L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique à la française, (...) dont les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

L'oeuvre et le concept! Tels sont bien les deux objets, par excellence, de la philosophie de l'art. L'oeuvre d'art sur laquelle " philosophe " Olivier Revault d'Allonnes n'est pas l'oeuvre achevee, celebree, sacralisee, sanctifiee, mais au contraire l'oeuvre qui, de tout temps, deroute, irrite, scandalise, dejoue le discours apprete et conciliant de l'esthetique traditionnelle. Le concept est l'autre nom de la critique, parole enfin donnee aux oeuvres, passees et presentes, afin qu'elles puissent dire non aux ordres etablis... Leur (...) interpretation se joue donc a l'infini, mais non pas dans l'indetermination, car ce qu'elles expriment, qu'il s'agisse d'un tableau de Rembrandt, d'un quatuor de Beethoven, ou d'une piece pour piano de Schonberg, est chaque fois identique, a savoir l'irreductible et " irrespectueuse " liberte de la creation artistique. Cette esthetique, a l'ecart des dogmatismes, des systemes et des modes, est ici pretexte aux reflexions et aux temoignages qui composent cet ouvrage. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content: Reviewed by:Art and Politics in Roger Scruton’s Conservative Philosophy by Ferenc HÖRCHERD. N. ByrneHÖRCHER, Ferenc. Art and Politics in Roger Scruton’s Conservative Philosophy. Palgrave Macmillan, 2022. vii + 404 pp. Cloth, $129.99The intellectual legacy of Sir Roger Scruton defies the conventional wisdom that conservatism is a mood or sensibility rather than a systematic body of ideas. Then, as Hörcher indicates, Scruton was never a particularly conventional thinker. Against (...) the current that equated intellectualism with political critique, Scruton espoused traditionalism, community ahead of individualism, and order against pluralism. Against the current as well, he took his reflections to the court of public opinion rather than to the halls of academe. (shrink)

This volume includes Felix Noeggerath's dissertation from 1916, published here for the first time in a reliable critical edition. The dissertation represents a daring and far-reaching re-conceptualization of Kantian and neo-Kantian thought that consists in "critique of anti-rationalism," especially in the form of vitalism. Both Kant's and Hermann Cohen's philosophies can be experienced anew through the far-reaching optic that Noeggerath developed - an optic that he reiterates and develops into a comprehensive theory of art in a 1951 essay - (...) republished here, as well. The introduction by Hartwig Wiebebach provides an overview and incisive analysis of Noeggerath's philosophical program, while the afterword by Peter Fenves describes in detail the effect of Noeggerath's thought on Walter Benjamin's own attempts at a critique of anti-rationalism. Altogether, the volume provides a new point of access to the important legacy of neo-Kantian thought in the early twentieth century not only in terms of the systematic philosophy, but also in relation to the theory of art and the philosophy of modern science. (shrink)

The point of education is to support students to be able to live meaningful, autonomous lives, filled with rich experiences. The arts and aesthetic education are vital to such flourishing lives in that they afford bold, beautiful, moving experiences of awe, wonder and the sublime that are connected to the central human functional capability Nussbaum labels senses, imagination and thought. Everyone ought to have the opportunity to learn about art, to appreciate and create art, to critique art and to (...) understand how we are connected to the culture of our society. A life without art is unimaginable, and to the extent that people lack aesthetic experiences, their lives are impoverished, not ‘fully human’. Given that the distinctive value of art objects is that they afford aesthetic experience, it is upon this foundation that an argument ought to be mounted as to why schooling needs the arts, specialised teachers, and all students deserve aesthetic education. Therefore, in this paper, I offer a defence of compulsory aesthetic education across the curriculum on the basis of the aesthetic experiences the arts afford, and the central role such experiences play in eudaimonia—the flourishing life. (shrink)

Cette étude examine l’influence du néokantien Heinrich Rickert sur Walter Benjamin, qui a fréquenté ses cours en 1912-1913. La relation intrinsèque entre art et théorie, indiquée par la Critique de la faculté de juger de Kant, nous donne le fondement théorique pour comprendre l’usage que Benjamin fait de la pensée de Rickert, reprenant non seulement des éléments conceptuels, mais aussi des thèmes de la « vision du monde » qui les conditionne. À partir des matériaux historiques et de l’apparat (...) conceptuel qu’il rencontre dans le système des valeurs de Rickert, Benjamin élabore des constructions métaphoriques qui visent à penser la réflexivité intrinsèque à l’œuvre d’art et les fondements de la critique esthétique. (shrink)

J’essaie d’explorer la vision religieuse d’Euripide en le considérant comme un penseur en même temps qu’un artiste, ou mieux, comme un auteur qui soulève en artiste des questions essentielles sur le sens de l’existence humaine par rapport à celle des dieux, non pas tellement en mettant dans la bouche de ses personnages certaines doxai, mais plutôt en les faisant parler et agir d’une certaine façon dans une situation dramatique particulière. En me détachant aussi bien des savants qui ont vu dans (...) Euripide un défenseur de la tradition religieuse, que de ceux qui ont tendance à déconstruire ses figures des dieux dans un jeu de projections de la psychologie humaine, je soutiens qu’Euripide a mis en question dès le début la consistance des croyances traditionnelles, avec une inquiétude grandissante qui a abouti, sinon à une négation de l’existence des dieux, du moins à une attitude exaspérée de doute sur leur rôle dans l’existence humaine : ce qui est suffisant pour qu’il puisse être compté parmi les auteurs que Platon accuse d’impiété dans le livre X des Lois. (shrink)

