Resumen Este artículo ofrece una lectura de la pintura renacentista según los principios establecidos por Leon Battista Alberti, uno de los primeros teóricos de la perspectiva en cuyo Tratado de pintura se refiere al cuadro como “una ventana abierta a la historia”. El concepto de historia empleado por Alberti, que se presta a numerosas interpretaciones, es abordado a partir de las reflexiones de Erwin Panofsky en torno a la perspectiva como “forma simbólica”, avanzando hacia una hipótesis en torno al carácter (...) simbólico de la configuración y representación del tiempo en el cuadro-ventana albertiano.This paper offers a reading of the renaissance painting according to the principles established by Leon Battista Alberti, one of the first theorists of perspective in painting which Trattato della pittura define the frame of the painting as “an open window into history”. The concept of history employed by Alberti, which lends itself to many interpretations, is approached from the reflections of Erwin Panofsky about the prospect as “symbolic form”, moving towards a hypothesis about the symbolic nature of the configuration and representation of time in the alberti’s window. (shrink)

En el presente artículo el autor se encara con la célebre y muy diversamente interpretada tesis de Hegel en torno al fin del arte como modo supremo de captar la verdad o el espíritu. En esta confrontación, el autor intenta penetrar el sentido que tiene la modernidad, y no sólo el arte moderno, en el contexto de la filosofía hegeliana del arte. En la dilucidación de tal sentido, el autor gana una valoración decisiva del concepto hegeliano de “subjetividad”, como concepto (...) fundacional e identificador de la modernidad. Sitúa en esta concepción el horizonte especulativo desde el cual la idea del fin del arte, lejos de ser la proclamación de su muerte, se auto presenta como momento inmanente en la realización de la subjetividad libre y espiritualizada. El fin del arte sería, así. el comienzo de la historia de la libertad humana, el comienzo de la existencia humana propiamente dicha. (shrink)

Uno de los puntos de mayor interés del pensamiento estético de Hegel procede de sus Lecciones de estética, y es aquel que afirma y tematiza el fin del arte. Para entender el sentido y el alcance de esta idea, presentamos en este trabajo el modo como Hegel trata el problema del arte dentro de su filosofía especulativa y en especial en sus Lecciones de Estética. Por medio de este proceso de contextualización rastreamos finalmente las distintas interpretaciones que se han producido (...) en nuestros días acerca de la provocativa tesis del fin del arte y dejamos planteada también la cuestión del lugar que ocupa o puede ocupar el arte después del mencionado fin del arte. (shrink)

El universo literario de hoy, territorio conquistado a las burocracias de Estado y a sus academias, no se configura hasta el siglo XIX. Nadie se encuentra ya en situacin de decidir taxativamente lo que debe escribirse y cules son los cnones del buen gusto: los escritores, los crticos y los editores libran la batalla del reconocimiento y la consagracin.El proyecto esttico de Flaubert cuaja en el momento en que la conquista de la autonoma ingresa en su fase crtica. As, a (...) travs de la descripcin de la gnesis y estructura del campo literario, Pierre Bourdieu demuestra en primer lugar en qu medida la obra de Flaubert est en deuda con la constitucin del campo, del espacio de las posiciones y de las tomas de posicin de las diversas corrientes, movimientos, escuelas y autores de la poca: en otras palabras, cmo el Flaubert escritor se produce precisamente por lo que contribuye a producir.Aplicando las reglas del arte al da de hoy - esa lgica a la que obedecen escritores e instituciones literarias y que se expresa en forma sublimada en las obras -, Pierre Bourdieu hace volar en pedazos el espejismo del genio todopoderoso del creador y, al mismo tiempo, sienta los cimientos de una ciencia de las obras, cuyo objeto sera no slo la produccin material de la obra misma sino tambin la produccin de su valor. Sin embargo, en lugar de aplastar al creador bajo el peso de los determinantes sociales que pesan sobre l y reducir as la obra al medio que la vio nacer, la extraordinaria contundencia del anlisis desarrollado en este texto permite comprender por fin la tarea especfica que el artista (y especialmente el escritor) debe llevar a cabo - en contra y gracias a esos determinantes sociales - para llegar aproducirse como creador, es decir, sujeto de su propia creacin.Un gran libro, que compart. (shrink)

