L’arte contemporanea è caleidoscopica: può catapultarci in ambienti complessi o minimali richiedendo la nostra attiva partecipazione, ancorarsi a luoghi particolari, porci di fronte a opere apparentemente indistinguibili da oggetti ed eventi della vita quotidiana, appropriarsi illegalmente degli spazi pubblici, e così via. Questo volume muove dalla premessa che uno dei compiti della filosofia dell’arte sia prestare attenzione a specifiche pratiche artistiche e a teorie sull’arte avanzate in altri ambiti di ricerca, per poi organizzare in maniera perspicua la (...) molteplicità dei dati raccolti. I filosofi possono così costruire teorie quanto più generali possibile per cercare di spiegare ciò che emerge da tali dati. Le ricerche qui presentate si concentrano su alcuni fenomeni, accuratamente scelti nell’ampio panorama dell’arte contemporanea: l’installation art e i suoi rapporti con l’installazione espositiva, l’arte sito-specifica e la sua appartenenza alla più ampia tradizione dell’arte situata, il ruolo delle idee nell’arte concettuale e il carattere sovversivo della street art. Sfruttando l’efficacia esplicativa del concetto di medium artistico, nonché della individuazione di forme e generi d’arte, le analisi qui presentate indagano le ragioni per cui in queste pratiche artistiche sono centrali l’esperienza dello spazio, l’interazione fra opere e pubblico, i luoghi d’installazione delle opere e gli oggetti come portatori di significati. (shrink)

Il saggio vuole analizzare se sia possibile parlare di arte contemporanea in termini non meramente cronologici. A questo scopo si avvale del lavoro e delle riflessioni di Peter Osborne, secondo cui l’arte contemporanea deve essere pensata non come un concetto descrittivo, ma come un concetto normativo in grado di giustificare e di rendere possibile il carattere di autonomia dell’arte. Sotto questo profilo, secondo l’autore tutta l’arte contemporanea è arte postconcettuale, poiché oggi la distinzione tra ‘ (...) class='Hi'>arte’ e ‘non-arte’ non può riposare soltanto su una dimensione estetica, ma deve necessariamente riposare anche su procedure teorico-riflessive (concettuali). Inoltre, non è più possibile configurare una storia dell’arte centrata unicamente sul medium, sulla forma o sullo stile, poiché la natura immateriale, tecnologicamente immaginale e digitalizzata delle pratiche artistiche impone di pensare la dimensione autonoma dell’arte non più attraverso la distinzione (moderna) tra ‘opera’ e res, ma come il darsi finzionale di non-luoghi. Da questo punto di vista, Osborne prova a ripensare la ‘forma’ dell’opera d’arte contemporanea in termini di una paradossale unità distributiva temporale e spaziale. In questo modo, l’unità temporalmente disgiuntiva e il carattere transnazionale (globale) diventano le due caratteristiche principali dell’opera d’arte contemporanea. (shrink)

El valor económico del objeto artístico está dado por el costo de su producción y las fluctuaciones del mercado, además de otros elementos axiológicos en cada caso. Pero ¿es este precio, el representante fiel de su valor estético? ¿El valor económico es directamente proporcional a su valor estético? ¿Su valor de uso corresponde a su valor de cambio? Los problemas de precio y valor nos redirigen a cuestiones más humanas y culturales, no solo a los análisis de costo y beneficio, (...) esta es otra puerta de crítica y salida que podemos ocupar para investigar las paradojas del sistema capitalista. El valor del arte, asumiendo a este como a una vil mercancía más, nos ayuda a confrontar las contrariedades culturales que el sistema como ideología crea a su favor, pero también encontraremos otras coyunturas, como el concepto de patrimonio o el don, para poder explorar otro tipo de opciones de intercambio fuera del mercado económico capitalista. En este ensayo nos inclinamos por el valor de uso de la obra de arte, como objeto enriquecedor de la conciencia humana, por encima de su valor de cambio, el cual es el que domina en la actualidad transmoderna como resultado del papel protagónico de su intercambio mercantil. (shrink)

The article focuses on the possibility of reconsidering the relationship existing between monstrosity and sublime in the light of Jean-François Lyotard’s interpretation of the Kantian sublime. Sublime and monstrosity unveil a system of analogies and differences, which can depict the aesthetic experience mediated by mass media, rather than by art. The lack of form and the sometimes obscene drift, which are typical of media experience, configure indeed a sensibility that oscillates between the ascension to sublime heights and the emergence of (...) monsters. (shrink)

