EDITORIAL NOTE.—Arnold Hauser died in February 1978 shortly after returning to his native Hungary; he had lived nearly half of his 85 years in a kind of self-imposed exile. He is considered, by those who know his work, to be perhaps the greatest sociologist of art, though his last years were spent in comparative neglect and obscurity. We present here as a testament to the importance of both the critic and the discipline he helped shape a section from the translation (...) of his Sociology of Art . Hauser's work draws on the influences of his teachers, Simmel, Bergson, Lukács, Mannheim, Sombart, and Troeltsch. He developed in his immense Social History of Art the groundwork for a sociological analysis of art ranging from prehistoric cave painting to film. In his later works—The Philosophy of Art History , Mannerism: The Crisis of the Renaissance and the Origins of Modern Art , and The Sociology of Art—he continued to redefine his brilliant defense of art for society's sake. The theory of l'art pour l'art wants nothing to do with this contradiction and denies not only the moral and social usefulness of art but its every possible practical function as well. "Nobody would write poetry," says Eugenio Montale, "if the problem of literature consisted in making oneself understood." It has been doubted whether the capacity of making oneself understood, the unambiguous communication of feelings and experiences, even lies within the power of art. What Eduardo Hanslick asserts about music in Von musikalischen Schönen, namely, that its relation to everything which is nonmusical, everything which has emotional content, is vague and noncommittal, is to some extent true for all arts. Just as music expresses something which cannot be translated into any other form, so literature expresses something which is eminently literary, linguistic, something locked into words and syntactic structures. In the same way the untranslatable content of a painting, a pictorial idea, a vision, can only be seized and held onto in optical forms. The composer thinks in tones, the painter in lines and colors, the poet in words, tropes, and rhythms. Indubitable as this is, it is not the whole truth; side by side with the content which can only be expressed adequately in a particular form, there is an intrinsic value which can be translated into any form. Kenneth Northcott, translator of this essay, is professor of older German literature and of comparative literature at the University of Chicago. He is currently engaged in the translation of The Sociology of Art and in the study of late medieval satire in Germany and the works of Harold Pinter, in whose plays he also delights to act. (shrink)

L'art pour éduquer, à l'âge des sciences et des techniques ?

The paper follows the thesis, that the perception of real or virtual media shares the anthropological state of "Ausdruckswahrnehmung" or perception of expression (Ernst Cassirer). This kind of perception does not represent a distant, neutral point of view, but one that is guided by feelings or "vitality affects" (Daniel N. Stern). The prerequisites, however, for triggering these feelings/"vitality affects" are not recognizable objects or motifs, but rather their sensually evaluable “abstract representations” or their formal logical structures. In contrast to aesthetic (...) feelings, however, they affect not only our feelings of lust or unlust or our knowledge (formal aesthetics) but also our actions (semiotics). So, when I extend aesthetic experiences to semiotic effects, I will talk about vitality semiotics. This new concept is of consequence, because the thesis of the responsibility of the producer is based on these effects. This is to be carried out by analyzing and presenting the approach of the Bauhaus master Josef Albers. (shrink)

Dans Art et Scolastique, Maritain ne pense pas seulement l’art comme une technique, mais comme une vertu intellectuelle. Pour mieux saisir l’originalité de cette thèse, il faut la resituer dans le moment artistique et philosophique des années 1920. Maritain n’était pas hostile à la modernité artistique : la gageure d’ Art et Scolastique consiste à penser l’art du présent grâce aux concepts thomasiens pour construire une théorie néothomiste originale du bel art. Mais peut-on rigoureusement penser la (...) création artistique avec les outils conceptuels de Thomas d’Aquin? En mettant au jour les tensions internes à Art et Scolastique, on met en lumière la vivacité et l’inventivité de la philosophie maritainienne de l’art. (shrink)

Qu’est-ce que l’expérience artistique nous apprend de l’art? C’est la question à l’horizon de cette étude dont le but est de jeter les bases pour repenser la spécificité de cette expérience dans le contexte actuel. En effet, l’offre artistique contemporaine a bouleversé le rôle du spectateur, sa relation avec l’œuvre ainsi que l’idée d’art tout court. Qu’est-ce qu’une œuvre d’art aujourd’hui? Faut-il parler encore de spectateur? Peut-on concevoir l’expérience de l’art au-delà du conflit entre l’ancien idéal de (...) contemplation et les exigences performatives actuelles? Avec deux nouveaux outils conceptuels, cet article propose de frayer un chemin parmi quelques-uns des préjugés de la tradition philosophique afin de formuler les premières hypothèses pour repenser la théorie de l’art. (shrink)