El contenido de este artículo consiste en mostrar que la experiencia estética es la esencia de la experiencia de la obra de arte. Argumentaré en contra de la concepción del arte de Arthur C. Danto según la cual el arte moderno ya no requiere de la experiencia estética y este hecho determina el fin del arte. La experiencia estética permitiría dar cuenta del arte desde el Renacimiento hasta el siglo XIX pero el arte moderno del siglo XX solo puede ser (...) explicado conceptualmente y, por tanto, la filosofía del arte es necesaria para explicitar ese contenido.Para defender el estatuto estético de la obra de arte mostraré que la experiencia estética se identifica con la experiencia fenomenológica. Esto quiere decir que la experiencia estética nos hace concientes de la diferencia entre el contenido de la obra y el medio de la experiencia sensible en el que este contenido se da. El “aparecer” y “lo que aparece” se corresponden en la experiencia estética con los dos polos de la relación intencional y constituyen los dos estratos fundamentales de la obra de arte. A través de la aproximación fenomenológica intentaré mostrar que la obra de arte no excluye el contenido conceptual, pero este contenido ha de estar necesariamente incorporado. No es la filosofía la que tiene que comprender este contenido sino exclusivamente la experiencia estética.The subject of this paper is to claim that the aesthetic experience is the essence of the experience of the work of art. I argue against the view hold by Arthur C. Danto, according to which modern art does not require the aesthetic experience any more and that this fact means the end of art. The aesthetic experience allows explaining only the art made be-tween the Renaissance and the XIX century. The modern work of art of the XX century can only be explained conceptually and therefore a philosophy of art is required to make that content explicit and clear.To defend the aesthetic status of the work of art I will show that the aesthetic experience identifies itself with the phenomenological ex-perience. This means that the aesthetic experience makes us aware of the difference between the content of the work and the sensible lived experience in which this content appears. The “appearance” and “what appears” are the two poles of Intentionality and the two fundamental layers of the work of art. Through the phenomenological approach I will make clear that the work of art does not exclude the conceptual content at all. This content has to be necessarily embodied. It is not philosophy that has to disclose this con-tent but the aesthetic experience alone. (shrink)

Ambas posiciones son filosóficas y no sólo historiográficas: en Hegel, para comprender el arte en la modernidad; en Danto, en la posmodernidad. El "fin del arte" no significa para Hegel el acabamiento, sino un cambio fundamental de función dentro de las figuras de la verdad que el arte en la época moderna tiene que compartir con la religión y la filosofia. La forma absoluta de representar la verdad, forma clásica, cede a la forma romántica. El "fin del arte" en Danto (...) significa el ingreso del arte a la época poshistórica puesto que la historia del arte dejó de ser la necesidad interna de renovación permanente, y a la posfilosófica pues la reflexión ha convertido el arte en una praxis cognitiva de sí mismo que lo ha hecho equiparable a la filosofía. (shrink)

Con el advenimiento del nuevo milenio, las históricas relaciones entre arte y naturaleza siguen más vivas que nunca. La noción de naturaleza se encuentra atravesada por múltiples vectores que llevan los límites de aquello que consideramos «natural» más allá de sus fronteras tradicionales. Y, por otro lado, la naturaleza se ha convertido en el ámbito de trabajo de muchas tendencias artísticas contemporáneas. De la mano de diez autores, esta publicación aborda las dimensiones simbólicas y políticas de las prácticas artísticas que (...) parten de la naturaleza con la voluntad de transformar la realidad, y que tienen como objetivo potenciar un espacio de diálogo y generar un debate y un pensamiento crítico. Desde campos de investigación aparentemente distantes, cada capítulo ofrece un punto de vista diferente para repensar la relación entre arte, naturaleza y política. (shrink)

El artículo se ocupa de las circunstancias peculiares que identifican el arte colombiano después del arte moderno. Para esto resulta de gran importancia la discusión alrededor del problema del "fin del arte" y su relación con la modernidad, pues es necesario hacer una reflexión filosófica a propósito de la idea del fin del arte para comprender los lineamientos del arte moderno, cuyas concepciones del arte, del artista, del contenido y de la forma, son una de las consecuencias históricas de los (...) planteamientos hegelianos delineados en sus Lecciones de Estética. Así se sitúa la pregunta por las características que identifican el arte colombiano después de la modernidad dentro de una realidad históricamente configurada, cuyos rasgos internos son consecuencia de la discusión generada alrededor de los planteamientos sobre elfin del arte. (shrink)

Danto inicia su filosofía de la historia del arte con un núcleo problemático que inaugura el modernismo: una obra de arte llega a ser indiscernible de una mera cosa, en la medida en que es el resultado lógico de la narrativa de un cierto periodo. Hablar sobre el fin del arte es hablar de las razones que sustentan esa narración y de la posibilidad de su culminación. Se propone una crítica, a partir de la relación entre esencialismo, historicismo y pluralismo, (...) para examinar su controversial tesis sobre la clausura histórica del arte por agotamiento de su impulso cognitivo. (shrink)