Walter Benjamin fully captures the radical transformation of the aesthetic experience of some of the avant-garde artists from the beginning of the 1900s – the cornerstones of the aura disappear with the Dadaists. However, Benjamin does not understand that while the aura disappears from the artist’s work, it will later reappear in the artist himself… sliding from the work to the artist. In fact Duchamp, after abandoning painting and the realization of ready made works, dedicates himself to behavioral actions which (...) accentuate the authorship or the artist, and not the work of art. This creates a mysterious and almost sacred atmosphere around the author, similar to the concept of aura. The sliding of the aura from the work to the artist is found in other artists of the 1900s… (from Yves Klein to Piero Manzoni, from Jackson Pollock to Joseph Beuys). (shrink)

El presente libro, editado de manera conjunta por la Facultad de Filosofía y Letras de la BUAP y el Instituto de Filosofía de La Habana, reúne algunos de los principales resultados del Proyecto de Investigación Coordenadas epistemológicas para el análisis estético de la cultura y su relación con el consumo, coordinado por el Grupo de Investigación sobre Estética, Cultura y Arte, perteneciente a la institución cubana, con la colaboración de los cuerpos académicos de Estética y Arte y La (...) Estética y Los Medios, ambos asociados a la Maestría en Estética y Arte de la BUAP. Componen el libro tres partes fundamentales. La primera está referida a los problemas epistemológicos y axiológicos que supone la compleja relación actual entre estética, arte y cultura; la segunda centra su atención en el tema del consumo, abordado desde una perspectiva teórico-general y en sus ricos vínculos con la cultura y el arte; la tercera pone en evidencia la movilidad del consumo cultural a través de todo el entramado social, destacando sus nexos con diferentes facetas de la vida social. (shrink)

Entendendo a Arte Contemporânea como um processo relacional, portanto não acabado em si mesmo, o presente artigo busca destacar o lúdico como uma das características presentes na poética participativa de certas obras tecnológicas de artistas brasileiros contemporâneos. Tal perspectiva consiste em um recorte da tese defendida, intitulada Poéticas participativas contemporâneas: o engajamento dos sentidos na arte tecnológica brasileira.

L’autrice sostiene che l’arte contemporanea etnicamente marcata – arte contemporanea africana, aborigena, nativa – è inclusa nell’arte contemporanea tout court – la categoria non-marcata e dominante – nella forma dell’eccezione agambeniana, ossia secondo quella logica di esclusione inclusiva che caratterizza anche le opposizioni privative in semantica cognitiva e le opposizioni gerarchiche di Louis Dumont (l’englobement du contraire). L’esame di alcuni esempi rivela come il diniego di coevità (Johannes Fabian) riservato agli Altri, prima che alla loro arte, (...) sia tuttora operante e si esprima anche in un certo discorso curatoriale, principalmente attraverso l’applicazione di coppie di opposti categoriali all’arte contemporanea marcata/non-marcata. Questo tipo di discorso, includendo paradossalmente l’arte etnicamente marcata nella contemporaneità proprio in virtù della sua temporalità diversa e disgiuntiva, riafferma surrettiziamente la differenza antropologica che ci divide dai suoi creatori. Un riesame critico delle dicotomie che qualificano il dualismo antropologico noi/altri nel paradigma storico-artistico dominante, conclude l’autrice, sembra premessa necessaria per apprezzare le altre estetiche: estetiche che sono a noi coeve, e che non necessariamente pertengono a ciò che, per noi, è arte. (shrink)

Is judgement still possible in art? The present paper tries to answer this question, exploring the two-main forms of judgement in the domain of art: the ontological-artistic judgment (regarding the identity of works of art) and the aesthetic judgement (regarding their aesthetic properties). Arguing that the most philosophically interesting cases are those in which judgment seems impossible, the article explores the elements necessary for the formulation of the two judgements that make up the domain of art.