L’esthétique de Croce a souvent été lue comme une philosophie de la conscience esthétique, qui présuppose une distinction stricte entre l’artiste et l’œuvre, entre le sujet connaissant et l’expression artistique. Dans cette optique, l’œuvre serait une traduction fidèle de la pensée de l’artiste. Les pages qu’Adorno consacre à Croce dans sa Théorie esthétique semblent en quelque sorte se référer à cette ligne d’interprétation. Dans cet essai, nous voudrions examiner une autre lecture possible de la réflexion de Croce sur l’art (...) à partir d’une esthétique de la production, pour mettre en évidence le fait que pour lui toute procédure artistique est essentiellement instable et fondée sur un corps à corps avec les matériaux. Entre l’artiste et l’œuvre, il n’y aurait donc pas de relation linéaire, mais plutôt une sorte de tension que l’art, à différents niveaux, matérialise. (shrink)

L'art, loin des habitudes qui figent tout réel élan créateur, est la jeunesse du monde. Il a tout à créer. Tout à construire, tout à proposer. Les temps de l'art mimétique comme ceux de l'art visionnaire sont révolus, pour laisser place à ceux de l'intuition. Cet ouvrage revendique ainsi la liberté de s'imposer des règles, de nouvelles règles et préconise un art de l'intuition, un art de la sensibilité, qui puisse s'exprimer avec spontanéité, une spontanéité qu'il n'est possible d'obtenir (...) qu'après un long travail. L'art ne doit plus être pensé comme une intention. Suivant ce principe, le scénario dans le récit doit être abandonné. Du point de vue de la forme, la poésie doit pouvoir mélanger dans le même poème vers libres. vers en prose, versets et alexandrins, selon le souhait du poète. De même, il faut oser une autre forme de peinture, qui ne soit ni figurative, ni abstraite, mais intuitive, née du flou ou de l'éblouissement, de la fulgurance intuitive! Franchir les frontières, à commencer par celles de l'intolérance, en faisant dialoguer et se croiser différentes disciplines artistiques, pour aller vers un espace pluriartistique, ouvre ainsi de nouvelles perspectives de création."--Page 4 of cover. (shrink)

À quoi peuvent servir les mathématiques pour résister à la confusion ambiante des idées? À apprendre la rigueur de la 'méthode scientifique' mais aussi la liberté de penser. Cette liberté farouche est bien celle qui anime le mathématicien Michel Broué dans cette réflexion 'en zigzags.' Qu'il s'interroge sur son propre parcours - son amour des mathématiques, sa formation trotskyste, ses combats anti-staliniens, ses convictions universalistes-, ou qu'il dénonce les mensonges de l'Histoire, les fausses transgressions en art ou l'usage frauduleux (...) des chiffres, c'est chaque fois avec la même obsession: essayer de 'voir clair'. Et pour cela, il s'agit de repérer les conventions, de ne rien croire bouche bée (ni les évidences, ni les arguments d'autorité, ni ses propres intuitions) et de développer une éthique des faits. Exercices pratiques avec de 'petites agitations de certitudes' sur les sept couleurs de l'arc-en-ciel, le mystère d'un carrelage de salle de bain, l'espace-temps, l'âme des animaux... Hommage à la beauté des mathématiques, ce livre très personnel les réconcilie avec la morale et la politique. C'est le credo d'un humaniste passionné et jamais tranquille."--Page 4 of cover. (shrink)

L’homélie liturgique a mauvaise réputation, alors qu’elle continue de toucher chaque dimanche une foule de personnes et de constituer la principale nourriture de la foi de nombreux fideles. L’essai énonce quelques réflexions issues de la pratique et de l’enseignement de l’homilétique, afin de faire de la prédication un lieu de proposition de la foi, au service d’une ≪ pastorale d’engendrement ≫. Le prédicateur est comme mandate par sa communauté pour fréquenter le Seigneur en sa Parole puis partager celle-ci cordialement. (...) S’il parle de manière vraie, intelligente, vivante et positive, l’activité homilétique deviendra une sorte d’accompagnement spirituel communautaire auprès d’assemblées contemporaines les plus diverses. (shrink)