El debate sobre el fin del arte o del arte en el fin del siglo, pasa por las contradicciones de una modernidad impregnada aún de componentes premodemos, lo cual ha desembocado en un desordenamiento cultural que se revela en la composición híbrida de la sociedad, así como en el intento de entender cómo se constituyeron las diferencias sociales y los elementos de inclusión y exclusión que distinguen lo culto de lo popular y a ambos de lo masivo. Este desordenamiento cultural (...) se manifiestó por medio de la relación cada vez más estrecha de los modos de simbolización y de ritualización del lazo social con la red comunicacional y el flujo audiovisual. (shrink)

La contemporaneidad es facticidad sin sentido, un “espacio de crisis” donde al “ocultamiento de Dios” (teología) le corresponde “la imposibilidad del Absoluto” (filosofía), y a ambos les son correlativas la imposición de un “universo infinito e inestable” (ciencia) y la consecuente pérdida de significancia (semiótica) que implican el vacío y las ausencias. Esa contemporaneidad es asimismo preludio que inaugura la emergencia hegemónica de la efectividad (tecnología), al costo de una debacle espiritual que tiene consecuencias trágicas para la vida y (...) la convivencia humanas. El agotamiento de las dimensiones imaginarias o no de ese universo, determinadas por las repeticiones inexorables de su geografía máxima y mínima, o la imposibilidad de progresar “más allá de la inmanencia” que reitera los recorridos reales y virtuales por la materia, proyecta nefastos efectos desexistenciarios sobre una humanidad que se hunde en la facticidad sin sentido y pervierte cualquier posibilidad de conocimiento, valor y virtud. La emergencia de novedosas modalidades de subjetividad, que atentan contra la existencia colectiva de comunidades, culturas y modos de vida, tienen directa relación con originales formas de reproducción del capital (economía) y modos traumáticos para realizar el prometeico sueño de producción de poder privado (política). También influye de manera decisiva la vigencia de un sistema de poder tecnocrático que sustituye “lo real” por virtualidades e impone una “convivencia” determinada por flujos digitales efímeros e inconsistentes. Esta obra demuestra que tales cuestiones económicas o políticas, científicas o técnicas, lejos de ser contradictorias con un tratamiento teológico o filosófico de la realidad, dependen de la previa respuesta de éste a los problemas elementales que la ciencia y la tecnología deben tener por resueltos antes de aplicar sus progresos por más elocuentes que estos pudieran parecer. Y tal demostración, en el presente texto, no gira en el vacío sino que perdura fundamentada en un recorrido ejemplificador a través de las diversas culturas “occidentales” que han predominado, primero en la misión de “ordenar a la Humanidad” en el tiempo y el espacio, para luego desatar la tragedia que signa un porvenir de convulsiones y pérdidas. Un “mundo” llega a su fin y las formas y elementos que lo sostenían se degradan fungiendo una transición hacia nuevas dimensiones de un “futuro” donde el hombre será un mendigo de lo inexorable. Sólo la conciencia plena del colapso y las causas que lo generan puede abrir una herida en ese futuro a favor del ser humano, evitando la pérdida de su condición de persona y de las virtudes propias que pueden salvarlo. (shrink)

Resumen: El presente artículo analiza el problema de la afectividad en la concepción de la Fenomenología de la vida del filósofo francés Michel Henry, quien la concibe como fundamento de la subjetividad y esencia de la manifestación. Henry realiza un análisis de la obra del pintor Vasily Kandinsky, y muestra cómo la pintura abstracta, no figurativa, logra expresar en los colores y formas aquello invisible que es la esencia de la pintura y que coincide a su vez con la Vida. (...) La concepción de abstracción elaborada por Kandinsky refiere al contenido invisible e interior, que se expresa a través de colores y formas, pero que es la vida misma en su pathos subjetivo fundamental. De este modo, según Henry, el arte se transformaría en único lenguaje para expresar la radicalidad de la vida afectiva, porque no representa nada exterior o extraño, su contenido es la vida misma.: The present article analyzes the problem of affectivity in French philosopher Michel Henry's conception of Phenomenology of life, conceived of as the foundation of the subjectivity and the essence of the manifestation. Henry analyzes the work of the painter Vasily Kandinsky, showing how abstract and non-figurative painting expresses in colors and forms something invisible, which is the essence of the painting and coincides with the Life. Kandinsky's conception of abstraction refers to the invisible and the inner content, which expresses itself through colors and forms, being the life itself in its fundamental subjective pathos. In this way, the art becomes the only language capable to express the radicality of the affective life, because it does not represent anything exterior or foreign, being its content the life itself. (shrink)