In today's societies, there are conflicts that cause direct violence in a considerable part of the population. Homelessness is an example of the concealment of a social peace that is not real insofar as it affects those who do not have the minimum socio-economic guarantees to live with dignity. In this article, the authors reflect on some of the issues related to this type of problems that continue to stifle genuine participation and, therefore, the possibility of a more real democratic (...) coexistence. One proposal for tackling this type of context is art focused as a space for participation based on the experiences of the participants. In this case, of those who do not have the same opportunities to tell how they feel about what is happening to them. Specifically, the methodology of theatre is presented, mediating a reality from the representation of bodies as creativity that generates diverse and different interpretations. (shrink)

RESUMEN Este artículo examina la estética suprematista en relación con teorías políticas contemporáneas sobre la revolución y la transformación social. El punto de partida del suprematismo es la destrucción de la realidad objetiva como acto liberador. Aunque diversos autores contemporáneos del campo de la teoría política conciben el arte tcomo producción de sentimientos que actúan como puntos de partida de la acción y el compromiso. Ambas perspectivas se entrelazan en el concepto de 'revolución': la liberación de la representación totalitaria (...) y la creación de una nueva sociedad. ABSTRACT This article discusses suprematist aesthetics in relation to contemporary political theories of revolution and radical social transformation. The starting point of suprematism is the destruction of objective representation of reality, and this is understood as liberation. However, many contemporary authors in the field of political theory understand art as production of feelings which are, in turn, the starting point of action and engagement. Both perspectives are interwoven in the concept of 'revolution': the liberation from totalitarian representation and the creation of a new society. (shrink)

Las artes han variado en su composición e integrantes durante los últimos 100 años, a la música, la arquitectura, la danza, la pintura, la poesía y la escultura, se incorporaba el cine envuelto en una polémica sobre su originalidad o posibilidad desarrollar un lenguaje propio. En este contexto, de la mano con el surgimiento de las tecnologías de la información y la comunicación, el entretenimiento interactivo se sumó en esta polémica, con críticas y señalamientos que evidenciaron paralelismos con la situación (...) que reportara la cinematografía en su tiempo. Por ello, en este trabajo se persigue como objetivo general analizar el desarrollo de la discusión en medios especializados y académicos sobre el estatus del videojuego como una forma estética o medio de expresión de esta. Entre los resultados, se encuentran extensas declaraciones, trabajos y desarrollos teóricos que consiguen justificar el estatus artístico de los juegos de video o cuanto menos su consideración como un campo de expresión artística, que ha logrado desarrollar su propio lenguaje, con un proceder particular caracterizado por la participación e interactividad de la persona implicada en su uso. (shrink)

Resumen: En nuestros días el término arte ha ampliado su horizonte hasta incluir prácticas y objetos que tradicionalmente habían sido negados. Este cambio de perspectiva se introduce a partir del siglo XX cuando la noción de arte comienza a ser cuestionada desde diferentes vertientes teóricas y prácticas. En este artículo se analiza la definición que el filósofo estadounidense John Dewey propuso en los años treinta, la cual trataba de devolver el arte al contexto cultural en el que (...) se originó. Para ello, en primer lugar se examinará la dimensión cultural del arte: tanto el contexto sociocultural de la obra, como el propio papel del arte para transmitir los significados de una cultura. En segundo lugar, serán consideradas las posibilidades que ofrece esta noción de arte como vía para establecer un diálogo intercultural entre iguales. A través de un estudio sobre su fundamentación teórica, así como su alcance y limitaciones, el objetivo de este artículo es mostrar, pese a sus dificultades, que la definición deweyana de arte alberga un gran potencial para la estética contemporánea.: In present days, the term art has broadened its horizon to include practices and objects that traditionally had been rejected. This change of view was introduced in the twentieth century when this notion begins to be questioned from different theoretical and practical approaches. This article analyzes the definition proposed in the thirties by the American philosopher John Dewey, which tried to return art to the cultural context in which it was created. For this purpose, first, the text examines the cultural dimension of art: the sociocultural context of the work of art; and the role of art in transmitting the meanings of a culture. Second, the text considers the possibilities offered by this notion of art to establish an intercultural dialogue between equals. Through a study of its theoretical fundamentals, its scope and limitations, the aim of this article is to show that, despite its difficulties, the Deweyan definition of art harbors great potential for contemporary aesthetics. (shrink)

