Resumen Este artículo ofrece una lectura de la pintura renacentista según los principios establecidos por Leon Battista Alberti, uno de los primeros teóricos de la perspectiva en cuyo Tratado de pintura se refiere al cuadro como “una ventana abierta a la historia”. El concepto de historia empleado por Alberti, que se presta a numerosas interpretaciones, es abordado a partir de las reflexiones de Erwin Panofsky en torno a la perspectiva como “forma simbólica”, avanzando hacia una hipótesis en torno al carácter (...) simbólico de la configuración y representación del tiempo en el cuadro-ventana albertiano.This paper offers a reading of the renaissance painting according to the principles established by Leon Battista Alberti, one of the first theorists of perspective in painting which Trattato della pittura define the frame of the painting as “an open window into history”. The concept of history employed by Alberti, which lends itself to many interpretations, is approached from the reflections of Erwin Panofsky about the prospect as “symbolic form”, moving towards a hypothesis about the symbolic nature of the configuration and representation of time in the alberti’s window. (shrink)

En el presente artículo el autor se encara con la célebre y muy diversamente interpretada tesis de Hegel en torno al fin del arte como modo supremo de captar la verdad o el espíritu. En esta confrontación, el autor intenta penetrar el sentido que tiene la modernidad, y no sólo el arte moderno, en el contexto de la filosofía hegeliana del arte. En la dilucidación de tal sentido, el autor gana una valoración decisiva del concepto hegeliano de “subjetividad”, como concepto (...) fundacional e identificador de la modernidad. Sitúa en esta concepción el horizonte especulativo desde el cual la idea del fin del arte, lejos de ser la proclamación de su muerte, se auto presenta como momento inmanente en la realización de la subjetividad libre y espiritualizada. El fin del arte sería, así. el comienzo de la historia de la libertad humana, el comienzo de la existencia humana propiamente dicha. (shrink)

La contemporaneidad es facticidad sin sentido, un “espacio de crisis” donde al “ocultamiento de Dios” (teología) le corresponde “la imposibilidad del Absoluto” (filosofía), y a ambos les son correlativas la imposición de un “universo infinito e inestable” (ciencia) y la consecuente pérdida de significancia (semiótica) que implican el vacío y las ausencias. Esa contemporaneidad es asimismo preludio que inaugura la emergencia hegemónica de la efectividad (tecnología), al costo de una debacle espiritual que tiene consecuencias trágicas para la vida y (...) la convivencia humanas. El agotamiento de las dimensiones imaginarias o no de ese universo, determinadas por las repeticiones inexorables de su geografía máxima y mínima, o la imposibilidad de progresar “más allá de la inmanencia” que reitera los recorridos reales y virtuales por la materia, proyecta nefastos efectos desexistenciarios sobre una humanidad que se hunde en la facticidad sin sentido y pervierte cualquier posibilidad de conocimiento, valor y virtud. La emergencia de novedosas modalidades de subjetividad, que atentan contra la existencia colectiva de comunidades, culturas y modos de vida, tienen directa relación con originales formas de reproducción del capital (economía) y modos traumáticos para realizar el prometeico sueño de producción de poder privado (política). También influye de manera decisiva la vigencia de un sistema de poder tecnocrático que sustituye “lo real” por virtualidades e impone una “convivencia” determinada por flujos digitales efímeros e inconsistentes. Esta obra demuestra que tales cuestiones económicas o políticas, científicas o técnicas, lejos de ser contradictorias con un tratamiento teológico o filosófico de la realidad, dependen de la previa respuesta de éste a los problemas elementales que la ciencia y la tecnología deben tener por resueltos antes de aplicar sus progresos por más elocuentes que estos pudieran parecer. Y tal demostración, en el presente texto, no gira en el vacío sino que perdura fundamentada en un recorrido ejemplificador a través de las diversas culturas “occidentales” que han predominado, primero en la misión de “ordenar a la Humanidad” en el tiempo y el espacio, para luego desatar la tragedia que signa un porvenir de convulsiones y pérdidas. Un “mundo” llega a su fin y las formas y elementos que lo sostenían se degradan fungiendo una transición hacia nuevas dimensiones de un “futuro” donde el hombre será un mendigo de lo inexorable. Sólo la conciencia plena del colapso y las causas que lo generan puede abrir una herida en ese futuro a favor del ser humano, evitando la pérdida de su condición de persona y de las virtudes propias que pueden salvarlo. (shrink)

Uno de los puntos de mayor interés del pensamiento estético de Hegel procede de sus Lecciones de estética, y es aquel que afirma y tematiza el fin del arte. Para entender el sentido y el alcance de esta idea, presentamos en este trabajo el modo como Hegel trata el problema del arte dentro de su filosofía especulativa y en especial en sus Lecciones de Estética. Por medio de este proceso de contextualización rastreamos finalmente las distintas interpretaciones que se han producido (...) en nuestros días acerca de la provocativa tesis del fin del arte y dejamos planteada también la cuestión del lugar que ocupa o puede ocupar el arte después del mencionado fin del arte. (shrink)

