Un essai récent de Rochlitz s'inscrit dans le débat actuel sur l'art contemporain en s'efforçant légitimement de rétablir le spectateur dans son droit au jugement. Ce faisant, il propose des critères de reconnaissance et d'appréciation de l'oeuvre qui prétendent, entre autres, échapper aux limites de l'esthétique kantienne qualifiée de subjectiviste. En évoquant des tentatives, analytique et phénoménologique , de traiter de l'oeuvre contemporaine, et en les confrontant aux critères avancés par Rochlitz, on cherche à mettre en évidence les échos (...) kantiens communs à toutes ces approches pour appeler à éviter les interprétations trop étroites de la troisième Critique, et montrer qu'elle nourrit le questionnement sur l'art d'aujourd'hui et peut encore ouvrir des pistes fructueuses à cet égard.A recent essay by Rochlitz contributes to the current debate about contemporary art by justifiably trying to restore the spectators in their right to judge. By so doing, he proposes, for acknowledging and appraising the works of art, standards which claim more particularly to avoid the limits of Kant's aesthetics, supposedly subjectivistic. By refering to analytic and phenomenological approaches to contemporary artworks, and by confronting these approaches to the criteria proposed by Rochlitz, the present paper is an attempt to bring to light the echoes of Kant throughout all those approaches, in order to avoid a too restrictive interpretation of the third Critique, and in order to demonstrate that the current interrogation about art still lives upon Kant, who keeps opening fruitful ways of research. (shrink)

Cet article explore l’utilisation que font certains musées des avancées technologiques et communicationnelles les plus actuelles. En prenant appui sur des théories et des exemples tirés principalement du contexte nord-américain, il s’agit d’examiner la présentation d’une œuvre d’art contemporain, No Woman, No Cry, de Chris Ofili, sélectionnée par la Tate Britain dans le Google Art Project. L’étude de ce cas récent montre comment l’institution muséale reconduit, sur le Web, les principes de pratiques qu’elle applique, depuis longtemps, dans les salles (...) d’exposition et dans les messages adressés au public.This article explores the use made in certain museums of the very latest advances in communication and technology. Drawing on primarily North-American theories and examples, we examine the presentation of a particular work of contemporary art, Chris Ofili’s No Woman, No Cry, selected by Tate Britain from the Google Art Project. Our study of this recent case shows how museums apply the same principles of practice on the web as those they have applied for years in their exhibitions and their messages to the public. (shrink)

English summary: The authors invited eighteen artists and theorists to reflect on what is meant by contemporary photography and contemporary art. Historical issues or paradigmatic problems? The articulation of these eighteen points of view, sometimes radically different, can have a fruitful view on issues, concepts, assumptions, and current issues on the subject. French text. French description: Francois Soulages et Marc Tamisier ont invite dix-huit artistes et theoriciens a reflechir sur ce qu'ils entendent par photographie contemporaine et par art contemporain. (...) Questions historiques ou bien problemes paradigmatiques? L'articulation de ces dix-huit points de vue, parfois radicalement differents, permet d'avoir un panorama fecond sur les problematiques, concepts, presupposes et enjeux actuels sur le sujet. L'enjeu premier serait-il l'" art-contemporain " qui ne se reduirait pas alors a l'art qui serait contemporain. Que serait, alors, la " photographie-contemporaine " a l'ere du numerique? L'enjeu ultime est bien le/notre contemporain! (shrink)

Résumé Une enquête menée aux États-Unis en 1996 sur les rejets de l’art contemporain a permis une comparaison systématique entre les deux cultures, française et américaine, en matière de valeurs associées à l’art. Nous publions ici, à partir du livre qui en a été tiré ( Guerre culturelle et Art contemporain : une comparaison franco-américaine ), le chapitre consacré spécifiquement aux valeurs éthiques, touchant à l’idéologie, à la sexualité, à la religion et à la cruauté envers les animaux. (...) L’on y constate que même s’il existe de sensibles différences interculturelles (Occident vs Orient, Europe vs États-Unis), les conflits de valeurs suscités par l’art contemporain sont avant tout des phénomènes intraculturels. (shrink)