There is a traditional debate in analytic aesthetics that surrounds the classification of film as Art. While much philosophy devoted to considering film has now moved beyond this debate and accepts film as a mass art, a subcategory of Art proper, it is worth reconsidering the criticism of film pre-Deleuze. Much of the criticism of film as pseudo-art is expressed in moral terms. Adorno, for example, critiques film as ‘mass-cult’, mass-produced culture which presents a ‘flattened’ version of reality. Adorno worries (...) about the passivity encouraged in viewers. Films are narrative artworks, received by an audience in a context, making the focus on the reception of the work important. The dialogue held between Adorno and Walter Benjamin post-Second World War is interesting because, between them, they consider both the possible positive emancipatory and negative politicization effects of film as a mass produced and distributed storytelling medium. Reading Adorno alongside Benjamin is a way to highlight the role of the critical thinker who receives the film. Arguing that the critical thinker is a valuable citizen, this paper focuses on the value of critical thinking in the reception of cinematic artworks. It achieves this by reconsidering Adorno and Benjamin’s theories of mass art. (shrink)

Notre propos souhaite nuancer la doxa académique selon laquelle l’invention de la critique d’art serait née en France dans la seconde moitié du xviii e siècle. En effet, la lecture des Entretiens de Félibien favorise par l’éloquence du dialogue la variété des points de vue. Cet article rend compte des tensions qui émanent des Entretiens, une œuvre incessamment située entre la théorie et la critique. La comparaison entre l’œuvre de Raphaël et celle de Michel-Ange illustre cette tension entre (...) l’esthétique (le goût) et la théorie (les règles) dans le « regard Félibien » ; ne cachant pas sa préférence pour Raphaël, il conteste la hiérarchie vasarienne. (shrink)

At first glance, this volume may seem to have little to offer of philosophic interest. It is a collection of papers and responses from a conference on seventeenth-century French literature, with a focus on the Art Poétique of Boileau. Topics and discussions are very much in the mode of literary scholarship since the Second World War, but the more recent "structuralist" or "semiotic" trends are absent, except for a bare allusion here and there. Nevertheless, no French literary scholar is ignorant (...) of philosophic implications, just as no French philosopher is ignorant of matters of style. For that reason the volume suggests questions that go beyond the specialized talk of literary scholars re-examining the import of the French classical writers. (shrink)

On se propose d'éclairer une filiation méconnue du concept de critique : la critique philologique. Depuis l'affirmation du caractère inéluctable de l'Ars critica dans le rapport aux textes de la tradition, telle que la formule Jean Le Clerc (1657-1736) au terme d'un siècle de critique philologique, et que cherche à l'articuler à la philosophie C. A. Heumann (1681-1764), à sa promotion comme condition de l'activité philosophique chez Kant, la critique, entendue comme exercice du jugement singulier, acquiert (...) une portée générale, mais au prix d'une transformation de son statut. Has classical scholarship anything to do with philosophy ? In so far as philological criticism promoted the exercice of singular judgement on texts, it can be regarded as having contributed to the emergence of critical philosophy, as a philosophy based on judgement, by Kant. This paper analyzes the relationship between philological and philosophical criticism from the generalization of the (philological) Ars critica by Jean Le Clerc (1697), the leader of the European République des Lettres, through its comment by Christoph August Heumann, one of the prominent German Polyhistor, in his comments De arte critica (1712), till the well-known Critique of pure reason (1781), that assumes only the intellectual gestus of the philological criticism, without its textual support. (shrink)

On cherche à comprendre la critique qu’Adorno a proposée de la philosophie de l’histoire de Hegel. Parcourant la Dialectique de la raison, co-écrite avec Horkheimer, La Dialectique négative et divers écrits sociologiques d’Adorno, on montre comment cette critique s’opère au nom d’une pensée concrète de l’utopie, qui prend place dans les relations amicales et amoureuses, dans la politique ou dans l’art. Adorno, en effet, n’a jamais rejeté de manière unilatérale la conception de l’histoire chez Hegel. Bien qu’il l’ait (...) critiquée sur bien des points, il en a fait un outil heuristique pour comprendre la domination et pour développer sa propre idée de l’émancipation. (shrink)

Cet ouvrage porte sur la notion de surface, ses plans, ses dimensions et ses propriétés, mais surtout sur ses fonctions dans l'univers artistique. Dès les premiers collages cubistes, ce sont les avant-gardes du début du XXe siècle qui ont fait de cette entité l'élément principal de l'art, de ses opérations et de ses visions. Avec l'invention du cinématographe, du phonographe, et la nouvelle typographie, elle a été repensée en profondeur, vouée à une existence renouvelée au travers de procédés artistiques comme (...) le collage et le montage. C'est dire qu'elle n'a rien d'une catégorie figée et qu'il s'agit d'en faire l'histoire en même temps que la théorie. C'est ce à quoi s'attache cette étude, véritable traversée des avant-gardes occidentales (arts plastiques, cinéma, théâtre, poésie) élaborée au filtre d'une logique des surfaces généralisée. De Picasso à Abel Gance, de Braque à Fernand Léger, d'Apollinaire à Eisenstein, c'est tout un pan de la pensée et de la création qui est ici mis puissamment en perspective au moyen d'analyses aussi précises dans la saisie de leurs objets que dans la traversée de la littérature qu'ils ont suscitée. On y découvrira non seulement une nouvelle histoire des avant-gardes, largement critique par rapport à l'approche formaliste des surfaces (celle de Clement Greenberg notamment), mais aussi une nouvelle histoire de la quatrième dimension, enjeu majeur d'un grand nombre de travaux modernistes. Des surfaces donc ou d'une vision profondément renouvelée du sens et des effets de la création."--back cover. (shrink)