El contenido de este artículo consiste en mostrar que la experiencia estética es la esencia de la experiencia de la obra de arte. Argumentaré en contra de la concepción del arte de Arthur C. Danto según la cual el arte moderno ya no requiere de la experiencia estética y este hecho determina el fin del arte. La experiencia estética permitiría dar cuenta del arte desde el Renacimiento hasta el siglo XIX pero el arte moderno del siglo XX solo puede ser (...) explicado conceptualmente y, por tanto, la filosofía del arte es necesaria para explicitar ese contenido.Para defender el estatuto estético de la obra de arte mostraré que la experiencia estética se identifica con la experiencia fenomenológica. Esto quiere decir que la experiencia estética nos hace concientes de la diferencia entre el contenido de la obra y el medio de la experiencia sensible en el que este contenido se da. El “aparecer” y “lo que aparece” se corresponden en la experiencia estética con los dos polos de la relación intencional y constituyen los dos estratos fundamentales de la obra de arte. A través de la aproximación fenomenológica intentaré mostrar que la obra de arte no excluye el contenido conceptual, pero este contenido ha de estar necesariamente incorporado. No es la filosofía la que tiene que comprender este contenido sino exclusivamente la experiencia estética.The subject of this paper is to claim that the aesthetic experience is the essence of the experience of the work of art. I argue against the view hold by Arthur C. Danto, according to which modern art does not require the aesthetic experience any more and that this fact means the end of art. The aesthetic experience allows explaining only the art made be-tween the Renaissance and the XIX century. The modern work of art of the XX century can only be explained conceptually and therefore a philosophy of art is required to make that content explicit and clear.To defend the aesthetic status of the work of art I will show that the aesthetic experience identifies itself with the phenomenological ex-perience. This means that the aesthetic experience makes us aware of the difference between the content of the work and the sensible lived experience in which this content appears. The “appearance” and “what appears” are the two poles of Intentionality and the two fundamental layers of the work of art. Through the phenomenological approach I will make clear that the work of art does not exclude the conceptual content at all. This content has to be necessarily embodied. It is not philosophy that has to disclose this con-tent but the aesthetic experience alone. (shrink)

Ambas posiciones son filosóficas y no sólo historiográficas: en Hegel, para comprender el arte en la modernidad; en Danto, en la posmodernidad. El "fin del arte" no significa para Hegel el acabamiento, sino un cambio fundamental de función dentro de las figuras de la verdad que el arte en la época moderna tiene que compartir con la religión y la filosofia. La forma absoluta de representar la verdad, forma clásica, cede a la forma romántica. El "fin del arte" en Danto (...) significa el ingreso del arte a la época poshistórica puesto que la historia del arte dejó de ser la necesidad interna de renovación permanente, y a la posfilosófica pues la reflexión ha convertido el arte en una praxis cognitiva de sí mismo que lo ha hecho equiparable a la filosofía. (shrink)

Danto inicia su filosofía de la historia del arte con un núcleo problemático que inaugura el modernismo: una obra de arte llega a ser indiscernible de una mera cosa, en la medida en que es el resultado lógico de la narrativa de un cierto periodo. Hablar sobre el fin del arte es hablar de las razones que sustentan esa narración y de la posibilidad de su culminación. Se propone una crítica, a partir de la relación entre esencialismo, historicismo y pluralismo, (...) para examinar su controversial tesis sobre la clausura histórica del arte por agotamiento de su impulso cognitivo. (shrink)

El universo literario de hoy, territorio conquistado a las burocracias de Estado y a sus academias, no se configura hasta el siglo XIX. Nadie se encuentra ya en situacin de decidir taxativamente lo que debe escribirse y cules son los cnones del buen gusto: los escritores, los crticos y los editores libran la batalla del reconocimiento y la consagracin.El proyecto esttico de Flaubert cuaja en el momento en que la conquista de la autonoma ingresa en su fase crtica. As, a (...) travs de la descripcin de la gnesis y estructura del campo literario, Pierre Bourdieu demuestra en primer lugar en qu medida la obra de Flaubert est en deuda con la constitucin del campo, del espacio de las posiciones y de las tomas de posicin de las diversas corrientes, movimientos, escuelas y autores de la poca: en otras palabras, cmo el Flaubert escritor se produce precisamente por lo que contribuye a producir.Aplicando las reglas del arte al da de hoy - esa lgica a la que obedecen escritores e instituciones literarias y que se expresa en forma sublimada en las obras -, Pierre Bourdieu hace volar en pedazos el espejismo del genio todopoderoso del creador y, al mismo tiempo, sienta los cimientos de una ciencia de las obras, cuyo objeto sera no slo la produccin material de la obra misma sino tambin la produccin de su valor. Sin embargo, en lugar de aplastar al creador bajo el peso de los determinantes sociales que pesan sobre l y reducir as la obra al medio que la vio nacer, la extraordinaria contundencia del anlisis desarrollado en este texto permite comprender por fin la tarea especfica que el artista (y especialmente el escritor) debe llevar a cabo - en contra y gracias a esos determinantes sociales - para llegar aproducirse como creador, es decir, sujeto de su propia creacin.Un gran libro, que compart. (shrink)