L’un des principaux arguments évoqués contre l’art contemporain au début des années 1990 en France (lors du débat autour de ce qui fut appelé la « crise de l’art contemporain ») consista en l’affirmation que puisqu’aujourd’hui n’importe quoi peut être de l’art, alors l’art d’aujourd’hui c’est n’importe quoi. Ce texte entend montrer que ce raisonnement en deux parties relève d’une confusion qui, une fois clarifiée, permettra de cerner la spécificité de l’art contemporain et des jugements qui peuvent (...) être émis à son égard. (shrink)

Cet ouvrage procède à un examen critique de la sphère de l'art en général, des activités de création artistique et de jouissance esthétique en particulier, à une période où se pose avec une extrême acuité la question cruciale des rapports de l'art aux autres pans de l'existence humaine. L'approche, qui s'appuie sur l'histoire de l'esthétique, mais fait aussi appel à l'histoire de l'art et à la culture philosophique en général, permet de cerner les nombreux contours de cette réalité hybride et (...) pas toujours facile à saisir, qu'est aujourd'hui devenu l'art. Après l'examen des vertiges modernes et de l'engrenage postmoderne ayant marqué l'évolution de cette sphère, l'accent est mis sur l'art contemporain en général, tiraillé entre la logique marchande et l'instrumentalisation, puis sur l'art africain contemporain en particulier, qui se débat entre leurres et lueurs, entre ombre et lumière, entre espoir et désespoir. (shrink)

Les réflexions de Heidegger autour de ce qu’est une œuvre d’art, articulée notamment autour de Van Gogh, peuvent-elles servir de matériau de compréhension pour l’art contemporain? La question heideggérienne du ce qu’est-ce qui fait l’être-œuvre de l’œuvre d’art? est centrale chez bon nombre d’artistes comme Duchamp, Kosuth ou Warhol et les éléments de réponse qu’ils apportent entrent dans les catégories ouvertes par Heidegger. Il en est de même pour cette singularité artistique du contemporain qu’est l’art d’installation.

Un livre pour défaire le régime esthétique de l'image, en vue d'une nouvelle pensée diagrammatique, après Deleuze et Guattari, entre art et philosophie : un ouvrage introductif et spéculatif sans équivalent qui, partant de la rupture opérée par Matisse et Duchamp avec la phénoménologie picturale de l'image esthétique, constitue une archéologie de l'art contemporain qui passe par Daniel Buren, Gordon Matta-Clark, Günter Brus et le néoconcrétisme brésilien.

Ces dernières années, des musées d’art contemporain sont apparus partout dans le monde occidental et au-delà. Le nombre de ce genre de musées augmente en permanence. Le touriste d’aujourd’hui, qui se rend dans une grande ville, s’attend à y trouver un musée d’art contemporain, de la même manière qu’il s’attend à y trouver un restaurant italien ou un cinéma. Dans la plupart des cas, ces attentes sont confirmées. Dans le pire des cas, le touriste va apprendre que le (...) musée d’art contemporain est encore en construction et qu’il sera ouvert l’année suivante. Quoi qu’il en soit, cette acceptation si facile de la notion de « musée d’art contemporain » par la culture d’aujourd’hui n’est pas sans importance. Traditionnellement, le musée d’art constituait un endroit dans lequel l’art du passé était collecté, conservé et montré au beau milieu de la vie contemporaine. Mais que signifie construire un musée d’art contemporain ? Que signifie « muséographier » la contemporanéité elle-même?Museums of contemporary art have appeared everywhere in the Western world and beyond in recent years, and they are constantly increasing in number. Any tourist visiting a major city today expects to find a museum of contemporary art, just as they expect to find an Italian restaurant or a cinema. In most cases, this is indeed what they find. At the very least, tourists will find that the city’s museum of contemporary art is still under construction and will open the following year. Whatever the case, the ready acceptance of the “museum of contemporary art” in today’s culture is significant. Traditionally, an art museum was a place where the art of the past could be collected, curated and displayed right in the heart of the contemporary world. But what does creating a museum of contemporary art really mean? In other words, what does it mean “to make a museum exhibit” of contemporaneity itself? (shrink)