À travers une vingtaine de contributions de chercheurs et d'artistes, L'art tout contre la machine invite à réfléchir à la médiation de la technique dans notre rapport au monde telles que les pratiques artistiques contemporaines en esquissent le sens. Il se divise en trois parties, qui tissent de nombreux liens entre elles : « Technique et nature » ; « Interfaces relationnelles et dispositifs génératifs » et « Outils conviviaux et machines domestiques ». Les objectifs sont multiples : interroger des (...) œuvres et des procédures artistiques pour leur capacité à mettre en évidence les incidences des dispositifs machiniques sur nos environnements d'existence ; faire apparaître les filiations de dispositifs de création a priori hétérogènes en interrogeant les circulations entre différents régimes de technicité ; mettre en relief enfin la portée politique et artistique d'une compréhension conviviale des outils de création et la spécificité du rapport à la technique qui la sous-tend. (shrink)

Ces textes sont ceux d'un artiste engagé dans la société et d'un critique affirmé. Ils abordent des thématiques fondamentales: le rapport de l'artiste avec son sujet de travail, la lecture explicative de textes littéraires et le dialogue avec les auteurs, le questionnement sur les fondements des manifestations culturelles en société. Mais ils évoquent aussi des aspects plus régionaux, avec un entretien sur un rite de société, l'explication de quelques fondamentaux de la musique en Afrique, un historique des arts visuels (...) en Côte d'Ivoire et au Togo. Ils ne pouvaient se clore que par l'analyse des corrélations entre fonds et formes, pour trouver et déterminer des évidences plastiques. (shrink)

Marcuse here returns to themes which he has discussed elsewhere: the prospects for revolution, the problem of generating liberatory sensual needs, and the subversive character of art. Of the book’s two principal essays, the first—"The Left under Counterrevolution"—attempts "only to focus the prospects for radical change in the United States." As a critique, the essay presents in highly schematic form the argument of One-Dimensional Man: the peculiar dialectic of expanding oppression and enlarged possibilities for liberation. Marcuse attempts to specify (...) his critique in a discussion of the New Left, a discussion which he admits to be "highly tentative and fragmentary." As in the insistence upon theory and upon the "essentially intellectual" character of the contemporary Left, the essay is often provocative; but its overall effect is too schematic and fragmentary, as questions calling for detailed analysis, such as the problematic relevance of Marxist "class" ideology, are dealt with in summary fashion. However, the other major essay "Art and Revolution," focusing upon the cultural revolution, provides a lucid and precise account of Marcuse’s aesthetic theory. Through his interpretation of "the aesthetic form," Marcuse can unpack the political dimension of the imagination, without reducing artistic relevance to propaganda. Retaining an essential alienation from the established order, "art can express its radical potential only as art." There is no question of art collapsing into reality, even the reality of a revolutionary epoch; rather, while maintaining the integrity of the aesthetic form, art acts as an imaginative lure towards social progress. Finally, Counterrevolution and Revolt may satisfy few readers, but should challenge many to raise new questions—which is, after all, a central function of critical theory.—D. F. D. (shrink)

L’originalité de cet article porte tant sur l’approche que sur l’actualité du problème choisi. Il croise sciences politiques (quantitatives et comparatives) et théorie politique, pour traiter de la montée d’une citoyenneté critique. Il analyse ses formes et passe ensuite à une critique plus étayée et philosophique. Ces deux types de résultats ne se recouvrent que très partiellement. Principalement focalisée sur des questions d’identité, la majeure partie des travaux en philosophie politique passent à côté de ce qui constitue le (...) coeur de l’exercice politique. L’article propose alors de considérer des formes de responsabilités, notamment dans l’Union européenne, permettant d’affronter cette critique réactive. (shrink)

Si la " critique philosophique de l'art " peut constituer l'axe central d'une approche de la pensée de Walter Benjamin, c'est d'abord parce que l'art représente l'élément par lequel l'homme accède à sa propre temporalité. Le passé individuel, l'origine commune, le projet militant se cristallisent dans le geste artistique. La mémoire elle-même est une forme d'art, non moins que l'anticipation d'un avenir désirable. Investi du pouvoir de définir ainsi l'humanité de l'homme, l'art devient éminemment critiquable : Benjamin n'a (...) jamais cru que pratiquer la " critique " dispensât d'être philosophe. La critique, au contraire, n'a d'autre lieu que la philosophie, sous sa forme la plus épurée. On touche ici du doigt le fascinant pouvoir intégrateur de la pensée benjaminienne, capable de conjuguer l'autobiographique et le politique, la précision analytique et l'élan éthique, la déconstruction et la métaphysique. Quand Benjamin a été si souvent morcelé en personnalités contradictoires, sous la plume parfois d'un seul et même commentateur, c'est une image très cohérente, très homogène, qui nous semble ressortir des diverses contributions de ce recueil. (shrink)

