En los primeros trabajos de Ortega sobre estética, y más particularmente en los que se ocupa de Zuloaga, se reconoce el influjo del neokantismo, pero también la inci-piente presencia de la fenomenología. El propósito de este trabajo se poner en claro ambos elementos, al tiempo que se esbozan las claves de la estética orteguiana de la pintura en esta época como “pintura del mundo”, que logra salvar las cosas sirviéndose de dos recursos: 1º de un tema (...) circunstancial, y 2º de una técnica impresionista que pinta el “ambiente. (shrink)

La crítica de arte de Manía Zambrano presenta el lugar privilegiado que fue la pintura para ella. Al transcribir sus contemplaciones, revela un medio adecuado para entrar en los cuadros: la razón poética, que constituye una nueva estética basada en la fidelidad hacia la realidad originaria y en la revelación de una presencia. Zambrano define la pintura como un acto creador que brota de la odisea del artista hacia sus entrañas y hasta la revelación siempre incompleta del (...) originario. Se trata de entender la expresión de tal presencia enigmática por el arte pictórico y por la razón poética, analizando la coherencia entre los principios de la estética zambraniana con su propia escritura de crítica de arte. Los motivos aurorales de la pintura y las metáforas aurorales de la razón poética aceptan el reto de la presencia inefable acogiéndola en una forma que se vuelve promesa de trascendencia y de revelación para el contemplador y el lector. El motivo del fuego en Santa Bárbara del Maestro de Flemalle y su contemplación transcrita por Zambrano nos acompañan con la misma intensidad. La razón poética constituye una estética por situarse en un plano de libertad-obediencia radical, abriendo la puerta de la paradoja del hombre, centro de revelación y de creación. (shrink)

Mostramos, primero, que lo que caracteriza la pintura holandesa del siglo de oro, según Fromentin, no tiene que ver con la interpretación de la pintura neerlandesa por Hegel, sino con su visión de esta pintura como una transcripción ajena a cualquier consideración moral, emocional o intelectual. Mostramos, después, que la manera como la pintura neerlandesa del siglo xvii representa la guerra contribuye a la construcción de la identidad y de la conciencia nacional de los holandeses a (...) través de una iconografía propagandística. Por último, examinamos el estatuto del sentido moral en la pintura holandesa y nos preguntamos: ¿qué nos dicen las pinturas de género? ¿De qué nos hablan? (shrink)

El presente texto pretende reivindicar agencias materiales en las prácticas de la pintura al óleo. El artículo comienza presentando algunos debates sobre la importancia de la materialidad desde una estética posthumana, relacional y ecológica inspirada por las teorías de los nuevos materialismos y sus distintos anclajes (la teoría del actor-red, las epistemologías feministas de la tecno-ciencia, la ontología orientada a los objetos o la cultura material post fenomenológica). A continuación, presentaré algunos ejemplos de mediaciones o hibridaciones socio-técnicas en (...) la pintura al óleo donde agencias humanas y no humanas se involucran para articular y sostener los cuadros; pero también para traicionar, interrumpir y asombrar las intenciones de sus autores, la estabilidad de sus pigmentos y la autenticidad de su apreciación estética. Finalmente, desplegaré un proceso de ontogénesis material de un instrumento pictórico, la paleta, como agenciamiento esperanzador para abandonar los dualismos de la modernidad estética. (shrink)

El cuño técnico de la cultura actual ha desordenado el marco tradicional en el cual la imagen podía persistir. El ojo ordenador y la representación contemplativa tradicional fracasan ante la velocidad vertiginosa con que nos inundan hoy las imágenes: el ojo ya no ve, sólo vibra. El autor propone una Estética del vértigo, cuyo propósito es volver a lograr un encuentro entre la concepción tradicional de las imágenes, lo cual significa hoy una defensa de la pintura, y la presencia (...) evanescente propia del vértigo técnico de las imágenes actuales. Esa Estética del vértigo aboga de nuevo por una facultad de juzgar rejlexionante, capaz de afrontar la finitud con sobriedad y pragmatismo. (shrink)

Este artículo se presenta desde la perspectiva interdisciplinar del estudio de las relaciones entre dos artes, la Literatura y la Pintura, centrándose en el análisis estructural de la novela de Max Aub, Jusep Torres Campanals, tras el que observaremos cómo esta obra supone la traslación de la estética de la pintura cubista al discurso literario. A lo largo del análisis podremos comprobar, pues, cómo la técnica de descomposición del discurso narrativo, a la manera de un cuadro cubista, (...) convierte a Jusep Torres Campanals, en un fascinante espacio de diálogo entre la verdad y la mentira, la pintura y la escritura, situándonos de nuevo ante la reflexión del antiguo diálogo entre la Literatura y la Pintura. (shrink)