Vincent du Bois est sculpteur sur pierre. Il a appris à tailler le marbre au pied des carrières de Carrare. Mais sa passion pour Michel-Ange ne l'empêche pas de se définir comme un artiste contemporain. De nos jours, le corps à corps avec la matière n'est plus une étape indispensable pour que l'oeuvre prenne forme. Le sculpteur peut programmer une machine pour se charger de ce travail. En tant qu'artiste, mais aussi en tant que penseur et citoyen, Vincent du (...) Bois interroge cette virtualisation de notre société qui contourne le rapport direct avec la matière et le sens du touché en donnant les pleins pouvoirs à la vue.0Il nous montre comment la révolution numérique, phénomène unique par son ampleur dans l'histoire humaine, signe le triomphe de l'abstraction sur la sensation. Vincent du Bois écrit en sculpteur. Il creuse l'essence des choses comme on taille un bloc, procédant par épanelages successifs jusqu'à ce que se révèle la forme sous-jacente. Elle prend ici les traits d'une question : quel pourra être le rôle du corps dans une société vouée aux écrans? (shrink)

"Music before all else..." yes, but what music, when the last century focused on discussing the very concept itself? This work studies the passage from modern art to contemporary art while considering the fundamental transformations of the musical paradigm.

La condition de l’artiste réside dans sa liberté. Pour servir sans être asservi et proposer une vision, le scénographe compose. Son art de la trouvaille et de l’interprétation relève d’une heuristique et d’une herméneutique qui exigent une attitude réactive au sujet, au lieu et aux autres. Les incursions de plasticiens sur la scène contemporaine témoignent du dynamisme de la scénographie et de sa part créative, en tant qu’acteur majeur du fait théâtral.

Art immersif, résistance poétique, oeuvres contemplatives, denouvelles formes d'arts sensibles prennent une importance croissante dans lepaysage artistique contemporain. Elles s'inscrivent dans une tendance plus larged'émergence d'une nouvelle conscience, d'un autre rapport au monde, respectantle vivant, réinterprétant des gestes ancestraux. Ces créations portent en ellesune résistance contemplative face à un monde de plus en plus matériel, quiimpose à chacun de s'oublier pour être plus performant. Ce livre est àla fois un dialogue entre les deux auteurs, donnant des clés de compréhension (...) decette nouvelle sensibilité spirituelle dans les arts, et un manifeste proposantquelques principes fondateurs d'une résistance contemplative. Le Manifestepermet de mieux cerner l'enjeu de ces oeuvres, leur rôle pour nous aider àimaginer un monde nouveau, leur proposition pour trouver une place dans nossociétés en mutation, en retrouvant l'espérance par une autre façon d'êtrehumain parmi les vivants."--Page 4 of cover. (shrink)

Selon un récit aujourd'hui communément partagé, l'art depuis les années 1960 aurait définitivement abandonné le monde sensible pour se réfugier dans l'idée ou le concept, remisant ainsi l'expérience esthétique du côté des antiquités philosophiques. Dans ce livre, Charles Bobant tente de mettre au jour l'inactualité du sensible, c'est-à-dire la pertinence de la sensibilité pour rendre compte de notre commerce avec les œuvres d'art d'hier comme d'aujourd'hui."--Page 4 of cover.

Près de dix ans après la parution de Homo Aestheticus chez Grasset, Luc Ferry s’est plié de bonne grâce à la réécriture de son premier ouvrage théorique pour, d’une part, en réactualiser les développements concernant l’inépuisable débat sur l’art contempo- rain et pour, d’autre part, en rendre les analyses plus accessibles à l’égard d’un public débordant les frontières académiques — d’où la présence, dans Le sens du beau, d’une très riche iconographie censée illustrer les positions conceptuelles défendues par l’auteur. Cela (...) étant, la thèse des deux ouvrages reste identique même si le public visé diffère: il s’agit toujours de montrer que «la crise de l’art contemporain doit être interprétée comme l’étape ultime d’un long et passionnant processus de laïcisation ou d’humanisation de la culture». Le seul ajout réellement original, outre l’iconographie, reste cet appendice final d’une trentaine de pages qui met aux prises Luc Ferry et Philippe Sollers à propos du statut à accorder à l’art contemporain. (shrink)