Un essai récent de Rochlitz s'inscrit dans le débat actuel sur l'art contemporain en s'efforçant légitimement de rétablir le spectateur dans son droit au jugement. Ce faisant, il propose des critères de reconnaissance et d'appréciation de l'oeuvre qui prétendent, entre autres, échapper aux limites de l'esthétique kantienne qualifiée de subjectiviste. En évoquant des tentatives, analytique et phénoménologique , de traiter de l'oeuvre contemporaine, et en les confrontant aux critères avancés par Rochlitz, on cherche à mettre en évidence les échos kantiens (...) communs à toutes ces approches pour appeler à éviter les interprétations trop étroites de la troisième Critique, et montrer qu'elle nourrit le questionnement sur l'art d'aujourd'hui et peut encore ouvrir des pistes fructueuses à cet égard.A recent essay by Rochlitz contributes to the current debate about contemporary art by justifiably trying to restore the spectators in their right to judge. By so doing, he proposes, for acknowledging and appraising the works of art, standards which claim more particularly to avoid the limits of Kant's aesthetics, supposedly subjectivistic. By refering to analytic and phenomenological approaches to contemporary artworks, and by confronting these approaches to the criteria proposed by Rochlitz, the present paper is an attempt to bring to light the echoes of Kant throughout all those approaches, in order to avoid a too restrictive interpretation of the third Critique, and in order to demonstrate that the current interrogation about art still lives upon Kant, who keeps opening fruitful ways of research. (shrink)

L'anthropologie de l'art est une discipline relativement récente, qui naît au carrefour de plusieurs sciences humaines à la fin du XIXe siècle et qui se développe au XXe siècle jusqu'à connaître sa floraison actuelle. On entend par ce terme les études qui traitent de l'art par le prisme de la diversité des cultures, donc constamment tourné vers d'autres formes telles que le langage, le rituel, la technique et la science avec lesquelles il interagit. Cet ouvrage aborde des œuvres qui ont (...) un caractère esthétique, mais également une signification culturelle et des fonctions techniques, cognitives, sociales et politiques diverses. Au travers d'un panorama qui ne se prétend pas exhaustif, ce sont les conditions de son émergence que nous voudrions analyser ici avec les figures pionnières qui ont accompagné son avènement et le déploiement qu'en offrent quelques-unes des principales figures plus contemporaines pour mieux en saisir la diversité et la richesse"--Page 4 of cover. (shrink)

Cet article propose l’étude d’un cas (dans deux films de Fassbinder) de ce que je nomme l’ iconologie nostalgique. Celle-ci consiste en une certaine manière de faire retour, par le cinéma comme outil d’expertise, sur quelques chefs-d’œuvre de l’histoire de la peinture, le film officiant comme révélateur iconique d’invention pour les figures peintes et nous permettant de voir et d’interpréter, par rebonds, le tableau pour la première fois, c’est-à-dire d’un regard jamais actualisé avant l’opération filmique.

Cet article examine les relations entre deux dialogues tardifs de Platon à partir de la notion de juste mesure. Dans le Politique, cette notion intervient dans le cadre d’une distinction entre deux types de métrétiques, dont l’Étranger renvoie toutefois la discussion détaillée à une autre occasion. La thèse ici défendue est que cette autre occasion est le Philèbe, dont l’argumentation complexe peut être lue comme une clarification de la notion de mesure. Ce rapprochement permet d’éclairer deux aspects importants du Politique (...) : d’une part, le rôle qu’y joue l’Idée du Bien ; d’autre part, le lien entre la juste mesure et le problème de la participation.This paper examines the relations between two late Platonic dialogues by focusing on the notion of due measure. In the Statesman, this notion occurs in the context of a distinction between two types of metretics, although the Stranger defers its detailed discussion to another occasion. The thesis here argued is that this other occasion is the Philebus, the complex argument of which can be read as a clarification of the notion of measure. This parallel makes it possible to shed light on two important aspects of the Statesman : on the one hand, the role played in that dialogue by the Idea of the Good, and on the other hand, the relation between due measure and participation. (shrink)