Resumen Art as Experience de J. Dewey es una obra clave para quienes se encuentran interesados en la estética. En este artículo nos proponemos mostrar que una mirada contemporánea que rescate los mejores aspectos de este libro debe, necesariamente, relacionar la estética con algunos aspectos de su pedagogía y su filosofía de la educación.Dewey’s Art as Experience is an indispensable work for people interested in aesthetics. Our purpose in this article is to show that a contemporary reading that rescues the (...) book’s best aspects must necessarily relate it to some aspects of Dewey’s pedagogy and his philosophy of education. We attempt to show this relationship in our article. (shrink)

El presente artículo intenta señalar y valorar las ideas comunes que, en torno a la tradición, la modernidad, el arte y la cultura, existen entre los pensamientos de Walter Benjamin y Hannah Arendt. Para esto, se reconstruyen algunos de los aspectos de la visión histórica de ambos pensadores, para después valorar sus comprensiones estéticas en el marco de la sociedad de masas moderna. Los conceptos de autoridad y aura son centrales en este recorrido para entender la forma en que (...) la “ruptura de la tradición” y la tendencia social contemporánea hacia la “reducción de las distancias” ofrecen una nueva circunstancia esencial para la cultura moderna. (shrink)

RESUMO A definição de arte desenvolvida por Arthur Danto pressupõe que algo é uma obra de arte por ser o correlato de uma interpretação, inscrita em uma rede de significações históricas, teóricas e sociais, que lhe atribui o estatuto de obra de arte. Trata-se de uma definição essencialista que, no entanto, não se funda em algo que é percebido no objeto, mas no objeto percebido como arte. Levando em consideração que o conceito de “interpretação” é um (...) dos pontos cardinais da definição de arte de Danto, aprofundo neste artigo uma investigação específica sobre o assunto. Argumento que o modo como o autor o desenvolve comporta uma ambiguidade, isto é, que há uma confusão entre dois sentidos de interpretação nos textos dantianos, e que seu papel fundamental na definição de arte é inseparável da contextualização histórico-social possibilitada pelo mundo da arte. ABSTRACT Arthur Danto’s definition of art claims that something is a work of art because it is the subject of an interpretation that is inscribed in a network of historical, theoretical and social meanings, which is responsible for assigning the status of artwork. It is an essentialist definition which however, is not based on something that is perceived in the object, but on the object being perceived as art. In this paper, I develop a specific investigation about the concept of “interpretation”, taking into account that it is one of the cardinal points in Danto’s definition of art. I argue that the author develops this subject in an ambiguous way, in other words, that there is confusion between two different meanings of interpretation in his texts, and that its fundamental role in the definition of art is inseparable from the historical and social contextualization guaranteed by the artworld. (shrink)

Arte, educación y comunidad en la estética pedagógica Resumen: Una de las corrientes estéticas contemporáneas más pujantes, la «estética pedagógica», planteó desde sus comienzos la combinación entre el arte y la educación. Las creaciones respaldadas por esta orientación se basan en muchas de las ideas de las pedagogías críticas de los años 60 e igualmente en los presupuestos de las llamadas últimas vanguardias artísticas. Todas ellas comparten un mismo espíritu emancipador en sintonía con las teorías más críticas con (...) la sociedad de producción capitalista. Pero en los últimos años la «estética pedagógica» se ha visto empujada a problematizar la cuestión de la «comunidad» desde diferentes puntos de vista, partiendo de la base de que no puede haber educación ni arte sin un replanteamiento del espacio en común que ambos ponen en juego. Palabras clave: Arte. Educación. Política. Comunidad. Art, Education and Community in Pedagogical Aesthetics: one of the most thriving contemporary aesthetic trends, «Pedagogical Aesthetics», raised from its beginnings the combination between art and education. The creations supported by this orientation are based on many of the ideas of the critical pedagogies of the 60s and also on the budgets of the so-called latest artistic avant-gardes. All of them share the same emancipatory spirit in tune with the most critical theories with the capitalist production society. But in recent years the «pedagogical aesthetic» has been pushed to problematize the question of «community» from different points of view, based on the fact that there can be no education or art without a rethinking of the common space that both put into play. Keywords: Art. Education. Politics. Community Arte, educação e comunidade em estética pedagógica Resumo: uma das tendências estéticas contemporâneas mais prósperas, a «estética pedagógica», levantou desde o início a combinação entre arte e educação. As criações apoiadas por essa orientação baseiam-se em muitas das idéias das pedagogias críticas dos anos 60 e também nos orçamentos das chamadas vanguardas artísticas mais recentes. Todos eles compartilham o mesmo espírito emancipatório em sintonia com as teorias mais críticas da sociedade capitalista de produção. Mas, nos últimos anos, a «estética pedagógica» foi levada a problematizar a questão da «comunidade» de diferentes pontos de vista, com base no fato de que não pode haver educação ou arte sem repensar o espaço comum que ambos Eles colocam em jogo. Palavras-chave: Arte. Educação. Política. Comunidade. Data de registro:16/06/2020 Data de aceite: 22/07/2020. (shrink)