Resumen En las siguientes páginas, se ofrece por primera vez una edición crítica en español del ensayo de Georg Simmel “Böcklins Landschaften”, publicado en 1885 en el semanario Die Zukunft, que editaba en Berlín Maximilian Harden. Estas reflexiones sobre los paisajes del pintor suizo Arnold Böcklin fueron para Simmel el punto de partida de una rica y variada producción teórica en los dominios de la estética y la filosofía del arte. Palabras clave: Filosofía del Arte; Estética de la (...) pintura; Obra de arte; Intemporalidad; InespacialidadOn the following pages, it is offered for the first time a critical Spanish translation of Georg Simmel’s “Böcklins Landschaften”, an essay published in 1885 in the weekly magazine Die Zukunft, edited in Berlin by Maximilian Harden. These reflections on the landscapes painted by the Swiss symbolist artist Arnold Böcklin were for Simmel the starting point of a rich and varied theoretical production in the fields of aesthetics and philosophy of art. Key words: Philosophy of Art; Aesthetics of Painting; Artwork; Temporalness; Spatialness ARK: ark:/s18537960/fi88x96c9. (shrink)

El presente artículo se refiere a la discusión de los autores del así llamado romanticismo temprano con las tesis estéticas de Lessing. En directa vinculación con los movimientos artísticos de finales de siglo XVIII y comienzos del XIX, los hermanos Schlegel se separan de la larga tradición, de procedencia aristotélica, en que la acción creadora es reducida al acto mimético, proponiendo para ello un concepto común de arte que ya no separa a la poética de la plástica, iniciando así, según (...) el autor, la moderna crítica de arte. (shrink)

Se analiza cómo la historiografía portuguesa dimensionó la relación que la pintura de Amadeo de Souza Cardoso (1887-1918) establece entre las indagaciones internacionales del modernismo y su regional “portugalidad”. Somos conducidos así a la idea de que el origen portugués introduce en la obra de Amadeo, por putativa insuficiencia cultural y estética, un ingenuo provincianismo desprovisto de instancia crítica. Ese provincianismo lo haría apropiarse decorativamente de los célebres discos simultáneos de Robert Delaunay. Este artículo pretende discutir esa tesis, (...) procurando demostrar que, lejos de la distorsión que se le atribuye, la apropiación “decorativa” que Amadeo hace de ese elemento se inscribe en un plano de resistencia cercano a la idea de “regionalismo crítico”. Sobreviene, por fin, la hipótesis, desarrollada a partir del análisis de una tele de 1917, de que la invisibilidad de tales síntomas de resistencia sea sobre todo deudora de una perspectiva que asocia el modernismo a la superación de la representación en las artes plásticas. (shrink)

Estudio de la original pintura “La Virgen del Espejo”. Se trata de una pintura inédita para el público en general pues no ha sido nunca expuesta. Tras su adquisición, permaneció siempre en una familia española desde el siglo XVI. Solamente fue expuesta en subasta en Madrid en el año 2007 donde fue adquirida por su actual propietario.

En este artículo se desea mostrar la distinción que Jean-Luc Marion realiza entre fenómenos de derecho común y fenómenos saturados, se refleja de manera paradigmática su concepción de arte al presentar el ídolo como una modalidad saturada de los fenómenos; a su vez se presenta la diferencia entre los objetos construidos o los fenómenos constituidos por un sujeto que son presentados como principio y fundamento. Desde aquí se considera la pintura como una experiencia fenoménica de anamorfosis, donde la mirada (...) del espectador se somete al fenómeno, planteando la posibilidad de recibir aquello que se quiere ver. Además, busca mostrar cómo desde el arte, el proceso de la visibilidad es presentado como construcción del fenómeno que opera desde lo invisible. Se mostrará, entonces, cómo la reflexión artística de Jean-Luc Marion permite entrar en el corazón de su obra, observando cómo se puede modificar los conceptos de donación y de sujeto. (shrink)

Este artículo indaga sobre un problema singular de la estética de Gilles Deleuze: el del objeto de la pintura. La cuestión se desarrolla siguiendo la presentación que el autor hace en su Lógica de la sensación, tomando los ejemplos de la obra del pintor británico Francis Bacon.