À la manière de Sartre, qui renonce à la question de l'essence de la littérature et lui préfère celle de son utilité, Deleuze interroge, non l'essence de l'art, mais son usage pour le philosophe. Selon Deleuze, l'art est nécessaire au philosophe pour penser sa propre condition. En effet, pour échapper à la représentation qui dénature et assujettit la pensée, la philosophie exige un détour par l'art qui transforme à la fois l'exercice de la pensée et les conditions (...) de l'expérience. L'usage de l'art, c'est ce que fait l'art. L'art capte des forces (il rend visibles des forces invisibles) et transforme, à la fois, l'artiste et le corps social (il bouleverse les manières de sentir et de penser). Cette nouvelle manière de penser et d'user de l'art déborde le cadre habituel des études esthétiques. Il s'agit ici d'établir une périodisation de la question de l'art dans l'oeuvre de Deleuze, en fonction des problèmes qu'il pose. On retiendra trois périodes qui sont trois philosophies de l'art : la première accorde la priorité à la littérature ; la deuxième opère le passage du littéraire au sémiotique, en mettant en lumière le rôle politique de l'art ; et la troisième élabore une sémiotique de l'image, à partir de la peinture et du cinéma. (shrink)

Paru une première fois en février 1968 à l'enseigne de la galerie Claude Givaudan, L'Abolition de l'art est l'un des textes les plus emblématiques parmi ceux préfigurant Mai 68, mais aussi dans la réflexion d'Alain Jouffroy sur l'art. Accompagné ici, et pour la première fois, du film éponyme réalisé dans la foulée, et de deux textes qui en redistribuent les enjeux (« Que faire de l'art? », écrit en août 1968, et « Le futur abolira-t-il l'art? », écrit en (...) 1970); les propositions de L'Abolition de l'art se présentent désormais comme un ensemble autonome dont Alain Jouffroy donnait la portée inaugurale en ces termes : « C'est au moment où, devant une oeuvre nous oublions qu'elle relève de l'art, au moment où la méthode d'exécution suscite dans le spectateur, une méthode de méditation - une série d'actes organisés par la pensée – que nous sommes confrontés vraiment avec nous-même, avec le feu. C'est ce basculement que j'appelle l'Abolition de l'art (...). » Cette édition, accompagnée des plans des « Urgences » de Daniel Pommereulle et du DVD du film, est préfacée par Pablo Durán. Alain Jouffroy est né en 1928. (shrink)

Résumé Célébré par la plupart de ses commentateurs pour la qualité démonstrative de ses traités, le savant Christiaan Huygens (1629-1695) présente un tout autre style dans ses écrits préparatoires. L’ambivalence entre son approche analytique, nourrie par les innovations algébriques de son époque, et l’ordre synthétique de ses publications, a entretenu une illusion persistante sur la véritable nature de son mode opératoire mathématique. L’examen de ses cahiers d’étude et de ses notes de travail montre clairement que Christiaan Huygens était un (...) adepte de la méthode de Fermat, qu’il a utilisée pour une grande variété de problèmes tout au long de sa carrière. Dans le prolongement des études de Giovanna Cifoletti sur ladite méthode et sur sa diffusion, cet article se concentre sur la place de l’oeuvre de Fermat dans le développement de l’art de l’analyse de Huygens, depuis ses premières années de formation (1645-1646) jusqu’à la publication de la Geometria (1659). (shrink)

Si le cercle des « Méditateurs » a abandonné l’exposition de l’art pour le rendre vivant, ce n’est pas sans se heurter à des paradoxes indépassables qui sont en fin de compte ceux de l’art romantique dans ses visées socio-politiques. Le télescopage du passé et de l’avenir se traduit dans leur démarche par la restauration de l’âge d’or grec ; cet art qui se veut être une action politique est avant tout un appel à la pureté.

La crise de l’art sacré n’est pas conjoncturelle, mais elle appartient bien à sa tension constitutive entre l’intention propre à l’art et la volonté de refléter la parole de Dieu. En prenant comme fil conducteur le sacré chrétien, il s’agit de montrer que l’art est un chemin pour comprendre le sacré autrement que comme une valeur ou que comme une catégorie. Mais en retour, le sacré est un chemin pour comprendre que l’art n’est pas (...) image. En cela l’art sacré est un art impossible au sens où il ne vise pas à représenter des possibles déterminés par l’homme, mais à être médiateur entre Dieu et l’homme et entre les hommes. L’incarnation est alors la vérité de l’art sacré qui doit sans cesse chercher des chemins nouveaux en tant qu’il est un acte fondamental de la liturgie. L’art sacré ne représente pas, il rappelle aux hommes leur tâche d’être, qui est une tâche commune. (shrink)