La domanda fondamentale della ricerca si muove attorno alla relazione tra arte, verità e essere, segnalando la natura metafisica del discorso. Questo fatto è sottolineato in quanto l’arte, in ambito filosofico, è di solito trattata in un contesto estetico, ma i due autori scelti vedono nell’arte un legame intrinseco al problema dell’essere, riconoscendo il suo valore anche nell’orizzonte metafisico. Heidegger e Merleau-Ponty avvertono la necessità di superare l’estetica e di svelare le possibilità ontologiche dell’arte, compiendo così (...) una sua «riabilitazione ontologica», mostrando la sua intima correlatività alla questione dell’Essere e con quella della verità. Il vero senso dell’arte non nasce al di fuori di questo contesto ontologico, ed è proprio questo il motivo per cui la riabilitazione ontologica è diventata necessaria: al punto che si potrebbe affermare che l’estetica conduce l’arte fuori della sua vera essenza. L’arte è, di natura sua, ontologica. Si tratta quindi di un tema assai speciale, che già a prima vista dà luogo a diverse domande. Accettando la sfida della crisi della metafisica nell’età contemporanea, è possibile salvaguardare la questione dell’Essere a partire dall’ambito non-filosofico dell’arte? Cosa offre l’arte alla filosofia a proposito della questione dell’Essere? Quale verità si esprime in essa? Cosa giustifica il mettere insieme i tre concetti fondamentali della dissertazione e due autori così diversi, anche se di eredità fenomenologica comune? L’obiettivo della ricerca è di vedere se la riabilitazione ontologica dell’arte potesse in qualche modo salvaguardare la metafisica dell’Essere; e se a partire da ciò che la filosofia può imparare dall’arte, sia possibile arrivare ad una formulazione filosofica della verità vivente, in dialogo con la concezione dei due autori scelti. (shrink)

Conceptual art plays a crucial and continuous role in the generation and development of contemporary art, and thus is also the reference point of contemporary art. Conceptual art is an art centered on ideas, and it is dominated by the use of language. These two characteristics have induced three important tendencies of de-materialization, anti-formalism, and anti-visual aesthetics in contemporary art. It is these three tendencies that have led to a new understanding and evaluation of the value of work or labor (...) in contemporary art. Put briefly, contemporary artists pay more attention to the concept value, process value, and Complex Polysensoriality value of art work, rather than the physical object value, commodity value, and visual aesthetic value in the past. These changes are not only caused by art itself, but also have root and basis in techonology, philosophy, society, and the existing condition of human beings, which raises further questions. (shrink)

O presente texto parte de uma analogia com a obra “Após o fim da arte: a arte contemporânea e os limites da história” de Arthur Danto para pensar perspectivas da produção artística após a decretação de seu fim, ou seja, após o momento em que os modelos tradicionais de pensar e fazer arte passaram a não se enquadrar às próprias obras de arte. A perspectiva abordada traz à tona os contextos de visibilidade e de participação (...) do mundo da arte, o qual acompanha um movimento simultâneo de globalização e regionalização. Para tanto, o presente artigo fará uma analise decolonial da tese de Arthur Danto, para então explicitar de que modo ela não se mostra suficiente. Por fim, trará para a discussão os conceitos de perspectivismo e multinaturalismo trabalhados por Eduardo Viveiros de Castro para apontar caminhos que permitam pensar a arte para além dos limites da arte europeia. (shrink)