Qu'est-ce que la réalité? Jamais un état de fait. C'est une oeuvre. Une oeuvre d'art qui ne correspond qu'à un moment d'une mise en oeuvre dont nous sommes de plus en plus les maîtres d'oeuvre. C'est à partir de ce constat que l'auteur démontre implacablement l'inanité du réalisme. Ce qu'illustre à ses yeux aussi bien la révolution impressionniste, qui fit exploser le réalisme pictural, que le dépassement nécessaire de la confrontation matérialisme-idéalisme ou que le flamboiement de l'utopisme gaullien de (...) 1940 confronté au réalisme pétainiste. À travers cette thèse singulière et stimulante qui débouche sur une nouvelle approche de la philosophie et de l'histoire de son rapport au réel, Jean-François Kahn incite à de salutaires remises en question qui ne manqueront pas de faire grincer quelques dents. (shrink)

La modernité s'est construite sur une série d'oppositions l'autorisant à imposer ses fins destructrices à une nature devenue muette et aux autres peuples exclus du mouvement de l'histoire. Cet ouvrage rappelle l'origine des pensées dualistes ayant nourri cette attitude. Il montre que la philosophie, l'anthropologie et les sciences exactes ont largement mis en cause ces théories dualistes. L'histoire de l'art permet d'examiner la manière dont théoriciens et artistes ont pensé l'oeuvre en questionnant l'hylémorphisme et le geste. L'analyse porte aussi sur (...) la numérisation du monde et la nouvelle intelligence d'une matière devenue information. Le dualisme laisse place à une pensée du devenir rejetant toute idée de modèle. (shrink)

Much of the current philosophy of film literature follows Walter Benjamin’s optimistic account and sees film as a vehicle for screening philosophical thought experiments, and offering new perspectives on issues that have relevance to everyday life. If these kinds of films allow for philosophical thinking, then they are like other so-called ‘high’ artworks in that they encourage social, political and economic critique of social norms. Yet, most popular films that are digested in large quantities are not of a high (...) aesthetic or moral quality. Theorists who conceive of cinema as a means of thinking must firstly reply to the objections that most films simply do not encourage active, intelligent, imaginative participation. Prior to the publication of Deleuze’s cinema books, theorists such as T. W. Adorno feared the advent of the Hollywood Studio film as akin to Nazi propaganda. Dismissed as elitist, their concern was that mass produced and distributed artworks portrayed the depicted social norms as immutable reality. If the imagination cannot enter and engage with the messages depicted through the filmic medium, i.e. through montage or similar ‘shock’ techniques, then viewers cannot critique the moral and social status quo screened; instead, they simply receive it, and it is reinforced. If we consider how passive cinematic viewers are, voyeuristically ensconced in a darkened theatre, we can see the concern here. If only some films allow for critique of social, political and economic norms in society, and these films are attended by those viewers who are already critical viewers, then how is film more generally a tool for thinking? If we are to honestly discuss the filmic medium, we must acknowledge the Hollywood blockbusters that stifle imaginative engagement with their narratives and often depict stereotypes. I argue that we need to read Adorno alongside Benjamin, in order to acknowledge the positive as well as negative attributes of films. In doing this we see the need to focus on the critical attitude of the viewer, as well as the moral messages of the film, particularly when we consider what the majority of consumers willingly ingest uncritically. Adorno and Benjamin both offer a historical account of art whereby their aesthetics require audience reception and are linked to experience. The way art is tied to human experience and the world of sensory perception is through language. Language allows the communication of ideas or referents which convey meaning via signs that contain some kind of ‘truth’ in the form of a cognitive component that must be interpreted. While there are many different stories being told in contemporary culture, the focus on the critical thinker, the interpreter of the narrative, is vital. (shrink)

English summary: Heinz Ludeking belonged to the German philosophical movement that explored analytical esthetics. Ludekings analytical approach to art brought new light to the definition and concept of art. In particular, he created a connection between logical reflection and esthetic investigation. French description: Heinz Ludeking appartient a ce courant de la philosophie allemande qui a pris pour objet l'esthetique analytique, et qui est encore largement meconnu en France en depit de sa productivite conceptuelle. Dans cet ouvrage, l'auteur s'est efforce d'etablir (...) un bilan critique de la premiere philosophie analytique de l'art - celle des annees 50-60 -, c'est-a-dire des travaux qui ont precede les theories de Goodman et de Danto. L'approche analytique de Ludeking, volontiers caustique, peut etre devastatrice. Elle apporte neanmoins une lumiere nouvelle sur un probleme central, jamais veritablement resolu, celui de la definition de l'art et du concept d'art. L'une des qualites dominantes de cette analyse est d'etre parvenue a realiser une jonction exceptionnellement rigoureuse entre la reflexion logique et l'investigation proprement esthetique. (shrink)

Designed to introduce music students and musicians to the vitality of music philosophical discourse, Philosophical Perspectives on Music explores diverse accounts of the nature and value of music. It offers an accessible, even-handed consideration of philosophical orientations without advocating any single one, demonstrating that there are a number of ways in which music may reasonably be understood. This unique approach examines the strengths and advantages of each perspective as well as its inevitable shortcomings. From the pre-Socratic Greeks to idealism, through (...) phenomenology, and on to contemporary socio-cultural critiques, this wide-ranging survey examines the views of selected influential thinkers in sufficient detail to permit their voices to be personally and meaningfully experienced. Striving to portray philosophy as an intriguing dialogue rather than a dogmatic source of definitive answers, it invites readers to become full participants in an ongoing process of philosophical debate with vital contemporary relevance and extensive practical significance. Examining what music is, how it works, and what music is good for, this book encourages musicians to join in important conversations that shape both the ways they practice their art and the ways in which they and others understand it. Accessible to students with little or no background in music philosophy, Philosophical Perspectives on Music provides the foundation for applied or professional philosophies while also introducing readers to the richness of the philosophical quest. Ideal for philosophy of music and philosophy of music education courses, it is also enlightening reading for students of musicology, music theory, and music performance. Featuring interdisciplinary dialogue, this insightful text addresses issues common to the concerns of all musicians. (shrink)