Los ensayos recogidos en el presente volumen reflexionan sobre el valor del arte desde diferentes perspectivas. En primer lugar, se interrogan sobre la existencia de un valor específico del trabajo artístico y las obras de arte. En particular, algunos textos abordan la cuestión central del valor estético y de su conexión con la interpretación, la apreciación y el juicio de las obras de arte. En segundo lugar, ocupa un espacio central del libro el análisis de la relación entre el (...) estético y otros valores que apreciamos en las obras de arte, como el valor documental, el histórico, el epistémico o el moral. Por último, la literatura, el cine o las artes plásticas son analizados desde el punto de vista del modo particular de dar sentido y articular en cada caso una concepción valiosa del mundo. (shrink)

Este artículo presenta una reflexión sobre el lugar y la pertinencia de la filosofía del arte en un mundo del arte en el cual cualquier cosa puede ser una obra de arte, a partir de la propuesta teórica de Arthur Danto. Si la filosofía aún tiene algo que decir sobre el arte, sería desde una posición que reconozca la centralidad de la práctica artística sin delimitarla. La apertura en el arte no puede ser un motivo de negación o juicio, sino (...) un incentivo al pensamiento. Sin embargo, según Danto, ello exige aceptar puntos de partida y consecuencias que modifican la relación entre arte y filosofía. (shrink)

Desde una perspectiva posfundacional, la política no puede reducirse a una región de lo social, ya que lo político, como momento de activación, es ubicuo, desterritorializado y emerge de forma contingente. Esto abre las puertas a percibir el surgimiento de lo político en cualquier espacio, independientemente de si permanece o no dentro del terreno institucional de la política. Chantal Mouffe ha desarrollado en algunos de sus escritos la relación entre arte y política desde esta perspectiva, cuestión que suele pasar (...) inadvertida pero que resulta de vital interés para el campo de los estudios sociales del arte. Asimismo, su propuesta de arte político se ubica en la antítesis de muchos trabajos y análisis de casos que, desde las ciencias sociales y estudios del arte, han abordado la politicidad del arte centrados en una relación directa entre la producción artística y la temática a la que refiere la obra. En este sentido, sostenemos que la politicidad no se reduce a la temática de las prácticas artísticas sino que tiene relación con el sujeto productor, el modo de producción de la obra (individual o colectivo) y de intervención; producción en lo social, especialmente en el espacio. Estas cuestiones, como ya veremos, aparecen desarrolladas de manera muy interesante en algunos escritos de Chantal Mouffe. De este modo, en este artículo, a la par que nos proponemos presentar su propuesta de análisis para las prácticas artísticas, produciremos reflexiones y análisis de diversas producciones artísticas, con el fin de mostrar tanto la utilidad de la teoría resituada en estas latitudes como sus flaquezas. (shrink)

Cartografias da ingovernabilidade dos corpos na arte e na vida Resumo: Sofremos uma crescente governamentalização dos corpos e das condutas ao longo do mundo moderno e contemporâneo. Essa foi uma das expressivas contribuições do pensamento do filósofo francês Michel Foucault. No entanto, tal governamentalização não adveio sem contrapartida. Trata-se, em todo caso, de um empreendimento sistemático de investimento pelo poder e de redução dos corpos à sua dimensão extensiva, utilitária, funcional e orgânica, numa palavra, instrumental. Uma pletora de práticas foi (...) criada em vários campos – saúde, educação, trabalho, lazer, esporte, etc. – com este fim. No entanto, por mais incontornável que seja, os corpos não se deixam reduzir a um estado de coisa, a sua extensão, em resumo, a sua reificação. Este trabalho visa circunscrever esta problemática, para os fins de explorar o tema que concerne a relação entre os corpos, a cultura e o papel da arte como cartografia intensiva, sob o signo da ingovernabilidade. Palavras-chave: cartografias, ingovernabilidade, corpo, arte, filosofia. Cartographies of the ungovernability of bodies in art and life: We have suffered a growing governmentalization of the bodies and behaviors throughout the modern and contemporary world. This was one of the expressive contributions of the French philosopher Michel Foucault’s thought. However, such governmentalization has not come without a counterpart. In any case, it is a systematic undertaking of investment by the power and of reduction of the bodies to their extensive, utilitarian, functional and organic dimension to a word, instrumental. A plethora of practices has been created in various fields - health, education, work, leisure, sports, etc. - to this end. However, bodies are not reduced to a state of affairs, to their extension, in short, to their reification, as unavoidable as it might be. This work aims to circumscribe this problem, in order to explore the theme that concerns the relationship among the bodies, the culture and the role of the art as an intensive cartography, under the sign of ungovernability. Keywords: cartography, ungovernability, body, art, philosophy. Cartografias de la ingobernabilidad de los cuerpos en el arte y la vida Resumen: Sufrimos una creciente gubernamentalización de los cuerpos y el comportamiento en todo el mundo moderno y contemporáneo. Esta fue una de las contribuciones expresivas del pensamiento del filósofo francés Michel Foucault. Sin embargo, tal gubernamentalización no se produjo sin una contraparte. En cualquier caso, es una empresa sistemática de inversión por poder y la reducción de los cuerpos a su dimensión extensiva, utilitaria, funcional y orgánica, en una palabra, instrumental. Se han creado una gran cantidad de prácticas en diversos campos: salud, educación, trabajo, ocio, deportes, etc. - con este fin. Sin embargo, por inevitable que sea, los cuerpos no se reducen a un estado de cosas, su extensión, en resumen, su reificación. Este trabajo tiene como objetivo circunscribir este problema, a fin de explorar el tema que concierne a la relación entre los cuerpos, la cultura y el papel del arte como cartografía intensiva, bajo el signo de ingobernabilidad. Palabras clave: cartografía, ingobernabilidad, cuerpo, arte, filosofía Data de registro:16/06/2020 Data de aceite: 22/07/2020. (shrink)