Este artículo supone una aproximación a la práctica de la pintura como medio privilegiado para suspender nuestra habitual reducción de lo visible al mundo predeterminado de las categorías y funcionalidades, potenciando la apertura de una mirada atenta al aparecerse mismo de las cosas. A partir de la correspondencia entre autor y espectador a través de una mirada formadora, buscamos reivindicar la experiencia estética del mundo para tomar consciencia de nuestra relación sensible con lo observado en su desnuda extrañeza, (...) donde nuestro papel no es el de la dominación cognoscitiva, sino el de la participación y la diferencia. (shrink)

Este trabajo estudia el concepto de signo en el pintor Francisco Méndez y en el escultor Claudio Girola, miembros de la Escuela de Arquitectura de Valparaíso. Se ocupará de contextualizar esta práctica, entendida como un gesto plástico efímero asociado al acto poético, y se revisarán algunos ejemplos realizados por Girola en la travesía Amereida (1965) y otros liderados por Méndez en las travesías a cabo Froward (1984) y a Curamahuida (1986). Se sugerirá que el signo definió parte del quehacer individual (...) de estos artistas: en el caso de Méndez, en la práctica de la pintura no albergada, y en el de Girola, en la diversidad material empleada. Finalmente, se propondrá la existencia de un giro sígnico que determinó una particular estética caracterizada por la emergencia y la precariedad material. (shrink)

Resumen: La concepción estética en la pintura tradicional china es un concepto esencial en el antiguo pensamiento estético chino y sirve como criterio estético supremo perseguido en la creación pictórica clásica. Los artistas utilizan obras únicas para mostrar la concepción estética en la pintura tradicional china, destacando así los rasgos distintivos de la pintura china. Este artículo realiza un análisis genealógico de la concepción artística en la pintura tradicional china y lo combina con símbolos (...) culturales específicos para su interpretación, con el objetivo de desvelar las ideas filosóficas y los conceptos culturales concentrados en la pintura tradicional china. (shrink)

Este artículo propone un análisis filológico de un pasaje del tratado de pintura de León Battista Alberti, particularmente aquel donde el autor compara el cuadro con una «ventana abierta». De amplia supervivencia en las teorías modernas de la representación pictórica, tal expresión metafórica encontraría su origen en ciertos hábitos retóricos y poéticos tan propios del humanismo renacentista como singulares y originales en su aplicación teórico-práctica, mostrando la existencia de una alianza profunda entre las figuraciones literarias y los imaginarios visuales (...) que se han asentado en nuestra tradición. (shrink)

Resumen: El objetivo de la investigación es describir las diferentes maneras de concebir el paisaje. Para ello, fueron analizadas, fichadas y discutidas múltiples fuentes de información, seleccionándose los planteamientos más expresivos de la racionalidad teórica desde la cual el paisaje es concebido. Se encontró que, habiendo nacido el paisaje de la pintura de la Edad Media, hoy día es estudiado como representación artística por la estética, como geosistema por la geografía, como ecosistema por la ecología y como apropiación (...) subjetiva del territorio por la sociología, la antropología y la semiótica. Pero la experiencia paisajística contemplativa realizada predominantemente bajo formas estéticas no es una perspectiva suficientemente atendida a pesar de que, junto con la representación artística del paisaje, constituye la perspectiva más fidedigna del concepto de paisaje.: The objective is to describe different landscape approaches. To carry this out, multiple information sources were analysed, recorded and discussed, selecting the most expressive approaches of the theoretical rationality from which the landscape is conceived. It was found that having the painting landscape born in the Middle Ages, it is studied today by aesthetics as an artistic representation, as a geosystem by geography, as an ecosystem by ecology and as a subjective appropriation of the territory by sociology, anthropology and semiotics. However, the contemplative landscape experience was predominantly carried out under aesthetic form, but it is not a perspective sufficiently attended. Alongside with the artistic representation of the landscape, constitutes the most reliable perspective of the landscape concept. (shrink)

Resumo: Neste artigo, propõe-se uma confrontação entre a teoria dos signos de Gotthold E. Lessing, tal como exposta em Laocoonte ou sobre as fronteiras da pintura e da poesia, e os dois ensaios de Theodor W. Adorno sobre as relações entre música e pintura. Pretende-se, com isso, demonstrar a presença decisiva de elementos da estética clássica alemã no pensamento adorniano do pós-guerra; em particular, observa-se o modo pelo qual a teoria racionalista de Lessing atua na abordagem dialética (...) adorniana a respeito da irredutibilidade formal dos meios artísticos e das possibilidades de sua convergência. À luz de tal confrontação, discutem-se, em um segundo momento do artigo, os temas da conferência de Adorno de 1966, A arte e as artes, que, em certa medida, consubstancia a discussão dos ensaios anteriores sobre música e pintura. Assinala-se, nesse contexto, a continuidade da posição teórica de Adorno e se apresentam as diferenças entre o processo de pseudomorfose e o de imbricação dos meios artísticos, segundo o filósofo.s: This article presents a comparison of Gotthold E. Lessing’s theory of signs, as found in his Laocoön: an essay on the limits of painting and poetry, and Theodore W. Adorno’s two essays on the relationship between music and painting. Our aim is to point out the decisive influence of German classical aesthetics on Adorno’s post-war aesthetics. Specifically, we discuss how Lessing’s theory functions as a framework for Adorno’s dialectical assessment of the formal specificity of artistic media and their possibilities of convergence in the context of the 1960’s avant-garde. In this context, we discuss the main implications of Adorno’s famous lecture of 1966, Art and the arts, which concerned the process of media convergence that intensified during the 1960’s, as well as the concepts of “overlapping” between artistic media and of “pseudomorphosis”. (shrink)