Con el advenimiento del nuevo milenio, las históricas relaciones entre arte y naturaleza siguen más vivas que nunca. La noción de naturaleza se encuentra atravesada por múltiples vectores que llevan los límites de aquello que consideramos «natural» más allá de sus fronteras tradicionales. Y, por otro lado, la naturaleza se ha convertido en el ámbito de trabajo de muchas tendencias artísticas contemporáneas. De la mano de diez autores, esta publicación aborda las dimensiones simbólicas y políticas de las prácticas artísticas que (...) parten de la naturaleza con la voluntad de transformar la realidad, y que tienen como objetivo potenciar un espacio de diálogo y generar un debate y un pensamiento crítico. Desde campos de investigación aparentemente distantes, cada capítulo ofrece un punto de vista diferente para repensar la relación entre arte, naturaleza y política. (shrink)

El artículo se ocupa de las circunstancias peculiares que identifican el arte colombiano después del arte moderno. Para esto resulta de gran importancia la discusión alrededor del problema del "fin del arte" y su relación con la modernidad, pues es necesario hacer una reflexión filosófica a propósito de la idea del fin del arte para comprender los lineamientos del arte moderno, cuyas concepciones del arte, del artista, del contenido y de la forma, son una de las consecuencias históricas de los (...) planteamientos hegelianos delineados en sus Lecciones de Estética. Así se sitúa la pregunta por las características que identifican el arte colombiano después de la modernidad dentro de una realidad históricamente configurada, cuyos rasgos internos son consecuencia de la discusión generada alrededor de los planteamientos sobre elfin del arte. (shrink)

El debate sobre el fin del arte o del arte en el fin del siglo, pasa por las contradicciones de una modernidad impregnada aún de componentes premodemos, lo cual ha desembocado en un desordenamiento cultural que se revela en la composición híbrida de la sociedad, así como en el intento de entender cómo se constituyeron las diferencias sociales y los elementos de inclusión y exclusión que distinguen lo culto de lo popular y a ambos de lo masivo. Este desordenamiento cultural (...) se manifiestó por medio de la relación cada vez más estrecha de los modos de simbolización y de ritualización del lazo social con la red comunicacional y el flujo audiovisual. (shrink)

La posmodernidad es una tendencia emergente a lo largo del siglo XX, un proceso general de la cultura occidental que fue aglutinando síntomas contrapuestos, y que acabó por dominar la escena filosófico-cultural a medida que avanzaba el siglo. En la época de la multiplicación de los discursos y del triunfo universal del mercado, y tras la pérdida posmoderna de los horizontes totalizantes de la civilización, se impone cartografiar de nuevo nuestra comprensión de la realidad. Índice: Prólogo de Miguel Morey.- Introducción.- (...) Notas para una genealogía de la posmodernidad.- De la crítica de la alienación a la fragmentación de la subjetividad.- Últimas tribulaciones (¿la decadencia de la posmodernidad?).- Cronología filosófica del siglo posmoderno.- Bibliografía. (shrink)

Los ensayos recogidos en el presente volumen reflexionan sobre el valor del arte desde diferentes perspectivas. En primer lugar, se interrogan sobre la existencia de un valor específico del trabajo artístico y las obras de arte. En particular, algunos textos abordan la cuestión central del valor estético y de su conexión con la interpretación, la apreciación y el juicio de las obras de arte. En segundo lugar, ocupa un espacio central del libro el análisis de la relación entre el (...) estético y otros valores que apreciamos en las obras de arte, como el valor documental, el histórico, el epistémico o el moral. Por último, la literatura, el cine o las artes plásticas son analizados desde el punto de vista del modo particular de dar sentido y articular en cada caso una concepción valiosa del mundo. (shrink)

El objetivo del presente documento es analizar las ideas de espacio y tiempo en Hume y mostrar la peculiaridad de dichas ideas, puesto que no provienen de la experiencia y, por el contrario, son necesarias para ella. Para ello analizaré los argumentos que presentó Hume al abordar dichas ideas, con el fin de iluminar y proporcionar una comprensión diferente a la tradicional lectura que se hace de las nociones de espacio y tiempo de Hume, la cual está inmersa (...) por la postura newtoniana del espacio y el tiempo. Sin embargo, esta tarea no se puede realizar de manera aislada a las investigaciones de su tiempo sobre estas nociones, ni tampoco aislarla del sistema del que hace parte, es decir el sistema epistemológico humeano. Así, el primer paso será abordar a grandes rasgos las principales posturas de la época sobre este tema y, en segundo lugar, abordaré el problema en torno a las ideas de espacio y tiempo en Hume, que dividiré en dos partes: la lectura fuerte que se hace sobre estos temas; es decir, la lectura tradicional y la lectura débil que es la que propone Kemp Smith y es sobre la que sustentaré mi tesis: las ideas de espacio y tiempo en Hume son a priori. (shrink)

Resumen: El presente artículo analiza el problema de la afectividad en la concepción de la Fenomenología de la vida del filósofo francés Michel Henry, quien la concibe como fundamento de la subjetividad y esencia de la manifestación. Henry realiza un análisis de la obra del pintor Vasily Kandinsky, y muestra cómo la pintura abstracta, no figurativa, logra expresar en los colores y formas aquello invisible que es la esencia de la pintura y que coincide a su vez con la Vida. (...) La concepción de abstracción elaborada por Kandinsky refiere al contenido invisible e interior, que se expresa a través de colores y formas, pero que es la vida misma en su pathos subjetivo fundamental. De este modo, según Henry, el arte se transformaría en único lenguaje para expresar la radicalidad de la vida afectiva, porque no representa nada exterior o extraño, su contenido es la vida misma.: The present article analyzes the problem of affectivity in French philosopher Michel Henry's conception of Phenomenology of life, conceived of as the foundation of the subjectivity and the essence of the manifestation. Henry analyzes the work of the painter Vasily Kandinsky, showing how abstract and non-figurative painting expresses in colors and forms something invisible, which is the essence of the painting and coincides with the Life. Kandinsky's conception of abstraction refers to the invisible and the inner content, which expresses itself through colors and forms, being the life itself in its fundamental subjective pathos. In this way, the art becomes the only language capable to express the radicality of the affective life, because it does not represent anything exterior or foreign, being its content the life itself. (shrink)