Dans la deuxième moitié des années 1980 s’est développée, dans l’ensemble du champ de la culture, une véritable esthétique de la bêtise. Quelques jeunes critiques d’art se sont alors emparés du phénomène et ont tenté de le théoriser, entre 1994 et 1998, dans les revues les plus lues de l’époque : Flash Art International, Artpress, Frieze. L’étude de ce corpus d’articles (signés par Joshua Decter, Éric Troncy, Jon Savage, Andrew Hulktrans et Jean-Yves Jouannais) témoigne à la fois des mutations de (...) la critique d’art de l’époque et de l’enjeu que représente alors l’art délibérément bête. On remarquera que la critique d’art se fait alors critique culturelle : elle regarde peu les œuvres, réduites au statut d’illustrations et d’arguments visuels. On s’interrogera également sur la place que les revues d’art contemporain ont accordée à la culture populaire médiatique la plus régressive du temps. Beavis & Butt-Head, Melrose Place ou encore Alerte à Malibu ont été ainsi disséqués dans les colonnes d’ Artforum ou de Flash Art. Alors que les œuvres d’art estampillées « art contemporain » donnaient lieu à des analyses étonnamment sommaires, ce sont les séries télévisées et les dessins animés qui ont conduit aux analyses les plus stimulantes. Elles l’ont fait en recourant au paradigme de la méta-criticalité cher au modernisme, conférant aux œuvres les plus régressives le statut d’image spéculaire, à la fois duplice et critique, de la culture de la bêtise qui les générait. Pointe alors le paradoxe suivant : alternant entre l’enthousiasme forcené et la déploration, la critique d’art des années 1990 a intellectualisé l’anti-intellectualisme le plus radical. (shrink)

This paper presents an immanent critique of Heidegger's consignment of existentia to the "metaphysical" category of Vorhandenheit. Past scholarship has been by and large uncritical of this tenet of Heidegger, thereby thwarting a potentially fruitful dialogue between continental thinkers and those sympathetic to medieval ontology. The paper (1) argues that the account in Basic Problems of Phenomenology is marred by essentialism and thus overlooks a depth-dimension in existentia; (2) examines key passages in the 1941 Nietzsche lectures where Heidegger appears (...) to flirt with the possibility of a more primordial sense of existentia; and (3) reads the 1936 text "The Origin of the Work of Art" as providing further evidence for reading Heidegger's ontology as a phenomenological recovery of the existential contingency of beings. (shrink)

En hommage à la longévité universitaire du sociologue et philosophe Jacques Leenhardt - professeur à l'École des hautes études en sciences sociales depuis 1966, fondateur des Archives de la critique d'art, créateur et directeur du Centre d'art contemporain de Crestet -, cet ouvrage réunit des contributions de sociologues, philosophes, artistes et écrivains qui retracent plusieurs débats marquants liés aux sciences humaines, à la littérature et aux arts, en France et aux Amériques à partir des années 1970. Le (...) riche parcours du chercheur français, né à Genève, se dessine à travers autant de rencontres intellectuelles et de sensibilités artistiques en partage--Page 4 of cover. (shrink)

L’angle sous lequel Kant aborde le jugement esthétique (de goût) est transcendantal, il s’agit d’établir la possibilité qu’un tel jugement soit de validité universelle et nécessaire. On est donc loin d’une perspective historique sur les arts que développera Hegel. Cependant, les conditions de possibilité recherchées sont celles de jugements appartenant à l’expérience d’individus humains et à celle de l’humanité au cours des siècles. C’est sur la présence de cet aspect temporel du jugement réfléchissant esthétique et de la production des beaux-arts (...) dans la première partie de la troisième Critique et sur ses enjeux que se centre le propos de ce texte. (shrink)

L'art occupe dans la pensée de Deleuze une place déterminante. De la littérature au cinéma, de la lettre à l'image, Deleuze théorise le domaine de l'art avec des concepts très nouveaux, attrayants et difficiles : corps sans organes, machines désirantes, devenir-animal, rhizome, lignes de fuite... Il s'agit ici d'en exposer le fonctionnement exact en montrant pourquoi l'art, selon Deleuze, devient une machine à explorer les devenirs des sociétés : critique et clinique, il détecte et rend sensibles les forces sociales. (...) Mais l'art produit surtout des effets réels, et non pas simplement imaginaires : l'image n'est donc pas une donnée mentale mais bien une réalité existante. Cet ouvrage se propose de faciliter l'accès à l'œuvre décisive de Deleuze, en restituant ses parcours dans un souci d'extrême clarté. (shrink)

On chercherait en vain dans l'art contemporain la séduction du grand art. Les oeuvres ne s'adressent plus à nous et ne sont plus faites pour être regardées, car leur originalité tient à une idée. Toutes les formes de la modernité portent l'empreinte du concept. Avec les ruptures successives du XXe siècle, l'artiste a endossé l'habit du critique et la négativité s'est substituée à la pratique effective. C'est en ce sens que l'on peut parler de la fin de l'innocence de (...) l'art. C'est dans les écrits de Nietzsche que se dessine en creux ce thème. L'innocence renvoie à la résistance que l'art oppose à tout discours et à toute saisie réflexive, à la tension toujours irrésolue qui l'anime. L'oeuvre d'art est une énigme loin de la transparence des idées. Est-il possible de retrouver l'innocence ou est-ce la fin de l'art? (shrink)

Ce livre est la version écourtée d’une thèse d’histoire soutenue à l’université de Lyon II en 1993. S’il dispose d’une présentation matérielle soignée, on peut cependant regretter que certains des choix éditoriaux se soient exercés de façon aussi drastique au détriment de l’appareil scientifique (les notes critiques et la présentation des sources sont en particulier réduites à la portion congrue). Il est tout aussi dommage de voir que des documents, iconographiques ou autres, bénéficient d’un...