Ces dernières années, des musées d’art contemporain sont apparus partout dans le monde occidental et au-delà. Le nombre de ce genre de musées augmente en permanence. Le touriste d’aujourd’hui, qui se rend dans une grande ville, s’attend à y trouver un musée d’art contemporain, de la même manière qu’il s’attend à y trouver un restaurant italien ou un cinéma. Dans la plupart des cas, ces attentes sont confirmées. Dans le pire des cas, le touriste va apprendre que le musée d’art (...) contemporain est encore en construction et qu’il sera ouvert l’année suivante. Quoi qu’il en soit, cette acceptation si facile de la notion de « musée d’art contemporain » par la culture d’aujourd’hui n’est pas sans importance. Traditionnellement, le musée d’art constituait un endroit dans lequel l’art du passé était collecté, conservé et montré au beau milieu de la vie contemporaine. Mais que signifie construire un musée d’art contemporain ? Que signifie « muséographier » la contemporanéité elle-même?Museums of contemporary art have appeared everywhere in the Western world and beyond in recent years, and they are constantly increasing in number. Any tourist visiting a major city today expects to find a museum of contemporary art, just as they expect to find an Italian restaurant or a cinema. In most cases, this is indeed what they find. At the very least, tourists will find that the city’s museum of contemporary art is still under construction and will open the following year. Whatever the case, the ready acceptance of the “museum of contemporary art” in today’s culture is significant. Traditionally, an art museum was a place where the art of the past could be collected, curated and displayed right in the heart of the contemporary world. But what does creating a museum of contemporary art really mean? In other words, what does it mean “to make a museum exhibit” of contemporaneity itself? (shrink)

Emu aux larmes à l'écoute d'une musique, en arrêt devant ce tableau, vous ressentez un plaisir indéfinissable que n'a su provoquer aucune autre oeuvre. Celle-ci excite vos émotions, captive votre corps, court-circuite votre réflexion. "Que c'est beau!". Perdu en elle, vous fusionnez avec le mystère de sa présence en un acte de communion proche de l'amour romantique ou de l'extase mystique. Vous l'aimez, tout simplement! Entremêlant objet, culture et sujet, la relation artistique superpose aux significations de tous, un plaisir, des (...) questionnements et des interprétations qui ne dépendent que de vous. Comment la relation esthétique s'y prend-elle pour éveiller tant d'émotions et comment l'art s'y prend-il pour transmettre du sens? Quel pourrait être l'apport des sciences cognitives à la compréhension de ces problèmes? Finalement, se pourrait-il que les relations complexes qu'entretiennent l'esthétique, l'artistique et son institutionnalisation, révèlent la nature émergente et systémique de l'Art? (shrink)

Pourquoi prend-on plaisir à dessiner et à regarder des images? A écouter de la musique, à en faire, à lire et à écrire, à aller au spectacle? Pour le comprendre, cette investigation nous entraîne vers des territoires inattendus, là où surgissent les idées et se manifeste la création. On y découvre que la joie singulière procurée par l'appréciation, ou la création d'une oeuvre, correspond à une sorte d'état second, un mode de vigilance aussi indispensable au bon fonctionnement de notre (...) monde mental que le sont le sommeil et les rêves. Une hypothèse novatrice qui explique la présence de l'activité esthétique dans toutes les sociétés humaines et nous offre la possibilité de repenser radicalement notre rapport à l'art, la beauté, l'artiste et la création. -- payot. (shrink)

On chercherait en vain dans l'art contemporain la séduction du grand art. Les oeuvres ne s'adressent plus à nous et ne sont plus faites pour être regardées, car leur originalité tient à une idée. Toutes les formes de la modernité portent l'empreinte du concept. Avec les ruptures successives du XXe siècle, l'artiste a endossé l'habit du critique et la négativité s'est substituée à la pratique effective. C'est en ce sens que l'on peut parler de la fin de l'innocence de (...) l'art. C'est dans les écrits de Nietzsche que se dessine en creux ce thème. L'innocence renvoie à la résistance que l'art oppose à tout discours et à toute saisie réflexive, à la tension toujours irrésolue qui l'anime. L'oeuvre d'art est une énigme loin de la transparence des idées. Est-il possible de retrouver l'innocence ou est-ce la fin de l'art? (shrink)