Resumen: Presentamos una recuperación del espíritu humanista en la corriente estética del arte de medios de las ciberculturas. Para mostrar el giro cultural hacia el neorrenacimiento, hacemos un recorrido por los conceptos que fundan el humanismo clásico y que aproximan el arte contemporáneo a la racionalidad tecnológica y mediática. Este artículo revisa el encuentro del hombre consigo mismo, las subjetividades del arte y la expresión en el paradigma de las nuevas tecnologías, la ciencia y la creatividad, así como la renovación (...) de una emergente epistemología visual que desplaza la concepción moderna de obra de arte, de la figura del artista y del lugar del espectador.: We present a recovery of the humanistic spirit in the current aesthetics of the media art in the cybercultures. To show the cultural shift towards Neo-Renaissance, we tour the concepts underlying the classical humanism and contemporary art closer to technologic and mediatic rationality. This article reviews the meeting of man with himself, the subjectivities of the Art and the expression in the paradigm of new technologies, science and creativity, as well as the renewal of an emerging visual epistemology that moves the modern concept of the work of art, the figure of the artist and the place of the viewer. (shrink)

Este artículo presenta una reflexión sobre el lugar y la pertinencia de la filosofía del arte en un mundo del arte en el cual cualquier cosa puede ser una obra de arte, a partir de la propuesta teórica de Arthur Danto. Si la filosofía aún tiene algo que decir sobre el arte, sería desde una posición que reconozca la centralidad de la práctica artística sin delimitarla. La apertura en el arte no puede ser un motivo de negación o juicio, sino (...) un incentivo al pensamiento. Sin embargo, según Danto, ello exige aceptar puntos de partida y consecuencias que modifican la relación entre arte y filosofía. (shrink)

Este artículo es un estudio crítico de dos operaciones fundamentales del Museo de Arte actual: su facultad de taxonomización de lo real y su complicidad con la categoría de Patrimonio. En la formulación contemporánea del Museo de Arte, este trabajo discute los alcances y efectos de la taxonomía como intento de producción de un régimen unitario y continuo de legibilidad e instalación de los objetos, así como la investidura de los objetos como Patrimonio, y en virtud de su posibilidad de (...) experiencia, al modo de “documento-archivo” o “simulacro”. (shrink)

Se aborda la historia reciente de Ecuador centrando la mirada en la figura del expresidente León Febres-Cordero, a partir de dos proyectos realizados con las y los estudiantes de la Escuela de Cine de la Universidad de las Artes del Ecuador. En Delirar el archivo se parte de la fórmula deleuziana «escribir es una forma de delirar» con el fin de releer las imágenes del pasado guayaquileño. En Remontar la historia, igualmente, se utiliza una metodología crítico-creativa para resignificar los archivos (...) visuales del diario El Telégrafo por medio de recontextualizaciones en el espacio público. El análisis de estas piezas audiovisuales permitió la configuración de una tipología de imágenes (imagen-borramiento, imagen-mimética, imagen-entreverada, imagen-arquitectura e imagen-escultura) y una serie de principios sobre el uso de los archivos: de apertura, de intertextualidad, de multiplicidad, de reflexividad y de memoria. (shrink)

Desde una perspectiva posfundacional, la política no puede reducirse a una región de lo social, ya que lo político, como momento de activación, es ubicuo, desterritorializado y emerge de forma contingente. Esto abre las puertas a percibir el surgimiento de lo político en cualquier espacio, independientemente de si permanece o no dentro del terreno institucional de la política. Chantal Mouffe ha desarrollado en algunos de sus escritos la relación entre arte y política desde esta perspectiva, cuestión que suele pasar (...) inadvertida pero que resulta de vital interés para el campo de los estudios sociales del arte. Asimismo, su propuesta de arte político se ubica en la antítesis de muchos trabajos y análisis de casos que, desde las ciencias sociales y estudios del arte, han abordado la politicidad del arte centrados en una relación directa entre la producción artística y la temática a la que refiere la obra. En este sentido, sostenemos que la politicidad no se reduce a la temática de las prácticas artísticas sino que tiene relación con el sujeto productor, el modo de producción de la obra (individual o colectivo) y de intervención; producción en lo social, especialmente en el espacio. Estas cuestiones, como ya veremos, aparecen desarrolladas de manera muy interesante en algunos escritos de Chantal Mouffe. De este modo, en este artículo, a la par que nos proponemos presentar su propuesta de análisis para las prácticas artísticas, produciremos reflexiones y análisis de diversas producciones artísticas, con el fin de mostrar tanto la utilidad de la teoría resituada en estas latitudes como sus flaquezas. (shrink)