La modernité s'est construite sur une série d'oppositions l'autorisant à imposer ses fins destructrices à une nature devenue muette et aux autres peuples exclus du mouvement de l'histoire. Cet ouvrage rappelle l'origine des pensées dualistes ayant nourri cette attitude. Il montre que la philosophie, l'anthropologie et les sciences exactes ont largement mis en cause ces théories dualistes. L'histoire de l'art permet d'examiner la manière dont théoriciens et artistes ont pensé l'oeuvre en questionnant l'hylémorphisme et le geste. L'analyse porte aussi sur (...) la numérisation du monde et la nouvelle intelligence d'une matière devenue information. Le dualisme laisse place à une pensée du devenir rejetant toute idée de modèle. (shrink)

"Quelles sont les origines de l'esthétique contemporaine, les raisons qui l'ont installée si durablement dans le paysage artistique et celles qui l'ont amenée à séduire un public toujours plus nombreux? Après avoir souligné l'incompréhension initiale du public, nous montrerons que le surgissement de mouvements artistiques comme Fluxus et, surtout, l'adoption par l'avant-garde artistique américaine de concepts de la philosophie analytique, ont été déterminants dans son avènement. L'insistance de cette nouvelle esthétique sur les objets et le langage a rencontré les fondamentaux (...) de notre "société du spectacle". Ainsi les intérêts industriels et artistiques ont-ils fusionné en un marché global de l'esthétique qui consolide leurs intérêts communs. Enfin, notre société individualiste a dénié toute autorité aux institutions pour juger de l'art. L'individu est maintenant souverain juge. C'est en cédant son privilège d'unique représentant de l'esthétique postmoderne que l'art contemporain a trouvé sa rédemption aux yeux du public.". (shrink)

Y a-t-il une caractéristique des images produites dans ces débuts du XXIe siècle? Comment les images proposées par les artistes se distinguent-elles de la prolifération environnante? Dans cet essai, Catherine Grenier interroge les différents statuts de l'image dans l'art d'aujourd'hui. Prenant appui sur de nombreux exemples, elle étudie les stratégies de manipulations de l'image introduites par les nouvelles générations. Discernant trois catégories principales d'intervention sur l'image - la falsification, la théâtralisation et la mythologisation - elle analyse les diverses procédures du (...) "faux" et de l'extrapolation qui ont récemment connu un essor considérable, comme le remake, le re-enactment, la performation, la fictionnalisation. Ce faisant, elle aborde une gamme très large de propositions artistiques, depuis l'esthétique documentaire et le faux témoignage jusqu'au tableau vivant, l'art en costume ou l'image fossile. (shrink)

Several contemporary artists represent or stage bodies which have been blatantly marked by History and by their own history. This marking may be determined by their social embedding (in terms of the social class to which they belong, their ethnic or gender origin), or may be a question of the confrontations and ordeals imposed upon them by the societies within which they act. Contrary to the predominant, normative exhibition of bodily purity, contemporary art presents bodies which are impure, ambiguous, or (...) disquieting. Faced with the various powers (political, economic, ideological, moral, religious, scientific, technological) which, as in the past, seek to subject the body, art avails of its capacity to conjure up certain images in which, whether as an absence or as a presence, the body of rebellion reverberates. (shrink)

Cet ouvrage interroge les articulations problématiques entre art, flux et contemporain, à partir de pratiques artistiques actuelles où interviennent le quotidien, le sociologique et le collectif. Traversé par des flux de toute sorte, le monde contemporain soulève la question de sa représentabilité, alors que les artistes ont, depuis toujours, éprouvé le besoin de se mettre en adéquation avec lui. Comment en effet montrer ce qui sans cesse se meut? Pourquoi suivre les mouvances du monde? Et finalement, que peut (...) l'art d'aujourd'hui? Il s'agit pour les artistes d'adopter une position de contemporanéité car toute observation du monde, fût-elle opérée sur un mode contemplatif, ne peut être l'objet de l'inactif et de l'inopérant. C'est pourquoi "devenir contemporain" est une nécessité, une injonction politique et éthique aussi bien qu'esthétique. Il nous faut dès lors entreprendre une "esthétique du contemporain", elle qui nous portera vers un "contemporain de l'esthétique" guidé par les flux et les devenirs. (shrink)

Une analyse de la notion d'objet ancien. L'auteure en propose une définition, aborde sa valeur, l'esthétique ou encore l'utilisation des objets anciens dans l'art contemporain.