Dos eventos, aparentemente distantes uno del otro y sin vínculos directos entre ellos, pero sin embargo estrictamente relacionados por un legado espiritual común, constituyen el tema de este trabajo. El primero, tuvo lugar en 1971, cuando una «capilla ecuménica» muy especial abrió sus puertas al público. Es conocida bajo el nombre de «Rothko Chapel», debido al proyecto general, realizado por el pintor Mark Rothko. Desde entonces, se ha convertido en una de las obras de arte más valiosas que representan la (...) estética religiosa contemporánea. Las pinturas negras de Rothko, la planta del edificio de «cruz griega» diseñado por el arquitecto Philip Johnson, el obelisco del artista Barnett Newman y la música compuesta para este ambiente por el compositor Morton Feldman, han reemplazado lo que tradicionalmente ha sido llamado «imago templi»; pero, contrariamente a toda tradición cristiana, representan nada (literalmente: no-thing). El segundo evento, tuvo lugar en 1795, cuando dos jóvenes amigos, Hegel y Schelling, estaban haciendo una especie de juramento bajo el signo de una Iglesia Invisible, actualizando un concepto ambiguo que, incluso arraigándose en las Sagradas Escrituras, ya había sido condenado por las iglesias oficiales por sus consecuencias heréticas. La relación entre estos dos eventos está dada por historiadores del arte moderno que han establecido que la pintura abstracta, desde un punto de vista formal, tiene sus raíces en la tradición romántica. Con este trabajo me gustaría contribuir al establecimiento de esta conexión, no solo por medios formales, sino también mostrando una actitud espiritual común hacia las imágenes. El cristianismo, esencialmente figurativo en su estética religiosa, siempre ha tenido que lidiar con la prohibición judía de la creación de imágenes. Esta dificultad ha sido trasferida a los debates contemporáneos en los que artistas con lecturas y educación clásicas, a menudo de origen judío pero activos en sociedades cristianas, intentan crear un nuevo tipo de arte, fuera de toda tradición y sin dogmas. Según mi sugerencia, Rothko Chapel debería considerarse como la realización de un equilibrio frágil en el que tanto el «aniconismo» como la «necesidad de imágenes» han superado su mutua unilateralidad, produciendo una etapa espiritual más elevada. Por lo tanto, tal capilla no sería un simple espacio donde todas las religiones podrían solo reunirse y dialogar, pero debería considerarse algo más sorprendente, es decir, una realización única de lo que lógicamente aparece como una pura contradicción: la realización de un Imago Templi para una Iglesia Invisible.Key words: Rothko; Hegel; Arte Abstracto; Idealismo; Iglesia Invisible. (shrink)

Resumen: Este artículo estudia el poder de la visualidad en la política. Entre aquello que está permitido ver y aquello que está prohibido mostrar, el régimen escópico se define por la intervención del poder institucional respecto de la mirada del espectador. Este estudio se desarrolla entre la tradición filosófica y otras aportaciones multidisciplinares (estudios visuales, comunicación social, estética, historia del arte, teoría del arte) que evidencian a) el control político en los regímenes escópicos de la mirada del espectador; b) la (...) consolidación de una cultura visual que condiciona el modo de vida de los individuos y las sociedades; c) el dominio del espacio social por medio de la regulación del espacio visual; y d) la manipulación de los afectos por medio de la experiencia visual. En este estudio destacamos la apertura de la consciencia crítica en la modernidad a la estetización de la política. Abstract: This article studies the power of visual aesthetics in politics. Between what is allowed to see and what is forbidden to show, the scopic regime is defined by the intervention of institutional power on the viewer's gaze. This study is developed between the philosophical tradition and other multidisciplinary contributions (visual studies, social communication, aesthetics, art history, art theory) that show a) political control in the scopic regimes of the viewer's gaze; b) the consolidation of a visual culture that conditions the way of life of individuals and societies; c) the domain of social space through the regulation of visual space; and d) the manipulation of affects through visual experience. In this study we highlight the opening of critical consciousness in modernity to the aestheticization of politics. (shrink)