El artículo presenta un examen de la relación entre la teología cristiana católica en México en el siglo XVII, específicamente en las ideas de autores pertenecientes a la Compañía de Jesús, y el estilo barroco de las obras que se crearon en dicho periodo, sobre todo en pintura, poesía y arquitectura. Se estudian especialmente las ideas expresadas por Tomás de Alfaro, S.J. (ca. 1667) y Luis de Villanueva, S.J. (1605-1659).

Resumen: El propósito de este artículo es explorar en el contexto de Shanghái la manera en que se revelan, definen y cuestionan las distancias y las cercanías entre las culturas china y española a través de los lienzos pictóricos de Juan Antonio Baños. Su nomadismo o condición de extranjero va a plantear algunas dudas sobre la identidad y el lugar que el artista ocupa en el mundo contemporáneo, además de sugerir algunos patrones según los cuales las fronteras desaparecen, mientras que (...) otras nuevas son erigidas. El mero gesto de Baños de traducir los trazos encontrados en la ciudad de Shanghái por medio de un tejido de dislocaciones y citaciones incita una sinfonía heterogénea de espacios y tiempos variados que amplifican las posibilidades de conocimiento artístico entre Oriente y Occidente. Ante el análisis de un panorama poscolonial contemporáneo que va del hiperrealismo barroco a una epistemología retro futurista de la ciudad, pasando por el arte pop kitsch, el artículo muestra como este itinerario de traducción transcultural nos desplaza hacia un periodo post-paradigmático.: The purpose of this article is to explore in the context of Shanghai in regards to the distances and closeness between Chinese and Spanish cultures are revealed, defined and questioned, through the pictorial canvases of Juan Antonio Baños. His nomadism or status as a foreigner will raise some doubts about the identity and the place that the artist occupies in the contemporary world. In addition, the contemporaneity of his work suggests some effects according to which the borders disappear, while new ones are erected. The mere gesture of Baños´ artwork in attempting to translate the traces of Shanghai by means of a world of dislocations and citations incites a heterogeneous symphony of varied spaces and times that amplify the possibilities of artistic knowledge between East and West. Drawing from the analysis of a postcolonial framework that stretches from baroque hyperrealism to retro-futurist epistemologies of the city, right up to a kitsch pop art, the article claims that this translatable cultural itinerary displaces the ways of understanding contemporary art in China towards a post-paradigmatic period. (shrink)

Este trabajo analiza el significado metafísico y metaliterario de la estética de la repetición en la obra narrativa de Borges. Los espejos, las sombras, los fantasmas, los dobles y todas las otras estrategias de repetición de la realidad eran, para él, alegorías de la escritura. Borges utilizó estos mecanismos como “yescas” narrativas —en el sentido barthesiano de la palabra—, para presentar tanto la compleja noción de “los diversos tiempos del tiempo” como su idea de la literatura como “ficción”.