A CasaDuna – Centro de arte, pesquisa e memória de Atafona é uma residência de arte sediada na praia de Atafona localizada no município de São João da Barra, litoral norte do estado do Rio de Janeiro. A região, próxima ao delta do rio Paraíba do Sul, sofre há mais de cinquenta anos um intenso processo de erosão costeira. Pretendemos expor relatos de uma experiência interdisciplinar a partir de uma metodologia de pesquisa-ação, em produções de arte (...) class='Hi'>contemporânea que operem com o agenciamento contextual. Defendemos que existe uma dimensão ética, estética e política ao se propor a trabalhar com o ambiente, principalmente no que concerne à possibilidade de desenvolver ações que afetem imaginários e epistemologias na relação com o território. Esses serão apontamentos sobre o desenvolvimento de um trabalho de mediação pedagógica e curadoria em uma residência artística com arte ambiental em um contexto erosivo. (shrink)

Con el advenimiento del nuevo milenio, las históricas relaciones entre arte y naturaleza siguen más vivas que nunca. La noción de naturaleza se encuentra atravesada por múltiples vectores que llevan los límites de aquello que consideramos «natural» más allá de sus fronteras tradicionales. Y, por otro lado, la naturaleza se ha convertido en el ámbito de trabajo de muchas tendencias artísticas contemporáneas. De la mano de diez autores, esta publicación aborda las dimensiones simbólicas y políticas de las prácticas artísticas (...) que parten de la naturaleza con la voluntad de transformar la realidad, y que tienen como objetivo potenciar un espacio de diálogo y generar un debate y un pensamiento crítico. Desde campos de investigación aparentemente distantes, cada capítulo ofrece un punto de vista diferente para repensar la relación entre arte, naturaleza y política. (shrink)

Mediante as relações de sentido que possam existir entre as temáticas do corpo, representação e morte, sobretudo nas produções que se utilizam do suporte da fotografia, e também pensando no ponto de mudança entre o documento fotográfico para a mestiçagem da arte contemporânea, o presente artigo se propõe refletir sobre a produção de três artistas visuais: Rosângela Rennó, Christian Boltanski e YdessaHendeles. Os referidos artistas se utilizaram de práticas mestiças e do suporte fotográfico em suas produções visuais, de (...) modo que, através de um olhar mais aprofundado sobre suas obras, seja possível identificar parcialmente a forma como estabeleceram um diálogo entre a representação do corpo morto e a arte contemporânea.Palavras-chave: Fotografia. Memória. Arte Contemporânea. Produção de sentido. (shrink)

El siguiente texto contiene una presentación resumida de la investigación doctoral del autor. Tomando como ejemplo la producción de las artes visuales centroamericanas del período inmediatamente posterior a la firma de los acuerdos de paz en la región se analizan las relaciones entre imagen y palabra en las obras del arte visual en que se experimenta con diversas dimensiones de la palabra escrita. Para realizar ese análisis ha sido necesario construir un aparato conceptual y un esquema de análisis que (...) vincule dicho recurso artístico con la producción social de espacios, sujeciones y miradas a través de las convenciones mediales ejercidas en las culturas gráficas y visuales, y en sus formas y posibilidades de relación. (shrink)

O livro analisa as obras dos principais filósofos que criaram as bases da filosofia da arte contemporânea.