Since the death of Cézanne in 1906, there has been throughout the world of European art a general reawakening of a sense of the necessity for constructive qualities in painting. Whereas our fathers were content to speak of the “composition” of a picture, in our own day it is more usual to speak of its construction. Composition, after all, is a comparatively loose and elastic term implying a generally harmonious arrangement of the massed effect of light and dark, a (...) juxtaposition of contrasting and balanced tones, sufficiently logical in their placing as to give a general sense of repose and unity to the work as a whole. Composition was generally understood to be dependent upon instinct and good taste on the part of the painter, and, as such, it was looked upon as a thing that could not be taught by rule of thumb. Like a sense of colour, a student either had it or he had not; and, beyond attempting to guard him from glaring error, there was little that a teacher of art could do for him in this department of his training. Perspective, which is governed by definite mathematical rules, could be taught in detail as an aid to composition, but the sense of composition itself must be allowed to develop in the student according to his talent for this side of his work. Composition classes were indeed a part of his curriculum, but the criticism which a student received at such classes amounted, in practice, to little more than general advice, given by the teacher, from his ripe experience and his developed sense oftherightandwrong in this matter, to the unmatured taste of the student. It was understood that composition could not exist without a general sense of order, but it was understood in a much looser sense than is implied by the comparatively modern use of the word “construction” that has replaced it. The artist of the modern school or schools of thought will have none of the old happy-golucky, loose thinking in the matter of construction. (shrink)

La posmodernidad es una tendencia emergente a lo largo del siglo XX, un proceso general de la cultura occidental que fue aglutinando síntomas contrapuestos, y que acabó por dominar la escena filosófico-cultural a medida que avanzaba el siglo. En la época de la multiplicación de los discursos y del triunfo universal del mercado, y tras la pérdida posmoderna de los horizontes totalizantes de la civilización, se impone cartografiar de nuevo nuestra comprensión de la realidad. Índice: Prólogo de Miguel Morey.- Introducción.- (...) Notas para una genealogía de la posmodernidad.- De la crítica de la alienación a la fragmentación de la subjetividad.- Últimas tribulaciones (¿la decadencia de la posmodernidad?).- Cronología filosófica del siglo posmoderno.- Bibliografía. (shrink)

Este artículo es un estudio crítico de dos operaciones fundamentales del Museo de Arte actual: su facultad de taxonomización de lo real y su complicidad con la categoría de Patrimonio. En la formulación contemporánea del Museo de Arte, este trabajo discute los alcances y efectos de la taxonomía como intento de producción de un régimen unitario y continuo de legibilidad e instalación de los objetos, así como la investidura de los objetos como Patrimonio, y en virtud de su posibilidad de (...) experiencia, al modo de “documento-archivo” o “simulacro”. (shrink)

Intentamos recoger en este artículo la dificultad de la mujer para ser reconocida por su valía intrínseca, en una sociedad que ha mirado siempre la prevalencia del hombre, para alcanzar puestos de responsabilidad, triunfos en el orden intelectual y, éxitos (a veces inmerecidos) en el mundo del Arte. El nuevo siglo es el de la valoración de la Mujer. Quizá muchas de mi generación no lleguemos a verlo, pero una cosa es segura, solo faltan ayudas sencillas y fáciles otorgar, (educación, (...) cultura, jornadas partidas, guarderías en su propio trabajo, incentivos económicos), para que triunfe en su profesión y al mismo tiempo «dé vida», a nuevos seres, para conseguir esa paridad tan deseada. Es un hecho potencial en la actualidad, pero real con el paso el tiempo... Es una carrera imparable, donde no se vislumbra la meta ni el fin. Yo me he limitado a seleccionar de forma subjetiva un grupo de mujeres pintoras que rompieron los moldes de su momento. Ellas avanzaron por un camino lleno de espinas, trabas y zancadillas... Pero supieron seguir adelante, basándose en su fuerza creativa, y en la seguridad personal de la valía de su trabajo. Desde mi condición de mujer, ha sido un privilegio poder elogiarlas e impulsarlas en la medida de mis fuerzas. Su triunfo ó su fracaso vital no tiene importancia. Su obra, que prevalecerá sobre el tiempo y el espacio, es su verdadero éxito. El sentimiento, la estética, el alma femenina que han dejado en sus telas, les da su enorme talla personal, aunque muchos, por miedo, por recelo, por egolatría ó por haber gozado de mayores patrocinios y apoyaturas, no quieran reconocerlo... (shrink)