Dos eventos, aparentemente distantes uno del otro y sin vínculos directos entre ellos, pero sin embargo estrictamente relacionados por un legado espiritual común, constituyen el tema de este trabajo. El primero, tuvo lugar en 1971, cuando una «capilla ecuménica» muy especial abrió sus puertas al público. Es conocida bajo el nombre de «Rothko Chapel», debido al proyecto general, realizado por el pintor Mark Rothko. Desde entonces, se ha convertido en una de las obras de arte más valiosas que representan la (...) estética religiosa contemporánea. Las pinturas negras de Rothko, la planta del edificio de «cruz griega» diseñado por el arquitecto Philip Johnson, el obelisco del artista Barnett Newman y la música compuesta para este ambiente por el compositor Morton Feldman, han reemplazado lo que tradicionalmente ha sido llamado «imago templi»; pero, contrariamente a toda tradición cristiana, representan nada (literalmente: no-thing). El segundo evento, tuvo lugar en 1795, cuando dos jóvenes amigos, Hegel y Schelling, estaban haciendo una especie de juramento bajo el signo de una Iglesia Invisible, actualizando un concepto ambiguo que, incluso arraigándose en las Sagradas Escrituras, ya había sido condenado por las iglesias oficiales por sus consecuencias heréticas. La relación entre estos dos eventos está dada por historiadores del arte moderno que han establecido que la pintura abstracta, desde un punto de vista formal, tiene sus raíces en la tradición romántica. Con este trabajo me gustaría contribuir al establecimiento de esta conexión, no solo por medios formales, sino también mostrando una actitud espiritual común hacia las imágenes. El cristianismo, esencialmente figurativo en su estética religiosa, siempre ha tenido que lidiar con la prohibición judía de la creación de imágenes. Esta dificultad ha sido trasferida a los debates contemporáneos en los que artistas con lecturas y educación clásicas, a menudo de origen judío pero activos en sociedades cristianas, intentan crear un nuevo tipo de arte, fuera de toda tradición y sin dogmas. Según mi sugerencia, Rothko Chapel debería considerarse como la realización de un equilibrio frágil en el que tanto el «aniconismo» como la «necesidad de imágenes» han superado su mutua unilateralidad, produciendo una etapa espiritual más elevada. Por lo tanto, tal capilla no sería un simple espacio donde todas las religiones podrían solo reunirse y dialogar, pero debería considerarse algo más sorprendente, es decir, una realización única de lo que lógicamente aparece como una pura contradicción: la realización de un Imago Templi para una Iglesia Invisible.Key words: Rothko; Hegel; Arte Abstracto; Idealismo; Iglesia Invisible. (shrink)

Este artículo explora ciertas conexiones entre la representación de la mortalidad en el retrato y el tratamiento filosófico de nuestra necesidad de ser reconocidos por los demás. En primer lugar, se examina la conexión que establece Georg Simmel en su estudio filosófico sobre Rembrandt entre la capacidad del artista para representar en sus retratos individuos irrepetibles, y su capacidad para capturar la finitud de los mismos en tanto que seres mortales. Tras señalar que ninguna de las explicaciones de Simmel sobre (...) el carácter trágico de los sujetos de los retratos de Rembrandt resulta completamente satisfactoria, recupero los escritos de Rousseau sobre nuestra necesidad de ser reconocidos por los otros, para argumentar que consideramos que los otros son insustituibles porque son capaces de satisfacer esta necesidad ; y que es, precisamente, a esta clase de insustituibilidad a la que apunta Simmel al enlazar los conceptos de individualidad y mortalidad en sus escritos sobre los retratos de Rembrandt. A partir de este punto, sostengo que las ideas anteriores son, de hecho, centrales para la comprensión de la escritura psicoanalítica de Melanie Klein, y, en particular, al planteamiento de Klein sobre la percepción de las otras personas por parte de los niños, que relaciona con sus ansiedades acerca de la posibilidad de la pérdida irreparable de esas personas; su planteamiento de que la condición de persona del otro se debe a que los percibimos como fuentes de reconocimiento; y su análisis de la pintura de retratos como una actividad con la que abordar estas ansiedades. (shrink)

Destruir la pintura, resulta polémico y al mismo tiempo atractivo, debido a que ofrece un análisis de los conceptos Vorstellung y Darstellung desde un enfoque estético- pictórico, el cual toma la obra de Poussin y Caravaggio como principa- les objetos de estudio. Si bien, prima facie, estamos acostumbrados a pensar que los conceptos antes mencionados en filosofía suelen tener connotacio- nes e implicaciones epistémicas, lo que Louis Marin ofrece a lo largo de su estudio es un claro contraejemplo de (...) dicha ingenua creencia. (shrink)

Desde la teología y la filosofía podemos comprender el concepto de belleza en el deporte ligado a la dignidad humana. Para ello, en este artículo: a) analizamos desde la antropología del cristianismo el lugar del cuerpo y el valor del deporte en la vida del ser humano; b) abordamos la estética intentando comprender la belleza ligada a la dignidad; a continuación, c) proponemos una educación estética donde la belleza ligada al deporte no está exenta del sufrimiento, las limitaciones (...) físicas o psíquicas del individuo, para que seamos capaces de ver más allá de las formas, en orden a respetar y salvaguardar la dignidad de la persona humana; finalmente, d) reflexionamos sobre el concepto de belleza que profesores y entrenadores están trasmitiendo a los alumnos y a los deportistas a través del deporte, proponiendo un modelo en el que cabe el dolor, el sufrimiento, las limitaciones e imperfecciones sin dejar por ello de ser bellos.From theology and philosophy we can understand the concept of beauty in sport linked to human dignity. Therefore, in this article: a) we analyze, from the anthropology of Christianity, the body and the value of sport in the lives of human beings; b) we boarded the aesthetic trying to understand beauty linked to dignity; then c) we propose an aesthetic education where beauty linked to sport is not without suffering, physical or mental limitations of the individual, so that we are able to see beyond the forms, in order to respect and safeguard the dignity of the human person; finally, d) we reflect on the concept of beauty that teachers and coaches are transmitting to students and athletes through sport, proposing a model that fits the pain, suffering, limitations and imperfections while still being beautiful. (shrink)