Cartografias da ingovernabilidade dos corpos na arte e na vida Resumo: Sofremos uma crescente governamentalização dos corpos e das condutas ao longo do mundo moderno e contemporâneo. Essa foi uma das expressivas contribuições do pensamento do filósofo francês Michel Foucault. No entanto, tal governamentalização não adveio sem contrapartida. Trata-se, em todo caso, de um empreendimento sistemático de investimento pelo poder e de redução dos corpos à sua dimensão extensiva, utilitária, funcional e orgânica, numa palavra, instrumental. Uma pletora de práticas foi (...) criada em vários campos – saúde, educação, trabalho, lazer, esporte, etc. – com este fim. No entanto, por mais incontornável que seja, os corpos não se deixam reduzir a um estado de coisa, a sua extensão, em resumo, a sua reificação. Este trabalho visa circunscrever esta problemática, para os fins de explorar o tema que concerne a relação entre os corpos, a cultura e o papel da arte como cartografia intensiva, sob o signo da ingovernabilidade. Palavras-chave: cartografias, ingovernabilidade, corpo, arte, filosofia. Cartographies of the ungovernability of bodies in art and life: We have suffered a growing governmentalization of the bodies and behaviors throughout the modern and contemporary world. This was one of the expressive contributions of the French philosopher Michel Foucault’s thought. However, such governmentalization has not come without a counterpart. In any case, it is a systematic undertaking of investment by the power and of reduction of the bodies to their extensive, utilitarian, functional and organic dimension to a word, instrumental. A plethora of practices has been created in various fields - health, education, work, leisure, sports, etc. - to this end. However, bodies are not reduced to a state of affairs, to their extension, in short, to their reification, as unavoidable as it might be. This work aims to circumscribe this problem, in order to explore the theme that concerns the relationship among the bodies, the culture and the role of the art as an intensive cartography, under the sign of ungovernability. Keywords: cartography, ungovernability, body, art, philosophy. Cartografias de la ingobernabilidad de los cuerpos en el arte y la vida Resumen: Sufrimos una creciente gubernamentalización de los cuerpos y el comportamiento en todo el mundo moderno y contemporáneo. Esta fue una de las contribuciones expresivas del pensamiento del filósofo francés Michel Foucault. Sin embargo, tal gubernamentalización no se produjo sin una contraparte. En cualquier caso, es una empresa sistemática de inversión por poder y la reducción de los cuerpos a su dimensión extensiva, utilitaria, funcional y orgánica, en una palabra, instrumental. Se han creado una gran cantidad de prácticas en diversos campos: salud, educación, trabajo, ocio, deportes, etc. - con este fin. Sin embargo, por inevitable que sea, los cuerpos no se reducen a un estado de cosas, su extensión, en resumen, su reificación. Este trabajo tiene como objetivo circunscribir este problema, a fin de explorar el tema que concierne a la relación entre los cuerpos, la cultura y el papel del arte como cartografía intensiva, bajo el signo de ingobernabilidad. Palabras clave: cartografía, ingobernabilidad, cuerpo, arte, filosofía Data de registro:16/06/2020 Data de aceite: 22/07/2020. (shrink)

"Desartización", es el término acuñado por T.W. Adorno a fines de los años 50 para referirse al proceso dialéctico por el que el arte va perdiendo progresivamente sus cualidades y rasgos tradicionales -la autonomía que mantuvo desde Diderot a Kant, Schiller y Hegel- para convertirse en otra cosa: en producto de la industria cultural, en víctima de las fuerzas ideológicas que dominan la sociedad administrada y en mera mercancía, es decir, en un producto cosificado que deja de ser un modo (...) esencial de pensar el mundo. El autor entiende el "arte sin fin" como arte sin finalidad, objeto o función, en oposición a las doctrinas ilustradas y románticas, e intenta dar una explicación de la lógica conceptual que rige su planteamiento y su conexión con la evolución cultural. (shrink)

Resumen: Este artículo estudia el poder de la visualidad en la política. Entre aquello que está permitido ver y aquello que está prohibido mostrar, el régimen escópico se define por la intervención del poder institucional respecto de la mirada del espectador. Este estudio se desarrolla entre la tradición filosófica y otras aportaciones multidisciplinares (estudios visuales, comunicación social, estética, historia del arte, teoría del arte) que evidencian a) el control político en los regímenes escópicos de la mirada del espectador; b) la (...) consolidación de una cultura visual que condiciona el modo de vida de los individuos y las sociedades; c) el dominio del espacio social por medio de la regulación del espacio visual; y d) la manipulación de los afectos por medio de la experiencia visual. En este estudio destacamos la apertura de la consciencia crítica en la modernidad a la estetización de la política. Abstract: This article studies the power of visual aesthetics in politics. Between what is allowed to see and what is forbidden to show, the scopic regime is defined by the intervention of institutional power on the viewer's gaze. This study is developed between the philosophical tradition and other multidisciplinary contributions (visual studies, social communication, aesthetics, art history, art theory) that show a) political control in the scopic regimes of the viewer's gaze; b) the consolidation of a visual culture that conditions the way of life of individuals and societies; c) the domain of social space through the regulation of visual space; and d) the manipulation of affects through visual experience. In this study we highlight the opening of critical consciousness in modernity to the aestheticization of politics. (shrink)