L’article retrace l’historique des recherches menées en sociologie sur l’artification, et identifie les principaux obstacles qu’il a fallu surmonter pour les mener à bien : la confusion avec la notion d’artialisation, la réduction à un usage simplement métaphorique, et le rabattement sur le concept de légitimation. Soulignant la connexion étroite entre la problématique de l’artification et le nominalisme en philosophie, il argumente en faveur d’une conception foncièrement nominaliste de la sociologie, à travers ses trois déclinaisons contemporaines que sont le (...) constructivisme, le pragmatisme et l’individualisme méthodologique. Il plaide pour finir en faveur d’une prise au sérieux des représentations mentales dans le programme sociologique, congruente avec l’approche nominaliste. (shrink)

Pour l'homme, initialement publie en 1968, marque un moment important dans l'uvre de Mikel Dufrenne (1910-1995). Reconnu jusqu'alors comme un des grands representants de l'esthetique francaise, le philosophe ouvre avec cet "essai" un nouveau sillon, dans lequel s'inscriront ensuite Art et politique (1974) et Subversion, perversion (1977). Il s'agit pour lui de se tourner vers ses contemporains et de s'expliquer avec eux, de prendre acte de l'avenement du concept de structure dans les sciences humaines et la philosophie, et (...) de contester que cet avenement doive s'accompagner de l'effacement de la figure de l'homme, comme si la mort de l'homme devait succeder a celle de Dieu. Pour l'homme ne represente pas pour autant la defense d'un humanisme belant, car Dufrenne entend temoigner de l'appartenance de l'homme a la Nature. Il propose, selon ses propres termes, "les elements d'une philosophie qui joigne au souci de l'etre le souci de l'homme". (shrink)

Pour l'homme, initialement publie en 1968, marque un moment important dans l'uvre de Mikel Dufrenne (1910-1995). Reconnu jusqu'alors comme un des grands representants de l'esthetique francaise, le philosophe ouvre avec cet "essai" un nouveau sillon, dans lequel s'inscriront ensuite Art et politique (1974) et Subversion, perversion (1977). Il s'agit pour lui de se tourner vers ses contemporains et de s'expliquer avec eux, de prendre acte de l'avenement du concept de structure dans les sciences humaines et la philosophie, et (...) de contester que cet avenement doive s'accompagner de l'effacement de la figure de l'homme, comme si la mort de l'homme devait succeder a celle de Dieu. Pour l'homme ne represente pas pour autant la defense d'un humanisme belant, car Dufrenne entend temoigner de l'appartenance de l'homme a la Nature. Il propose, selon ses propres termes, "les elements d'une philosophie qui joigne au souci de l'etre le souci de l'homme". (shrink)

Part I of this essay will examine how the interplay between philosophy and art over the past century is reflected in the aesthetic theories of four leading Twentieth century aestheticians: Walter Benjamin, Merleau-Ponty, Gilles Deleuze, Arthur Danto. The philosophers’ theories are linked to the developments in art most directly related to their respective approaches to problems in aesthetics. Part II will explore selected non-philosophical social and technological developments that are in the process of altering the course of contemporary art today. (...) Among these are globalization, the art market, social/political issues, popular culture, virtual reality, and new manifestations of the avant-garde. Key factors that warrant consideration for future developments in aesthetics are identified in the hope that today’s and future aestheticians will begin to consider what changes are required in aesthetics to address these new developments in art. (shrink)

Alors que le premier tome de L’œuvre de l’art portait sur les «modes d’existence» des œuvres d’art, le second traite de la relation esthétique et de l’une de ses espèces, la relation artistique. La relation esthétique se divise en deux moments: celui de l’attention aspectuelle portée à l’objet, et celui de l’appréciation elle-même résultant en un jugement. La relation artistique a pour caractéristique supplémentaire de postuler une intention esthétique ayant présidé à sa création. Et c’est cette intention qui (...) constitue un artefact en œuvre d’art. En ce sens, les deux tomes de L’œuvre de l’art sont complémentaires: le premier, Immanence et transcendance, se penche sur les caractéristiques extrafonctionnelles des œuvres, alors que le second ne s’attache qu’à leurs caractéristiques fonctionnelles, tous deux se combinant pour fournir une réponse à la question «qu’est-ce qu’une œuvre d’art?». Pour reprendre une analogie proposée par Genette, on peut scinder en deux la caractérisation de ce qu’est un marteau: il possède un certain nombre de propriétés extrafonctionnelles spécifiables indépendamment de ses caractéristiques fonctionnelles. Il en va de même pour la caractérisation de l’art. On peut s’intéresser au mode d’existence des œuvres indépendamment de la fonction qu’on leur assigne. Bien sûr, certaines caractéristiques physiques du marteau doivent leur existence à la fonction qu’il est appelé à remplir: c’est parce qu’il sert à planter des clous qu’il doit disposer d’une tête d’une surface plus grande que la tête du clou et suffisamment dure. (shrink)