Oggi il mondo dell’arte si apre a un’ibridizzazione di forme e generi. La bellezza e la creatività, categorie fondamentali dell’arte secondo la tradizione idealistica e romantica, trovano nella vita quotidiana nuovi territori da colonizzare. In questo panorama di esteticità diffusa un fenomeno acquista particolare interesse: la DesignArt. La DesignArt costituisce un’intersezione tra due ambiti della creatività storicamente volti l’uno a progettare per l’industria oggetti seriali, utili ed esteticamente gradevoli, l’altro a ideare opere uniche e belle, ma senza scopo. (...) Il luogo precipuo della DesignArt è l’ambiente vissuto, dove contemplazione e consumo si intrecciano in un’esperienza sinestetica in cui l’arte può offrire dei servizi ai fruitori. Pertanto la contemplazione disinteressata, tradizionalmente connotativa dell’opera d’arte, viene ora sostituita da un’esperienza a più livelli, una sorta di “consumo contemplativo”, poiché la bellezza si può fruire simultaneamente alla soddisfazione di altri scopi. Attraverso l’esame di opere convergenti in quest’ambito sia dalla sfera dell’arte sia da quello della produzione industriale, questo saggio cercherà di mettere a fuoco le categorie estetiche della DesignArt. Particolare attenzione sarà rivolta al concetto di atmosfera introdotto nel dibattito sull’estetica contemporanea da Gernot Boheme. Il concetto di atmosfera può fornire una chiave di lettura per i nuovi territori dell’estetizzazione quotidiana, in cui il valore di “messa in scena” prevale sul valore d’uso degli oggetti, e di conseguenza può costituire una categoria ermeneutica per questa intersezione creativa tra bellezza e funzionalità. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Art as Occupations:Two Neglected Roots of John Dewey's AestheticsAuthors: Fabio Campeotto (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas, CONICET, Univ. Nacional de La Rioja); Juan Manuel Saharrea (CONICET, Universidad Católica de Córdoba-Unidad Asociada al CONICET) and Claudio M. Viale (CONICET, Universidad Católica de Córdoba-Unidad Asociada al CONICET). Campeotto and Saharrea contributed similarly to the development of this work. Language edition: Rita Karina Plascencia, https://www.rkplasencia.com/. This article was made in (...) the frame of two research projects: "Pragmatismo y educación: Fundamentos teóricos y abordajes empíricos," financed by the Universidad Católica de Córdoba (2019–2023); and "Praxis, experimentalismo, aprendizaje y democracia: hacia una reevaluación de la filosofía de la educación contemporánea," PICT 2020 serie A 01539 financed by the Fondo para la Investigación Científica y Tecnológica (FONCyT). Both projects were under the direction of C. M. Viale.undoubtedly, art as experience1 is one of the most important texts by John Dewey, as well as his most systematic approach to aesthetics.2 This book usually appears in the literature as an almost mandatory reading for interpreters of classical pragmatism, and it is praised as an ineludible reference for those interested in aesthetics from a pragmatic point of view. However, this justified centrality tends to invisibilize two important veins of Dewey's thought: the vital role of his fragmentary or piecemeal approach to aesthetics, on one hand, and the relevance of his educational conceptions in relation to aesthetics, on the other.Going beyond the centrality of Art as Experience toward a comprehensive and contemporary view of Dewey's aesthetics entails looking upon three elements of his thought: Firstly, Dewey's works—some of them considered minor and some implicit or sporadic references in canonical texts—depicting the links between education and aesthetics in his philosophy as well as texts that belong to his fragmentary approach to aesthetics. Secondly, his systematic development of aesthetics, mainly in Art as Experience, where Dewey presents his conceptions at length. Thirdly, what we could call a re-evaluated aesthetics, which consists in a contemporary attempt to integrate diverse aspects of his philosophy, trying to overcome some weaknesses in his theoretical developments, especially regarding his dealing with the links between education and [End Page 1] aesthetics. It is necessary to remark that these links were neither adequately addressed by Dewey nor exhaustively examined by the literature, as far as we know. We hold that it is crucial to make them critically explicit, in order to get fruitful contemporary approaches not only to Dewey's aesthetics but also to his pedagogy and philosophy of education.Thus, the core question of this article is the following: How should the educational root of Dewey's aesthetics have worked? Or, more precisely, how should he have explicitly or meticulously conceived aesthetics in relation to his educational developments? We think that two neglected roots of Dewey's writings related to aesthetics can help us to re-evaluate it: what we call its fragmentary approach and Albert C. Barnes's role in it, on one hand, and a coherent articulation among occupation, art teaching, and the overcoming of the distinction between vocational and humanistic education, on the other.To carry out our task, we have divided this article into three parts. In the first (The Genesis of Dewey's Aesthetics: A Re-interpretation), we argue how to interpret the emergence of Dewey's aesthetics. In the second (Dewey and Education: Central Issues), we present the key aspects of this topic related to our purposes. In the third section (Two Neglected Roots of Dewey's Aesthetics), we develop our argument by describing how to recover these sources, and also by showing how Dewey's aesthetics could be critically re-evaluated or reconstructed from a contemporary viewpoint. Finally, we put forward a conclusion.The Genesis of Dewey's Aesthetics: A Re-interpretationIt is well-known that Dewey's aesthetics is usually equated with Art as Experience. This is part of the canonical interpretations that tend to conceive Dewey's philosophy in, using his term, grooves (LW 2:113). Democracy and Education... (shrink)