In this... essay,... linguist Roy Harris reflects on the early nineteenth-century doctrine of 'art for art's sake'. Attacked by Proudhon and Nietzsche, but defended by Theophile Gautier and E. M. Forster, it influenced movements as diverse as futurism and Dada. Over the past two centuries, three main positions have emerged. The 'institutional' view declares art to be a status conferred upon certain works by the approval of influential institutions. The 'idiocentric' view gives absolute priority to the judgment of the individual. (...) The third is the 'conceptual' view of art, which insists that what counts is the idea that inspired a work, not the physical execution. But, as Harris shows, the tacit assumptions which once supported this debate and these positions have now collapsed. 'Art' as a coherent category has imploded, leaving behind a historical residue of empty questions that contemporary society can no longer answer." --book cover. (shrink)

Quand Deleuze lit Leibniz, il dégage une ligne de cohérence qui articule l’optimisme, le baroque et le pli, qui serait celle de la contemporanéité. Le contre-modèle de Leibniz c’est Schopenhauer. Et l’on voit que dans la critique de l’optimisme propre à Leibniz, Schopenhauer articule les fondements d’une critique de la contemporanéité, qui met par exemple en place l’enjeu écologique. Cette critique part de la discussion sur le principe de raison suffisante et se diffusa sur l’ensemble de l’œuvre (...) de Schopenhauer. Elle en constitue la trame. (shrink)

Dans l'œuvre immense de Benedetto Croce (1866-1952) l'esthétique occupe une place centrale. Philosophe peu orthodoxe inspiré par les pensées de Kant et de Vico il a profondément marqué la culture italienne. Associé souvent à Gentile avec lequel il a rompu en 1925, en s'opposant au fascisme, il a réfléchi toute sa vie à une philosophie immanentiste de l'Esprit où l'esthétique trouverait sa place à côté d'une logique, d'une philosophie de la pratique et d'une économie ou philosophie de l'utile. L'influence de (...) Croce s'exerça non seulement sur les philosophes mais aussi sur des historiens de l'art comme Lionello Venturi, Carlo Ludovico Ragghianti, Julius Schlosser, Hans Sedlmayr ou encore Herbert Read et Pierre Francastel qui en discutèrent les thèses. Le Bréviaire d'esthétique (1912) rassemble quatre conférences destinées à un public nord-américain à l'invitation du " Rice Institute " qui ouvrait alors ses portes au Texas. Ces conférences jamais prononcées furent néanmoins publiées en anglais dès 1913, et marquent une étape importante dans la réflexion esthétique du philosophe napolitain qui qualifie alors l'art d'" intuition lyrique ". À ces conférences furent ajoutés plus tard deux autres textes ici traduits. Lire Croce aujourd'hui permet de revenir à la source d'un ensemble de questions auxquelles l'esthétique contemporaine est confrontée tout en découvrant une pensée qui, bien que souvent hostile à certaines manifestations de l'art de son temps (D'Annunzio ou les futuristes par exemple), restait paradoxalement ouverte à ses transformations qu'elle recommandait de saisir dans leur singularité et leur mouvement propre. D'où une conception particulière de la critique et de ses rapports avec l'histoire de l'art que l'on trouvera ici exposée. (shrink)

The human person is a truth seeker, and one of the most compelling ways human beings pursue truth is through the arts. In Beauty and Imitation: A Philosophical Reflection on the Arts, Daniel McInerny argues for an understanding of art as a form of inquiry into truth that proceeds by way of sensible beauty. Drawing upon the thought of Aristotle and St. Thomas Aquinas, McInerny argues for the unfashionable yet philosophically compelling view that art is essentially "mimetic," imitative of human (...) action. But what does it mean for art to imitate human action? It means that art imitates the way human beings by nature quest for fulfillment, or happiness. In questing for fulfillment, human life takes the form of a story, and so the arts--all the arts, from painting to music, from fiction to film--are storytelling arts whose beauty reveals the truth about human happiness. The first part of the book features a renewed defense of the ancient Aristotelian claim that art is mimetic and that its imitation of the human story takes the form of a moral argument. The second part shows how audiences are transformed by the moral arguments the mimetic arts make, and the third concludes with a guided tour of the mimetic arts, where specific arts are considered in light of the Aristotelian and Thomistic principles advanced earlier. (shrink)

Dans les Communia salmantins -- la plus vaste compilation didactique latine médiévale connue à ce jour et que l'on peut nommer ainsi, d'après la localisation du manuscrit depuis le XVe siècle, même si ces Points communs tirent vraisemblablement leur origine de la Faculté des arts de l'Université de Paris --, ces sections sur les philosophies morale et naturelle sont encadrées par celles, en cours d'édition et de traduction, sur la logique (Nova Logica, Vetus Logica) et sur la grammaire (de Priscien, (...) Institutiones grammaticae, XVII-XVIII, I-XVI). Ce livre -- qui présente commodément les éditions et les traductions en colonnes parallèles, tout en étant complété par une liste des tableaux et illustrations de meme qu'un index des noms -- fait donc partie d'un ensemble dont la publication est destinée à enrichir significativement notre connaissance de l'exégèse des corpus aristotélicien, boécien et priscianien, ainsi que celle de l'enseignement dialectique, par questions et réponses, des disciplines philosophiques dans l'institution universitaire du siècle d'or de la scolastique, au meme titre que le célèbre Guide de l'étudiant (parisien) du manuscrit Ripoll 109 auquel il s'apparente."--Publisher's description. (shrink)