La reflexión sobre la analogía y la semejanza invadió todos los ámbitos del pensamiento medieval. La retórica y la teología compartieron un léxico único, pero mostraron planteamientos bien diferentes en esa fundamentación estética de la similitudo. La retórica definió todas las formas de la comparación como medios para la elocutio del discurso. Los teólogos escolásticos, por el contrario, al amparo de la imperfecta analogía existente entre Dios y sus criaturas, descubrieron en el universo un medio para la reflexión acerca (...) de la pulcritudo divina. La posibilidad evidente de una conciliación entre ambos planteamientos no fue aprovechada en el período medieval, con raras excepciones. (shrink)

Las conjugadas nociones del Lugar y del Alcance pretenden promover aquí una forma inédita y potente de cuestionar la misma naturaleza de la (no) experiencia que nos proporcionan la pintura y el dibujo, apuntando para un (no) espacio y un (no) tiempo específicos de los (no) objetos pintados y/o dibujados, que no son en absoluto el espacio, el tiempo, y los objetos de nuestra experiencia perceptiva consciente de serdiciente tal como fue diseñada de un modo globalmente fenomenológico, por Kant (...) o por Husserl por ejemplo. (shrink)

Uno de los motivos recurrentes del pensamiento contemporáneo, es la indagación sobre el concepto, la representación y la valoración de la comunidad como una dimensión de la experiencia, en particular en su incidencia política/impolítica. Pero "comunidad" se ha manifestado como un "semantema" elusivo, es decir, una familia de nociones y asociaciones significativas, que abren y complejizan más y más la búsqueda de un concepto preciso, hasta empujarnos hacia las típicas "vías negativas" para la caracterización o definición del mismo. A modo (...) de hipótesis, sin pretender con ello construir un esquema abarcador, sostendré que hay un núcleo estético en ese semantema, aludiendo con "estética" a la presencia, en el punto pivote de la constelación que delimita "lo comunitario", de términos como sonido/silencio, diferencia, doble, forma, identidad, imagen y semejanza. Se trata mayormente, como es evidente, de significaciones construidas sobre los planos auditivo y visual de lo sensorio. Como una especificación de dicha hipótesis, ensayaré la elaboración de una noción de comunidad a partir de la pregunta acerca de cuándo hay comunidad. La respuesta a articular, es que hay comunidad cuando hay imagen, esto es, corporización de una semejanza y de un sentido, capaces de conjurar tanto la amenaza de lo informe como la de la forma sin semejanza. El fundamento último de esta hipótesis, es que nuestro ser-en-común originario toma consistencia en el plano de lo sensible porque se vincula a la insuficiencia de toda representación para subordinarlo a un concepto, pues se presenta aquí, entre comunidad y concepto, la misma distancia infranqueable que hay entre la existencia y su teorización. One of the recurrent motifs of contemporary thought is the inquiry about the concept, representation and valuation of community as a dimension of experience, particularly in its political/impolitic influence. But "community" has proved to be an elusive semanteme, i.e., a family of notions and significant associations that make the search for a precise concept very complex, pushing us to the typical "negative ways" for its characterization or definition. As a hypothesis, and with no intention of building an all-encompassing frame, I will hold that there is an aesthetic nucleus to this semanteme, understanding "aesthetic" as the presence of terms such as sound/silence, difference, double, shape, identity, image and likeness, occurring at the very pivot point of the constellation that defines "the communitarian". It refers mostly to significances related to the hearing and seeing senses. Following this hypothesis, I will try to define a notion of community answering the question of when a community occurs. The answer to this being that there is a community when there is an image; that is, the embodiment of a likeness and a sense that can thwart the threat of what is shapeless or of a shape with no likeness. The ultimate foundation of this hypothesis is that our original being-in-common becomes consistent to the senses because of its inability to subordinate to a concept, as happens with any representation, being the unbridgeable distance between community and its concept the same there is between existence and its theorization. (shrink)