En este trabajo se pretende abordar la historia del arte según Arthur Danto, partiremos de la distinción entre los tres distintos periodos históricos que postula, el primero de ellos lo ubicaré bajo el nombre del Periodo Prehistórico del arte, el segundo como el Periodo Histórico y finalmente el periodo Posthistórico. Cada uno será explicado de manera tal que no exista ambigüedad entre ellos, todo esto con la finalidad de esclarecer aún más la concepción que tiene Danto sobre la historia del (...) arte y poder abordar en el tercer capítulo lo que nos atañe con respecto a su tesis sobre el fin del arte. Se podrá realizar un contraste entre lo propuesto por Shinner frente Danto y resaltar la pertinencia del segundo autor partiendo del periodo Posthistórico como el que define lo acontecido en el arte contemporáneo y el fin del arte. Shinner es capaz de tejer históricamente lo que acontece con el concepto arte y sus problemáticas hasta su configuración moderna de bellas artes, después, continúa relatando sin añadir la problemática con respecto a las producciones del siglo XIX y XX, sólo nos dice que cambian las producciones, más no que el concepto lo hace con ellas. Por lo tanto, se ve la necesidad de explicar el cambio en el concepto, recurriendo a la crítica de Danto y la propuesta de un nuevo concepto capaz de incluir en su definición todo lo es una obra de arte y lo que esté en posibilidad de ser una. Lo que está en posibilidad habita en el reino prehistórico y posthistórico del arte. (shrink)

Este trabajo indaga el posicionamiento que tiene realmente el escritor con respecto a su propia realidad. Para demostrar esa premisa, adopto como referente indispensable a Mario Vargas Llosa. Él se manifiesta críticamente desde el “entre medio”, concepto sociológico desarrollado por el teórico poscolonial Homi Bhabha, que alude a la postura globalizadora y preferencial, asumida por condicionamientos a factores económicos, mercantiles, coloniales y hegemónicos. Al prevalecer esta variante, resulta cuestionable el valor fidedigno que se le otorga al arte, ya que no (...) necesariamente corresponde con la cultura ni está orientada a consolidar una nación o una biografía nacional, tal como la comprende Antonio Gramsci en Cuadernos de la cárcel. Por consiguiente, las novelas como La ciudad y los perros, Conversación en La Catedral o El sueño del Celta expresan una crítica al sistema, pero su enfoque se adaptará convencionalmente a un contexto coetáneo y una situación oportuna. (shrink)

El Romanticismo hizo aportes fundamentales en la teoría de la pintura: por un lado centró la atención en su visualidad como arle de la apariencia y su idealización: por el otro, la coaccionó con el significado, poniéndola al servicio de la religión y el poder, estimuló el goce y la crítica del arte, pero los condenó también en favor de una actitud reverencial ante él. La pintura de los Nazarenos representa la intención romántica de una nueva pintura cristiana, alemana y (...) patriótica que habría de reorientar el espíritu de la época. Hegel se opuso radicalmente a este proyecto: su tesis del fin del arte no tiene sólo una explicación sistemática, sino que responde igualmente a un debate histórico concreto. El artículo aborda las posiciones de Wackenroder, August y Friedrich Schlegel, y Overbeck. (shrink)

Dos eventos, aparentemente distantes uno del otro y sin vínculos directos entre ellos, pero sin embargo estrictamente relacionados por un legado espiritual común, constituyen el tema de este trabajo. El primero, tuvo lugar en 1971, cuando una «capilla ecuménica» muy especial abrió sus puertas al público. Es conocida bajo el nombre de «Rothko Chapel», debido al proyecto general, realizado por el pintor Mark Rothko. Desde entonces, se ha convertido en una de las obras de arte más valiosas que representan la (...) estética religiosa contemporánea. Las pinturas negras de Rothko, la planta del edificio de «cruz griega» diseñado por el arquitecto Philip Johnson, el obelisco del artista Barnett Newman y la música compuesta para este ambiente por el compositor Morton Feldman, han reemplazado lo que tradicionalmente ha sido llamado «imago templi»; pero, contrariamente a toda tradición cristiana, representan nada (literalmente: no-thing). El segundo evento, tuvo lugar en 1795, cuando dos jóvenes amigos, Hegel y Schelling, estaban haciendo una especie de juramento bajo el signo de una Iglesia Invisible, actualizando un concepto ambiguo que, incluso arraigándose en las Sagradas Escrituras, ya había sido condenado por las iglesias oficiales por sus consecuencias heréticas. La relación entre estos dos eventos está dada por historiadores del arte moderno que han establecido que la pintura abstracta, desde un punto de vista formal, tiene sus raíces en la tradición romántica. Con este trabajo me gustaría contribuir al establecimiento de esta conexión, no solo por medios formales, sino también mostrando una actitud espiritual común hacia las imágenes. El cristianismo, esencialmente figurativo en su estética religiosa, siempre ha tenido que lidiar con la prohibición judía de la creación de imágenes. Esta dificultad ha sido trasferida a los debates contemporáneos en los que artistas con lecturas y educación clásicas, a menudo de origen judío pero activos en sociedades cristianas, intentan crear un nuevo tipo de arte, fuera de toda tradición y sin dogmas. Según mi sugerencia, Rothko Chapel debería considerarse como la realización de un equilibrio frágil en el que tanto el «aniconismo» como la «necesidad de imágenes» han superado su mutua unilateralidad, produciendo una etapa espiritual más elevada. Por lo tanto, tal capilla no sería un simple espacio donde todas las religiones podrían solo reunirse y dialogar, pero debería considerarse algo más sorprendente, es decir, una realización única de lo que lógicamente aparece como una pura contradicción: la realización de un Imago Templi para una Iglesia Invisible.Key words: Rothko; Hegel; Arte Abstracto; Idealismo; Iglesia Invisible. (shrink)