Un livre pour défaire le régime esthétique de l'image, en vue d'une nouvelle pensée diagrammatique, après Deleuze et Guattari, entre art et philosophie : un ouvrage introductif et spéculatif sans équivalent qui, partant de la rupture opérée par Matisse et Duchamp avec la phénoménologie picturale de l'image esthétique, constitue une archéologie de l'art contemporain qui passe par Daniel Buren, Gordon Matta-Clark, Günter Brus et le néoconcrétisme brésilien.

v. 1. Petit manifeste pour une politique de l'œuvre.

Transparence et opacité fut écrit à la fin des années 1960 et parut pour la première fois en 1975. Cet essai majeur sur les fondements théoriques de l'art moderne avait disparu des librairies depuis près de vingt ans. Partant d'une analyse de la théorie de l'art de Konrad Fiedler, qui écrivit entre 1876 et 1895, Philippe Junod se livre en fait à une archéologie de la modernité et envisage l'ensemble de la théorie de l'art et de l'esthétique depuis Platon (...) et Aristote. Il établit que l'idée d'art moderne naît quand sont abandonnées aussi bien la voie du réalisme que celle de la peinture d'idées, le naturalisme comme le symbolisme, pour en venir à une troisième voie, celle de l'opacité où l'œuvre opère dans son autonomie, sans transparence ni référence, en faisant prévaloir les droits de la vision et du visible sur ceux de la reconnaissance et du déchiffrement. À un moment où le moderne apparaît comme un moment de l'histoire de l'art, l'enquête riche et minutieuse de Philippe Junod permet de comprendre les questionnements et les enjeux de toute une époque dont nous sortons à peine. (shrink)

Dieu existe-t-il encore pour l'homme d'aujourd'hui? À cette question essentielle, parfois étouffée par le tintamarre des contestations quotidiennes, la mode est aujourd'hui de répondre par la négative. Au terme d'une vaste enquête, Jacques Duquesne, au contraire, n'hésite pas à donner une réponse positive. Alors que l'on clame la mort de Dieu, il montre que la faim d'un Dieu n'a jamais été aussi vive que dans notre monde tourmenté. Alors que l'on trace un portrait-robot de l'homme moderne animé seulement par (...) les froides impulsions de la raison, il décèle dans l'art, l'astrologie, mais aussi le phénomène hippie ou les événements de mai 1968, les mille signes d'un mouvement de re-sacralisation. Les trois-quarts des Français et des Allemands, la quasi-totalité des Américains affirment croire en Dieu. Mais en quel Dieu? Sortie de secours pour homme angoissé, divertissement pour homme programmé, père Noël barbu, rival malintentionné, grand architecte de l'univers, ou force lointaine et inconnue le Dieu des hommes d'aujourd'hui présente mille visages, archaïques ou modernes. Mais il est rarement le Dieu de Jésus-Christ même chez les chrétiens, dont la foi est en morceaux. Et à son sujet, les Églises, affairées aux problèmes de leur propre organisation, sont trop souvent silencieuses. Dans ces pages denses, vigoureuses et sereines, Jacques Duquesne brosse en une vaste fresque le panorama des croyances, des incroyances et des refus des hommes d'aujourd'hui : détruisant bien des idées reçues, son livre fera date. Collaborateur de l'Express, " Europe no 1 ", et Panorama aujourd'hui, Jacques Duquesne a déjà publié chez Grasset plusieurs livres : les Prêtres, les Catholiques sous l'Occupation, Demain une Église sans prêtres? qui ont eu un grand retentissement. (shrink)

Au cours de la période 1740-1830, l’art classique de la rhétorique était encore largement lié à la musique. Les théoriciens du xviiie siècle ont mis l’accent sur les liens cruciaux entre la rhétorique et les arts musicaux. Chaque mode d’expression se nourrit de l’autre, avec pour objectifs communs la volonté de s’exprimer, de communiquer et de persuader. La rhétorique a guidé les compositeurs et les interprètes qui cherchaient à capter le coeur et l’esprit des auditeurs par le biais (...) de l’expression artistique. Cependant, ces principes méritent sans doute plus d’attention dans l’éducation musicale moderne et dans l›interprétation de ce répertoire. Cet article présente quelques principes de base d’une approche rhétorique de la musique du xviiie siècle à l’intention des interprètes modernes dont le travail se veut historiquement informé. (shrink)

