavia Marcello – External examination: Tom Conley, Harvard University, Cambridge, MA, USA; Suzana Milevska, Academy of Fine Arts, Vienna, Austria; and Anonymous, Australia – Research conducted in Australia, England, France, Croatia, and Slovenia – Seven conferences attended in Australia (3), England (2), Italy (1), and Greece (1). (shrink)

This volume consists of selected essays on the art and aesthetics of the avantgarde, contemporary art, and postsocialist culture by the internationally renowned Slovenian philosopher and art theorist Aleš Erjavec.

Visual Arts Practice and Affect brings together a group of artist scholars to explore how visual arts can offer unique insights into the understanding of place, memory and affect. Each contributor highlights the crucial role the creative arts play in envisaging new perspectives on the making of meaning, ones that are grounded in the practicalities, materialities and embodied knowing of artistic practice. Art offers other ways of seeing, thinking, understanding the world. It can be very messy, very challenging, but also (...) moving, exquisite, astounding. The book opens a space for experiential appreciation by offering a writing that allows both the writer and the reader to consider those sorts of embodied sensibilities. (shrink)

This book introduces a new way for thinking about, creating, and viewing art. Rudolf Steiner saw his task as the renewal of the lost unity of science, the arts, and religion; thus, he created a new, cognitive scientific and religious art in anthroposophy. The implications of his act --recognized by such diverse artists as Wassily Kandinsky and Joseph Beuys --are only now coming fully to light. In his thorough introduction of more than a hundred pages, Michael Howard takes readers through (...) these thought-provoking chapters: Is Art Dead? To Muse or Amuse Artistic Activity As Spiritual Activity The Representative of Humanity Beauty, Creativity, and Metamorphosis New Directions in Art Lectures include: The Aesthetics of Goethe's Worldview The Spiritual Being of Art Buildings Will Speak The Sense Organs and Aesthetic Experience The Two Sources of Art The Building at Dornach The Supersensible Origin of the Arts Truth, Beauty, and Goodness Christ, Ahriman, and Lucifer Plus a bibliography and index. (shrink)

This paper explores the «nature» of street art, highlighting its innovative features, the new socio-political status, and the differences between this emerging art form and dominant trends in contemporary visual art. This examination builds on the premise that artistic phenomena can only be considered from a critical perspective that situates questioning within a historical and specific gaze. Therefore, my aim is not to place this art movement within categorial boundaries, identifying the necessary and eternally true characteristics of street art, but (...) to identify the motives and tendencies that constitute it as a movement that runs against the dominant orientations in contemporary art. Building on this comparative analysis, the construens part of this paper explores the salient features of street art more thoroughly and more extensively, through an examination of the works of certain street artists. (shrink)