El presente trabajo busca reflexionar, desde la perspectiva de los estudios interartísticos, sobre la práctica narrativa de Adolfo Couve, escritor y pintor chileno que tematiza el mundo plástico en toda su producción narrativa. A partir de una concepción desprejuiciada respecto de lo marginal, de la fealdad y la miseria, el autor despliega una mirada alterna sobre los espacios de borde en busca de la reivindicación de la miseria, a la vez que relativizar el canon estético que prestigia temas y motivos (...) lejanos al campo de referencia de quienes habitan el borde. La exhibición de aquellos espacios, los personajes y los paisajes minoritarios, su composición plástica y narrativa, sin embargo, dialogan permanentemente con la tradición pictórica de elite. (shrink)

A partir de la revisión de bibliografía especializada y del análisis crítico-constructivo del trabajo de Dow (2013) que examina los anacronismos existentes en la recreación digital de la ciudad de Florencia en el videojuego Assassin’s Creed II (2009), el presente trabajo explora la capacidad que tienen este tipo de videojuegos para reconstruir la ambientación de un período histórico concreto a partir del uso de anacronismos derivados de licencias creativas y de las necesidades artísticas propias del videojuego. Los resultados demuestran que (...) el anacronismo es una herramienta que los desarrolladores de videojuegos históricos utilizan de forma intencionada para transmitir una imagen del pasado que resulte vigente y atractiva en la actualidad. Igualmente se evidencia la necesidad de una metodología propia dentro de los denominados Game Studies que aborde el videojuego como objeto de estudio artístico lejos del enfoque de líneas de investigación como los Historical Game Studies y otras disciplinas humanísticas. (shrink)

El objetivo del trabajo es mostrar las funestas repercusiones del bombardeo de informaciones que todos padecemos en nuestro incipiente mundo virtual. Si bien es cierto que trae consigo numerosas ventajas, desde que el capitalismo basa su fuerza y expansión en las nuevas tecnologías de la comunicación, la proliferación acelerada de estímulos concomitante también conlleva una crisis de transmisión de consecuencias fatídicas, en la medida que arruina la estructura normativa firme y estable que vertebraba nuestras vidas en la prehistoria digital. De (...) aquí se sigue, por razón de semejante vacío axiológico, una hiperinversión de lo privado y una desmovilización del espacio público, convertido en un inquietante desierto virtual donde zombis hiperindividualistas interactúan en el simple sentido de la palabra, al ritmo que marcan los nuevos expertos en las artes de la infoesfera.The aim of this work is to show the disastrous effects of the bombardment of information which all of us experience in our emerging virtual world. It is true that capitalism brings a great number of advantages; however, since it bases its strength and expansion on the new communication technologies, the accompanying accelerated proliferation of stimuli also involves a crisis of transmission of fatal consequences, in so far as it ruins the solid and stable regulatory structure that provide the backbone of our lives in digital prehistory. It follows, because of such axiological vacuum, a hyperinversion of the private sphere and a demobilization of public space, turned into a disturbing virtual desert where hyperindividualistic zombies interact in the simple sense of the word, at the pace set by the new experts on the arts of infosphere. (shrink)

La presente investigación tiene como meta el tratamiento del espacio y del tiempo como objetos de la imaginación en el pensamiento de Leonardo Polo. El tratamiento del espacio imaginado es oportuno en un estudio sobre su filosofía jurídica toda vez que Polo sostiene que es el “lugar” en donde se elabora lo técnico. Así pues, ahí tendría su origen todo ars humano, dentro de los cuales ocuparía un lugar destacado el ars iuris. Los juristas romanos entendían el ius (...) como el “ars boni et aequi”, lo cual indicaría que la jurisprudencia desde antiguo era considerada un arte o técnica. (shrink)

Desde que Hegel declarara el arte como “cosa del pasado”, diversas posturas han discutido sus posibilidades de existencia y ocaso, mientras el arte mismo se ha visto en la incomodidad de la indefinición de sus condiciones ontológicas y de sus espacios de circulación. Esa indefinición, no obstante, permitió que ciertas operaciones y modos de hacer artísticos se desplazaran hacia escenarios abiertos y no institucionales. Una vez trazada una ruta hermenéutica desde la estética hegeliana hasta la actualidad, a partir de modelos (...) de análisis como los Estudios visuales, la teoría de Boris Groys o Nicolas Bourriaud, o el sistema modal de Jordi Claramonte, es posible pensar las condiciones de posibilidad actuales del arte en la medida de sus entrecruzamientos y del desplazamiento de su objeto desde la creación hacia la circulación. Sin que haya desaparecido la plataforma de legitimación institucional, las variaciones en las que se despliegan los códigos artísticos en la cultura visual contemporánea desestiman la posibilidad de reclamarse como obras de arte, y se limitan a hacer un uso táctico de formas de relación y producción. De ahí que la demarcación de los escenarios de supervivencia del arte pueda resumirse en el traslado de la categoría arte, como sustantivo, hacia la movilidad versátil del adjetivo artístico. (shrink)