Fires burn around the world. Systemic discrimination persists, precarity is increasing, and the modern democratic project faces challenges from all sides. Art writing helps us to understand art which in turn helps us to understand such crises. But art writing itself is in crisis. Newspapers and magazines offer fewer channels than ever for independent art criticism, persistent institutional biases exclude the positions of many, and a proliferation of platforms presents opportunities and challenges in equal measure. This volume presents contributions from (...) a broad range of authors who address the social and political dimensions of art and art writing in the contemporary context, and the ways in which new writing and publishing practices promote critical engagement among readerships as never before"-- Publisher's website. (shrink)

In the opening essay of The Muses, Nancy asks what force disperses Art into a plurality of arts, and what simultaneously holds them together in the unity of Art, through this very dispersal. The idea of Art, as a plurality of irreducible singularities that nevertheless commune, developed in the essay, is a precursor to the ontology of Being Singular Plural, widely considered one of his most important works. The claim in The Muses is not only that art itself has to (...) be understood as a unity of a plurality of singularities, but that it is a privileged site for the revealing of the singular plural of being. The following essay explores Nancy’s ontology of art, which is simultaneously a way of understanding being in terms of art, by tracing it back to Merleau-Ponty. I argue that Merleau-Ponty’s understanding of the sense of being in terms of the “chiasm” (the touching-touched) in The Visible and the Invisible is a crucial source for Nancy’s pluralist ontology. The turn to Merleau-Ponty is framed as a way of emphasizing that Nancy remains committed to a philosophical or ontological idea of art (despite his own criticisms of the very idea) against those who would like to separate his pluralist idea of art from any reference to the question of the meaning of “being.” The argument is that radical pluralism requires, paradoxically, an ontology, just as the affirmation of the irreducible plurality of singular arts requires a notion of Art. Dans l’essai qui ouvre Les muses, Nancy se demande quelle force disperse l’Art dans les arts et retient simultanément leur dispersion dans l’unité de l’Art. L’idée d’Art en tant qu’une pluralité irréductible de singularités qui communient malgré ou grâce à cette pluralité, telle qu’elle est développée dans cet essai, constitue un précurseur de l’ontologie présentée dans Être singulier pluriel, un des ouvrages les plus importants de Nancy. Cet article explore l’ontologie de l’art nancéenne, qui est aussi à la fois une façon de comprendre l’être en tant qu’art, en en retraçant les racines chez Merleau-Ponty. Je soutiens que la compréhension du sens de l’être comme chiasme (touchant-touché) chez le Merleau-Ponty du Visible et l’invisible est une source décisive de l’ontologie pluraliste de Nancy. Le recours à Merleau-Ponty permet de souligner le fait que Nancy demeure attaché à une idée philosophique ou ontologique de l’art, malgré ses propres critiques de l’idée même. Cette interprétation va à l’encontre de celles qui chercheraient à détacher le concept pluraliste d’art chez Nancy de toute référence à la question du sens de l’« être ». Ma contention est que le pluralisme radical requiert, paradoxalement, une ontologie, de la même façon que l’affirmation de l’irréductible pluralité des arts singuliers requiert une notion d’Art.Nel saggio che apre Le muse, Nancy si domanda quale forza disperda l’Arte in una pluralità di arti, e cosa al contempo mantenga queste ultime legate nell’unità dell’Arte a dispetto di questa dispersione stessa. L’idea di Arte, sviluppata in questo saggio, come pluralità di singolarità irriducibili che nonostante tutto si trovano a contatto e in comunicazione, prelude all’ontologia di Essere singolare plurale, tra le opere più importanti di Nancy. Ne Le muse Nancy sostiene non soltanto che l’arte in sé debba essere concepita come l’unità di una pluralità di singolarità, ma anche che essa sia un luogo privilegiato per il rivelarsi del singolare plurale dell’essere. Questo articolo esplora l’ontologia dell’arte di Nancy, che è al contempo un modo di comprendere l’essere nei termini dell’arte, attraverso un richiamo a Merleau-Ponty. Mi propongo così di mostrare che la concezione del senso dell’essere di Merleau-Ponty nei termini del “chiasmo” (il “toccante-toccato”), espressa ne Il visibile e l’invisibile, sia una fonte cruciale per l’ontologia pluralista di Nancy. Il richiamo a Merleau-Ponty è volto a sottolineare come Nancy rimanga fedele a un’idea filosofica o ontologica di arte (nonostante le sue stesse critiche a questa idea), in opposizione a coloro che vorrebbero separare la sua idea pluralista di arte da qualunque riferimento alla questione del significato dell’“essere”. La mia tesi è che il pluralismo radicale richieda, paradossalmente, un’ontologia, esattamente come l’affermazione della pluralità irriducibile delle arti singolari richiede la nozione di Arte. (shrink)

Dans ses écrits sur l�esthétique, Friedrich Schleiermacher s�est attaché à formuler une critique de la philosophie de l�art de son contemporain Schelling. Schleiermacher en ressort comme un penseur du savoir-faire artistique, à la fois opposé à l�idéalisme schellingien pour lequel l�art demeure un organe de l�absolu placé sous le signe du génie, et engagé dans une définition de l��uvre d�art comme manière de former le monde à l�aide du sentiment de la raison (Vernunftgefu¨hl).