Este escrito pretende examinar el papel de la estética en el pensamiento de Schiller y Schelling en 1795 para rastrear el modo en que el pensamiento estético comienza a constituirse como un camino desde el que afrontar la problemática de la libertad planteada por la modernidad y, en especial, por la filosofía práctica de Kant. En el primer apartado se tratará de aclarar el sentido en el que la reflexión estética de ambos autores en 1795 no se puede (...) disociar de la problemática servida por la filosofía kantiana. En primer lugar intentaré mostrar las razones por las que las premisas mismas del sistema crítico hacen necesaria la Crítica del Juicio, cuya primera parte, como es sabido, constituye precisamente una ¿crítica del juicio estético¿ y, desde aquí, defenderé que la obra se hace cargo de cierta ambivalencia inherente al kantismo y que, precisamente por ello, expresa del modo más perspicuo el problema que plantea el concepto kantiano, formal, de libertad. Con ello se insiste evidentemente en la relevancia de esta obra para la primera recepción de Kant en general, esto es, para el primer Idealismo postkantiano en tanto que preocupado por elevarse a la verdad del espíritu kantiano, pero, sobre todo, se comenzarán a iluminar las razones por las que la orientación estética del pensamiento, orientación que en 1795 exploran tanto Schiller como Schelling, podrá considerarse un camino privilegiado de cara tanto a la ¿recuperación¿ de la consistencia del kantismo como a la elaboración de un concepto satisfactorio de libertad. Es decir, se intentará fundamentar así, aun cuando sólo sea indirectamente, que la conexión de la ética, de la filosofía práctica, con la estética resulta prometedora aun desde una óptica estrictamente kantiana. Pero el núcleo de este trabajo se desarrollará en los apartados segundo y tercero donde, partiendo de este suelo común compartido por Schiller y Schelling, se examinarán las diferencias entre los modos en que la reflexión estética de cada uno responde a la problemática planteada por el kantismo. En relación a esto último será fundamental determinar si sus respuestas, en tanto que soluciones, realmente se mantienen fieles a la complejidad que nace de la ambivalencia del espíritu kantiano o si, antes bien, pagan el precio de optar por uno sólo de los hilos que tejen el sistema crítico. (shrink)

En 1990, Georges Didi-Huberman, filósofo e historiador del arte contemporáneo, anuncia que va a elaborar una «estética del síntoma». La expresión está cargada de consecuencias epistemológicas. Nos proponemos exponer aquí las claves de tal filosofía del arte y aclarar los problemas que plantea. ¿Cuáles son, según Didi-Huberman, los síntomas de las imágenes? Antes de responder a esta pregunta es preciso hacer un rodeo por el pensamiento crítico de Freud mostrando lo que es para él un síntoma y evocando sobre (...) todo la figura de la histeria. El concepto de síntoma, tomado en su acepción freudiana y reactualizado en los confines de la obra de arte, permite a Didi-Huberman hacer ver de qué forma compleja significaciones heterogéneas pueden resumirse, articularse en una imagen. Designa esta articulación de sentidos mediante la noción de síntoma, cuyo «pan» es una circunstancia particular. Retomando los análisis de Didi-Huberman sobre la pintura de Fra Angelico, mostramos todo el poder de los síntomas de la pintura y la apertura epistemológica que imponen a los teóricos del arte. (shrink)

Este artículo aísla metódicamente las figuras que en la pintura dan la espalda al espectador a partir del Trecento. Son motivos minoritarios, pero semánticamente fértiles, que renuevan los esquemas iconográficos y generan un nuevo orden visual y, por ello, son un caso de estudio paradigmático para explicar algunos de los fundamentos y problemáticas de la estrategia semiótica de análisis de la imagen. La semiótica visual estudia las figuras dorsales como signos abiertos y proxémicos que tienen en la vida referentes (...) culturales y sociales, y referencias lingüísticas y conceptuales en la literatura, pero también producen significados desde su propio medio pictórico porque las imágenes denotan y connotan con autonomía de sentido. (shrink)

El convencimiento de que a finales de la Edad Media las paredes eran decoradas con pintura al seco, realizada con temple, más o menos graso, olvidando la técnica de pintura al fresco utilizada habitualmente por los romanos, es algo admitido para toda la Europa Occidental. Textos como el Libro dell´Arte de Cennino Cennini nos hablan de su recuperación por los iniciadores del Renacimiento italiano como el Giotto; desde allí se expandirá la técnica a todos los países europeos.Sin embargo, (...) en los monumentos hispanos con iconografía de tradición islámica se siguen realizando decoraciones al fresco hasta el siglo XV. En busca de explicaciones a esta excepción, en este artículo se buscan las fuentes de esa tradición técnica, analizando ejemplos de pintura mural ibera, romana, islámica y «de lo morisco» o mudéjar. El estudio se centra en los materiales utilizados, incluso con analítica de laboratorio, en paralelo con los motivos estilísticos que se encuentran en cada época. (shrink)