"Desartización", es el término acuñado por T.W. Adorno a fines de los años 50 para referirse al proceso dialéctico por el que el arte va perdiendo progresivamente sus cualidades y rasgos tradicionales -la autonomía que mantuvo desde Diderot a Kant, Schiller y Hegel- para convertirse en otra cosa: en producto de la industria cultural, en víctima de las fuerzas ideológicas que dominan la sociedad administrada y en mera mercancía, es decir, en un producto cosificado que deja de ser un modo (...) esencial de pensar el mundo. El autor entiende el "arte sin fin" como arte sin finalidad, objeto o función, en oposición a las doctrinas ilustradas y románticas, e intenta dar una explicación de la lógica conceptual que rige su planteamiento y su conexión con la evolución cultural. (shrink)

El Romanticismo hizo aportes fundamentales en la teoría de la pintura: por un lado centró la atención en su visualidad como arle de la apariencia y su idealización: por el otro, la coaccionó con el significado, poniéndola al servicio de la religión y el poder, estimuló el goce y la crítica del arte, pero los condenó también en favor de una actitud reverencial ante él. La pintura de los Nazarenos representa la intención romántica de una nueva pintura cristiana, alemana y (...) patriótica que habría de reorientar el espíritu de la época. Hegel se opuso radicalmente a este proyecto: su tesis del fin del arte no tiene sólo una explicación sistemática, sino que responde igualmente a un debate histórico concreto. El artículo aborda las posiciones de Wackenroder, August y Friedrich Schlegel, y Overbeck. (shrink)

Este artículo pretende poner de manifiesto cómo el espacio de las prácticas de ocio cultural es una construcción política. Para ello, escoge como categoría central al público, en tanto formación comunitaria por medio de la cual cada sociedad institucionaliza de forma dinámica las prácticas de ocio asociadas a la oferta artística. En diálogo con pensadores como Adorno, Baudrillard, Warburg o Benjamin, se describen las dimensiones espaciales y temporales en que se desarrollan los vínculos comunitarios, específicos de la institución del (...) “público” en el sector cultural. Para ello, el ensayo intenta identificar cuáles son las estrategias comunicativas que están produciendo esos espacios de presencia y esos tiempos de experiencia para las prácticas del ocio cultural en las sociedades del consumismo avanzado. Las he llamado retóricas de la convergencia y retóricas de la persuasión. (shrink)

Resumen: Presentamos una recuperación del espíritu humanista en la corriente estética del arte de medios de las ciberculturas. Para mostrar el giro cultural hacia el neorrenacimiento, hacemos un recorrido por los conceptos que fundan el humanismo clásico y que aproximan el arte contemporáneo a la racionalidad tecnológica y mediática. Este artículo revisa el encuentro del hombre consigo mismo, las subjetividades del arte y la expresión en el paradigma de las nuevas tecnologías, la ciencia y la creatividad, así como la renovación (...) de una emergente epistemología visual que desplaza la concepción moderna de obra de arte, de la figura del artista y del lugar del espectador.: We present a recovery of the humanistic spirit in the current aesthetics of the media art in the cybercultures. To show the cultural shift towards Neo-Renaissance, we tour the concepts underlying the classical humanism and contemporary art closer to technologic and mediatic rationality. This article reviews the meeting of man with himself, the subjectivities of the Art and the expression in the paradigm of new technologies, science and creativity, as well as the renewal of an emerging visual epistemology that moves the modern concept of the work of art, the figure of the artist and the place of the viewer. (shrink)

When Vladimir Umanets entered the Tate Modern on October 7, 2012 and defaced Rothko's Black on Maroon, he was operating, not as an artist or a vandal, but as a Yellowist. Yellowism is neither art nor anti-art but is instead a supposedly new cultural element that exists for its own sake and is about nothing but the color yellow. It might be tempting to write Yellowism and the Rothko defacement off as a mere prank or as pseudo-intellectual fraud, (...) but I argue that, intentionally or not, the Yellowists have raised salient issues salient to those invested in both the ontology of art and social ontology more generally. In particular, their actions highlight issues pertaining to the relationship between stipulation and ontology. I explore these issues in this paper. (shrink)