Si vous n'aimez pas les chiens, si la peine de vie vous semble aussi discutable que la peine de mort, si vous ne vous esclaffez pas quand on rajoute des moustaches à la Joconde, si vous souhaitez la béatification de Monica Lewinsky, si l'art post-moderne vous paraît nullisime, si vous considérez que, pour faire partie d'une commission d'éthique, il faut être un salaud, si vous n'êtes pas un inconditionnel de Marcel Duchamp, de Marguerite Duras, de René Char, de Georges (...) Brassens ou d'Olivier Messiaen, si vous tenez l'horoscope pour une niaiserie, l'homéopathie pour une charlatanerie, le patriotisme pour une infamie et les supporters sportifs pour des Untermensch, alors vous êtes atypique et vous vous exposez à quantité d'embêtements. mais vous trouverez peut-être une consolation dans ce livre. Si, au contraire, vous êtes politiquement correct, vous y trouverez prétexte à fourbir vos armes. Et dans l'hypothèse improbable où vous ne seriez ni correct ni abject, il vous aidera à rejoindre la réalité. (shrink)

Nombreuses sont les contradictions imputées à l’œuvre de Danto, telles, pour les plus spectaculaires, « ontologie versus historicisme » ou « essentialisme versus contextualisme », voire « substantialisme versus pluralisme postmoderne ». Pour tenter de sortir de ces paradoxes, qui qualifient trop souvent le cheminement de Danto, nous tentons de revenir à l’exacte nature de son essentialisme qui, ouvrant (1981) et fermant (2013) sa réflexion sur l’art, en constitue l’armature profonde. Nous montrons, chemin faisant, comment la clarification (...) de cet « essentialisme » permet de relativiser, voire de pulvériser, certaines des plus lourdes contradictions qui lui sont reprochées. (shrink)

La production d’images par ordinateur fait apparaître deux aspects d’une telle importance pour le futur imminent que tous les autres aspects de cette nouvelle technique seront ici éliminés. Ces deux aspects sont l’auto-programmation et l’imagination conceptuelle. Il s’agit là d’une révolution de la structure de la société et de la conscience, de l’émergence d’une existence nouvelle.

Cet essai sur Michael Walzer, l'un des chefs de file du communautarisme américain, se présente comme une discussion critique de la conception spécifiquement communautarienne de l'auteur des ¤¤Sphères de justice¤¤. Pour le philosophe et ethicien M. Hunyadi le modèle de Walzer s'avère impuissant à relever un défi comme le multiculturalisme.

Depuis le début des années 1980, Georges Didi-Huberman, philosophe et historien de l'art, enseignant à l'École des hautes études en sciences sociales (Paris), s'attache à penser le devenir des images, et plus généralement le travail des formes, avec des outils théoriques empruntés à des champs de recherche multiples (philosophie, anthropologie, histoire de l'art, psychanalyse...) et pour des périodes historiques très diverses (Renaissance, XIXe siècle, art moderne, art contemporain...). La fécondité de cette pensée, la richesse des propositions théoriques qu'elle a (...) su inventer, en font aujourd'hui une référence majeure dans le champ de l'histoire et de la théorie de l'art. Ce volume propose un ensemble de lectures de cet être-devant-les-images, en explorant sa tonalité essentiellement heuristique. Il montre combien, ici, l'art et l'histoire trouvent des outils capables de les faire travailler ensemble. (shrink)

L'analyse de films évolue entre des pratiques multiformes et une indigence théorique qui ne formulerait que sa propre tautologie : on ne pourrait rien en dire. Une observation attentive des films ne permet pas de soutenir ce point de vue. Loin de nous autoriser à toutes les projections, les oeuvres qui comptent se distinguent par leur extrême rigueur et nous obligent à une grande précision de pensée. Cet ouvrage élabore douze principes, dits "vertueux", qui permettent d'en rendre compte. Ils ne (...) proposent pas une méthode qu'il suffirait d'appliquer mécaniquement, mais un instrument de validation des énoncés à partir d'une observation scrupuleuse des images et des sons. Nous avons beaucoup plus à apprendre des oeuvres d'art si nous les acceptons dans les limites et la précision de leurs discours. Plus l'attention portée à un film sera soutenue, plus celui-ci deviendra nourriture pour l'esprit. Et l'esprit, nourriture pour un savoir-vivre. (shrink)