En esta era digital contemporánea, la constante creación y consumo de arte e imágenes visuales se ha vuelto predominante. Sin embargo, sigue existiendo la necesidad imperante de alfabetización visual. Esta investigación explora el impacto positivo de la educación artística en la vida de los estudiantes y aborda las desigualdades en la oferta de clases de arte en España y Estados Unidos. También enfatiza el rol fundamental de la integración de las artes de manera interdisciplinaria y transversal, instando a (...) los encargados de formular políticas educativas a priorizar la educación artística mejorando la legislación educativa y la asignación de recursos. El artículo examina las dificultades para garantizar el acceso equitativo a la educación artística y señala las oportunidades que se pierden cuando las habilidades de alfabetización visual no se desarrollan. Los resultados indican la necesidad de incorporar el arte en el plan de estudios de todas las asignaturas y así promover las habilidades de alfabetización visual. El artículo concluye ofreciendo sugerencias para integrar el arte en las clases obligatorias y promoviendo una educación artística equitativa en las escuelas. Esta investigación contribuye al discurso vigente sobre el potencial transformador de la educación artística en el panorama digital actual. (shrink)

Este artigo objetiva apresentar as interpretações de Arthur Danto e Gianni Vattimo sobre a questão “fim da arte”, introduzida por Hegel em seus Cursos de Estética. Segundo Danto há, no presente, uma transformação radical nas condições de produção das artes. As definições da arte não podem mais se fundamentar na inspeção direta das obras, exigindo uma mudança na forma de se refletir sobre a arte. O “vazio” das definições de arte no momento em que “tudo é (...) permitido” traz a questão do “fim da arte”. Ora, para Danto, o “fim da arte” não significa o fim das produções artísticas na contemporaneidade, mas o fim das narrativas mestras. É um meio de se mostrar que as narrativas que definiram a arte tradicional chegaram a um fim e que a arte contemporânea não mais permite uma representação por narrativas. Vattimo, discorre, em consonância com Danto, acerca das transformações da arte e das insuficiências da Estética tradicional na contemporaneidade. Contudo, Vattimo destaca a incapacidade da Estética em compreender os mass media e suas possibilidades positivas. Para Vattimo, a reprodutibilidade técnica e a massificação são inconciliáveis com as definições tradicionais da Estética. Assim, a reflexão vattimiana busca apreender o sentido do estético na sociedade dos mass media, remetendo-se à questão do “fim da arte” em um sentido “pervertido” como generalização da esfera dos meios de comunicação. (shrink)

Desde que Hegel declarara el arte como “cosa del pasado”, diversas posturas han discutido sus posibilidades de existencia y ocaso, mientras el arte mismo se ha visto en la incomodidad de la indefinición de sus condiciones ontológicas y de sus espacios de circulación. Esa indefinición, no obstante, permitió que ciertas operaciones y modos de hacer artísticos se desplazaran hacia escenarios abiertos y no institucionales. Una vez trazada una ruta hermenéutica desde la estética hegeliana hasta la actualidad, a partir (...) de modelos de análisis como los Estudios visuales, la teoría de Boris Groys o Nicolas Bourriaud, o el sistema modal de Jordi Claramonte, es posible pensar las condiciones de posibilidad actuales del arte en la medida de sus entrecruzamientos y del desplazamiento de su objeto desde la creación hacia la circulación. Sin que haya desaparecido la plataforma de legitimación institucional, las variaciones en las que se despliegan los códigos artísticos en la cultura visual contemporánea desestiman la posibilidad de reclamarse como obras de arte, y se limitan a hacer un uso táctico de formas de relación y producción. De ahí que la demarcación de los escenarios de supervivencia del arte pueda resumirse en el traslado de la categoría arte, como sustantivo, hacia la movilidad versátil del adjetivo artístico. (shrink)

As considerações de Schopenhauer acerca das diversas expressões artísticas afirmam a superioridade da música instrumental. Conforme a arte abstrata ganha destaque na cena contemporânea, alguns intérpretes do filósofo propuseram a relação entre a pintura abstrata e a música, uma vez que ambas operam de forma não-figurativa. Este artigo procura encontrar uma interseção entre a música instrumental (e, consequentemente, segundo esses intérpretes, também a pintura abstrata) e outras formas de arte, com a inclusão do figurativismo, segundo a própria (...) metafísica do belo e a teoria de Thomas Weiskel acerca do conceito de sublime. (shrink)