Parler de l'homme connaissant, c'est poser des questions, notamment : une perspective scientifique unifiée sur l'esprit ("cognitivisme") est-elle légitime? En quoi l'intuition et la construction de concepts peuvent-elles rendre compte des mathématiques, mais aussi, analogiquement, de l'art et de la langue? Quel rapport y a-t-il entre la connaissance et les normativités morale et juridique? Les présents essais – "L'esprit pensé", "Ce que nous devons à Augustin", "L'intuition et après", "La morale et la fable" – abordent ces questions fondatrices à partir (...) d'un point de vue critique sur les différents régimes de nos connaissances. (shrink)

L’œuvre mathématique de La Ramée est constituée d’ouvrages publiés tout au long de sa carrière. Les éditions abrégées des Éléments d'Euclide, ses manuels d’arithmétique et de géométrie plusieurs fois remaniés, un court traité d’algèbre ainsi que les Scholae mathematicae de 1569 sont autant d’ouvrages dans lequels il met en œuvre une réforme des mathématiques héritées et de leur enseignement. Des justifications de cette réforme apparaissent dans les trois livres d’un Prooemium mathematicum portant sur l’histoire des mathématiques, la défense de leur (...) « utilité » et une critique sévère de l’exposé euclidien. Pour autant, l’œuvre mathématique de La Ramée ne doit pas être mise à part de l’œuvre philosophique qu’il élabore par ailleurs. Dans cet article, je m’efforce de le montrer en m’interrogeant d’abord sur les raisons qui ont poussé La Ramée à se tourner, au début de sa carrière, vers les mathématiques ; l’examen du livre I du Prooemium mathematicum me permet ensuite d’examiner le rôle que jouent Platon, Aristote et Euclide dans son histoire des mathématiques. Finalement, je suis amené, en abordant la critique raméenne de l’ « abstraction » pythagoricienne, à chercher dans les éditions de la Dialectica et les Scholae in liberales artes les éléments d’une « philosophie des mathématiques » – conception originale de la nature des objets mathématiques et de la façon dont on accède à leur connaissance – qui offre une certaine lumière sur la réforme des mathématiques qu’entreprend La Ramée. (shrink)

The vast body of Lawrence scholarship has veered between the extremes of uncritical celebration and violent denigration. This first extended study of Lawrence's aesthetics draws on a number of modern critical approaches to present an original and balanced analysis of Lawrence's literary and art criticism, and of the complex cultural context from which it emerged. -/- Emphasising the influence on this most`English' of writers of a German intellectual and cultural heritage, Anne Fernihough focuses on Lawrence's connections with the völkisch ideologies (...) prevalent in Germany from 1910-1930, from which both Heideggerian philosophy and Nazism emerged. The deep-seated affinities between Lawrentian and Heideggerian aesthetics are examined for the first time, and the author highlights Lawrence's `green' critique of industrialization. New light is shed on Lawrence's hostility towards Freud, contrasting the two writers' thinking on art and the unconscious. The book's reassessment of Lawrence's relationship with Bloomsbury opposes the received view that Lawrence and the Bloomsbury art critics were poles apart. -/- This fascinating and lucid study reveals Lawrence's art criticism as pluralistic and anti-authoritarian, a necessary antidote to his sometimes brutally authoritarian politics and to the dogma and rigidity that pervades so many other areas of Lawrence's thought. (shrink)

A tort. Marcuse est d'abord un philosophe qui s'inspire de la grande tradition de la philosophie allemande, celle de Kant, Hegel et Marx. Commentateur scrupuleux de Hegel, Marcuse en produit une lecture critique vivifiante, loin des idées toutes faites sur ce maître éminent. Fidèle à Marx - mais pas aux marxisme standard, ce qui lui a valu l'hostilité de tous les gardiens du temple marxiste - il lie étroitement la critique sociale à la théorie analytique de Freud. Bref (...) avec Marcuse, c'est tout un pan de la culture moderne que nous sommes invités à reparcourir. Mais Marcuse est aussi l'un des penseurs de la théorie critique. Son objet, c'est la société industrielle avancée, la nôtre. On pourrait croire que ses oeuvres décrivent notre présent alors qu'elles ont été écrites voilà un demi-siècle et plus. La "désublimation répressive", l'utilisation du principe de plaisir au profit de la domination, c'est bien quelque chose qui a pris aujourd'hui une ampleur que l'on pouvait à peine soupçonner au moment où Marcuse écrit Eros et civilisation ou L'homme unidimensionnel. Comment ne pas voir que l'extension indéfinie du marketing et des techniques de la communication produisent cette uni-dimensionnalité de la pensée que Marcuse analyse et dénonce si vigoureusement? Enfin Marcuse est un philosophe de la culture. L'art et le sens du beau sont, pour lui, essentiellement libérateurs. S'il continue de penser nécessaires l'émancipation politique et la transformation des rapports sociaux, il sait que la libération humaine est celle de l'individu qui doit reprendre possession de lui-même en se débarrasser de l'aliénation. Il ne s'agit pas de dessiner un avenir plus rationnel mais surtout la perspective d'une vie plus libre et plus belle. (shrink)