When Vladimir Umanets entered the Tate Modern on October 7, 2012 and defaced Rothko's Black on Maroon, he was operating, not as an artist or a vandal, but as a Yellowist. Yellowism is neither art nor anti-art but is instead a supposedly new cultural element that exists for its own sake and is about nothing but the color yellow. It might be tempting to write Yellowism and the Rothko defacement off as a mere prank or as pseudo-intellectual fraud, (...) but I argue that, intentionally or not, the Yellowists have raised salient issues salient to those invested in both the ontology of art and social ontology more generally. In particular, their actions highlight issues pertaining to the relationship between stipulation and ontology. I explore these issues in this paper. (shrink)

Este trabajo recupera el vaticinio hegeliano sobre la muerte del arte para demostrar, en contra de lo defendido por el discurso artístico postmoderno, que el arte actual no sólo no ha llegado a su fin, sino que goza de más salud que nunca. La razón es la ampliación sin límites de su concepto como consecuencia de un doble fenómeno: la desestetización del propio arte y la estetización de la vida, con las que el arte parece haber traspasado, al igual que (...) el objeto sublime, los límites de lo pensable, abocando así a la reflexión estética a un amargo aunque también sabroso estremecimiento. (shrink)

Resumen El artículo revisa los discursos de viaje dentro de dos relatos escritos por mujeres durante el período imperialista del fin de siècle, quienes viajaron por espacios marginales a la modernidad. La primera autora es Florence Dixie, noble inglesa que escribe su relato de viaje a la Patagonia durante 1879, mientras que Iris, mujer igualmente aristócrata y chilena, escribe su periplo realizado por el lago Ranco en 1910. Independiente de la nacionalidad de origen de estas mujeres y sus diferencias personales, (...) en tanto el rol jugado por ellas en el grupo de expedición, ambas escritoras viajeras son depositarias de una mirada imperial, que se vuelca en la manera que se internan narrativamente por los espacios explorados.The article reviews the journey discourses in two narratives written by two women during the imperialist period of the fin de siècle, who traveled through marginal spaces to modernity. The first author is Florence Dixie, an English noblewoman who writes her travelogue to Patagonia during 1879, while Iris, an equally aristocratic, and Chilean woman, writes her journey made through Ranco lake in 1910. Independent of nationality of origin of these women and their personal differences, as long as the role played by them in the expedition group, both traveling writers are repositories of an imperial gaze, that shows in the way they go into theirs narrative through the spaces explored. (shrink)

El propósito del presente artículo es sustentar la idea de que el arte es una exploración de los conflictos. Para la consecución de tal fin en un primer momento resulta necesario comprender que una clave de interpretación, es asumir que los conflictos son constitutivos de todo vínculo social, y que una sociedad armónica es una contradicción en los términos. En un segundo momento, comprenderemos que el conflicto estará situado en la novela como escenario fundamental donde acaece la modernidad. En un (...) tercer momento, el cuestionamiento ante la crisis nos llevará a los presupuestos psicoanalíticos para comprender la relación entre conflicto, modernidad e identidad a partir de los conceptos de sublimación, olvido y duelo. Finalmente, intentaremos determinar cómo los tres momentos anteriores se sintetizan en la vulnerabilidad antropológica como punto de contacto en la relación entre literatura y filosofía. (shrink)

El presente artículo analiza la relación entre el arte y lo sagrado desde una doble perspectiva: teórica y artística. Desde el plano teórico, basados en las teorías de Gadamer y Eliade, encontramos en el símbolo el nexo entre el arte y lo sagrado. Desarrollaremos la naturaleza del símbolo según la teoría de Ricoeur. Desde la obra artística analizaremos la expresión de lo sagrado propuesta por Rothko en la Capilla Rothko en Houston (Texas, U.S.A.). Terminamos considerando el concepto de verdad en (...) el símbolo artístico. (shrink)

Una característica esencial de los nuevos modelos de política criminal es la sustitución del principio de culpabilidad por el de peligrosidad potencial del autor. Esta vieja concepción del Derecho Penal autoritario exige elevar la seguridad del Estado a la categoría de bien jurídico-penal autónomo. Una de las secuelas de encumbrar el concepto de seguridad al rango de bien jurídico es que la peligrosidad pasa a ocupar el papel de fundamento de la represión. Puede afirmarse que en este “nuevo” Derecho penal (...) el sujeto aparece como emanación de peligro, como un riesgo para la seguridad del Estado. Hablamos entonces de un singular Derecho penal de excepción cuyo fin es combatir peligros, esencialmente, a través de las medidas de seguridad; un Derecho en el que no se estima tanto la acción como el riesgo potencial para la seguridad y en el que se restringen determinados derechos fundamentales por su supuesta traba a la razón de Estado. Precisamente, es esta nueva concepción de la peligrosidad, fruto del retorno al Derecho penal de autor, la que motiva la creación de espacios donde el Derecho se ausenta, donde la tortura y la ausencia de garantías es lo habitual. El modelo penal de EEUU frente a sus “enemigos” y la colaboración de los gobiernos europeos en las detenciones ilegales y torturas practicadas por funcionarios de EEUU es el mejor ejemplo de lo expuesto. (shrink)