Comentamos aquí una obra de arte, la ¿Apoteosis de Santo Tomás¿ desde un amplio marco de reflexión. Sin duda, al contemplar, todos partimos de un horizonte intelectual y emocional. Intentamos hacerlo consciente, desarrollarlo, matizarlo, examinarlo. El horizonte de contemplación estética late y vivifica como un corazón, con independencia de lo que examinemos.

El realismo de Zubiri se sitúa en la superación del dualismo gnoseológico establecido por el realismo clásico y su crítica moderna. La superación pasa por su conocida inteligencia sentiente, con la que gracias a la congenereidad de inteligir y sentir o sentir e inteligir, tradicionalmente escindidas, se puede establecer una relación con la realidad y, consecuentemente, con uno mismo, radicalmente diversa. Esta accesibilidad se apoya en lo sentiente, que no tiene que ver solo con lo perceptivo –que también– sino que (...) es extensible a lo relacionado con el ámbito afectivo humano. No por ello hay que abandonar la inteligencia como tal, pues ello implicaría un irracionalismo totalmente ajeno al pensar zubiriano; todo lo contrario, hay que considerarla pero desde este nuevo cuadro de coordenadas establecido por la aprehensión intelectivo-sentiente de la realidad, verdadero antídoto para evitar una autorreferencialidad en un uso concipiente de la inteligencia abandonada a sí misma. En sus obras Zubiri ha tratado más el momento intelectivo, siempre incardinado en el seno de la inteligencia sentiente. Queda, pues, una tarea muy importante como es articular filosóficamente el otro momento, el sentiente, en el acto aprehensor de la realidad. En este sentido, su análisis estético puede presentar a mi modo de ver grandes posibilidades. (shrink)

This paper presents an extract of the Paul Virilio ideas about de aesthetic of disappearance in contemporary world. Disappearance like a notion that relates the vanishing of materiality because of the hegemony of a virtual world. Is a process from the development of media technologies until the..

El presente trabajo se propone analizar el advenimiento de la cultura “postmoderna” como consecuencia de la misma modernidad a partir de la cual se desarrolla. Esta tiene sus inicios en el seno del proceso intelectual de la “ilustración”, cuyo resultado es así un nuevo tipo de sujeto racional independiente, el cual solo respeta como autoridad máxima su juicio autorreflexivo, en contra de todo tipo de mandados exteriores. Tal proceso viene a traer consigo una nueva perspectiva científica en cuanto a la (...) naturaleza. El sujeto esclarecido ya no toma el mundo como un todo sagrado, sino una serie continua de cantidades cuantificables. El universo pierde así su carácter sagrado y pasa a convertirse en un recurso explotable. El individuo moderno experimenta una fe plena en su capacidad de transformar la naturaleza a sus necesidades. Sin embargo, en el devenir histórico de los eventos, el individuo moderno pierde de repente la ilusión en el progreso al constatar que este no lo ha llevado al presente feliz al que aspiraba, sino a una serie inusitada de crisis como las guerras mundiales, el cambio climático, la aniquilación nuclear, etc. Esta desilusión con las premisas de la modernidad nos ha llevado a un presente carente de objetivos o de narrativas históricas, en el cual toda autoridad establecida pierde su legitimidad, y el individuo queda sumido en la apatía sin rumbo de un “capitalismo realista”. (shrink)

Si bien toda la filosofía de la imaginación bachelardiana está afectada por un materialismo simbólico y este puede ejercer las funciones de mediación o acompañamiento en el viaje de la ensoñación, también es cierto que la finalidad del arte –en este caso, de la poesía– es el relámpago, la búsqueda de la verdad, la aprehensión profunda del ser de las cosas; experiencia esta que difícilmente se puede dar si mediamos, entre el ser de la cosa y el ser del hombre, (...) conceptos o categorías que, al buscar una mayor comprensión de los fenómenos operativos que allí se están dando, acaban por ahogar el propio decir de lo que tenuemente se nos muestra. La imagen poética debe ser el vehículo capaz de simbolizar la realidad conectándola con el imaginario, siendo a la vez aquella fuerza a-causal que traiga la novedad ontológica capaz de construir un nuevo antropocosmos. Palabras clave: imagen poética; límite; símbolo; ética; belleza. (shrink)