It was the general practice until not at all long ago to look at Turner as one of the moderns, if not as one of the founding fathers of modern art. He was a man straddling the fence between two periods, but he was looking forward. In a history of art that marches through time, forever endorsing what is about to be forgotten, wrapping up, as it were, one style to open eagerly the package of the next, such a (...) position is most enviable for, no matter where the times may be going, it is a hallmark of greatness to be ahead of one's time. There were things to be explained, of course, Turner himself, a keen pessimist, did not approved of the future and had little use for the present.1 His love of art was schooled on Reynolds' Discourses, and he remained loyal to them; his poets were Thomson and Pope and, among contemporaries, the rather frigid but delicate Samuel Rogers, a classicist par excellence. Above all, however, Turner looked back to classical antiquity for training and guidance, and for the delectation of his heart. And the poetry of the ancients, such as he could obtain it in translation, was as important to him as their art. What does one do with a declared classicist whom a historicizing hindsight feels compelled to rescue as a man of the future by making him a Romantic? It is a challenge stylistic analysis likes to meet, for it goes beneath what it declares to be the surface of a work of art to find its style, the essence that must conform to the presumed spirit of the age in question. The triumphant result of such studies in depth is a forgone conclusion as much as it is a surprise to the uninitiated. The facade of the Louvre, for example, used to suffice to make it a building in the classical style; it took the acumen of a Wölfflin to prove that it really was "baroque." The more the artist struggled not to be of his time, the more, poor man, he betrayed to the analyst that he was of his time. The Louvre facade stands convicted of being "classicizing-baroque."2 · 1. On Turner's view of the modern art of his time see John Gage, Color in Turner: Poetry and Truth , pp.97-105. On his literary education and taste see the seminal essay by Jerrold Ziff, "Turner on Poetry and Painting, " Studies in Romanticism 3 no. 4 : 193-215. Turner's poetical writings have been edited by Jack Lindsay, The Sunset Ship: The Poems of J.M.W. Turner . For the most recent and also most elegantly practical introduction to the work and life of Turner, see the catalogue of the Turner Exhibition of the Royal Academy and the Tate Gallery, Turner, 1775-1851 . · 2. This is now a commonplace of art historical teaching. See, for example, Gardner’s Art Through the Ages, 6th ed. Horst de la Croix and Richard G. Tansey , p. 632. On the theory behind the application to the particular case, see Heinrich Wölfflin, Principles of Art History, trans. M. D. Hottinger . Philipp Fehl, artist and art historian, is currently preparing a collection of essays, Art and Morality: Studies in the History of the Classical Tradition. He is a professor in the department of art and design at the University of Illinois at Urbana-Champaign. "Farewell to Jokes: The Last Capricci of Giovanni Domenico Tiepolo and the Tradition of Irony in Venetian Painting" was published in Summer 1979 in Critical Inquiry. (shrink)

En este trabajo se pretende abordar la historia del arte según Arthur Danto, partiremos de la distinción entre los tres distintos periodos históricos que postula, el primero de ellos lo ubicaré bajo el nombre del Periodo Prehistórico del arte, el segundo como el Periodo Histórico y finalmente el periodo Posthistórico. Cada uno será explicado de manera tal que no exista ambigüedad entre ellos, todo esto con la finalidad de esclarecer aún más la concepción que tiene Danto sobre la historia del (...) arte y poder abordar en el tercer capítulo lo que nos atañe con respecto a su tesis sobre el fin del arte. Se podrá realizar un contraste entre lo propuesto por Shinner frente Danto y resaltar la pertinencia del segundo autor partiendo del periodo Posthistórico como el que define lo acontecido en el arte contemporáneo y el fin del arte. Shinner es capaz de tejer históricamente lo que acontece con el concepto arte y sus problemáticas hasta su configuración moderna de bellas artes, después, continúa relatando sin añadir la problemática con respecto a las producciones del siglo XIX y XX, sólo nos dice que cambian las producciones, más no que el concepto lo hace con ellas. Por lo tanto, se ve la necesidad de explicar el cambio en el concepto, recurriendo a la crítica de Danto y la propuesta de un nuevo concepto capaz de incluir en su definición todo lo es una obra de arte y lo que esté en posibilidad de ser una. Lo que está en posibilidad habita en el reino prehistórico y posthistórico del arte. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:164 BOOK REVIEWS "was presented with wine in the name of the whole University." That evening, one of the feasters recalled that this was the man who had written the foremost theological defense of the Royal Supremacy: the following morning, when Gardiner asked for vessels and vestments to say Mass before proceeding on his way, they were refused him, as to an excommunicate or a schismatic. This incident is (...) significant for a number of reasons: it shows that, whatever anyone else might have thought, Gardiner certainly thought he was a Catholic. The ambiguity of that label, and how far exactly it extended, is also quite evident. Some explanation of the difficulty and some consistency of usage in the text of the biography would have been welcome. The text itself appears to have a number of editorial flaws: p. 201 begins in the middle of a paragraph, and the opening lines are omitted. In the second paragraph of p. 176, numbers are transposed so that what is printed as 1534 should read 1543 (in the context, a significant difference). The book is, on the whole, a contribution to scholarship that is long overdue. That a man who was so powerful (not to say feared) during his own lifetime should wallow in oblivion is confusing. Redworth 's biography, for all its incompleteness, is of great value in piecing together the life of this leader, both political and ecclesiastical, who sought to fashion the emerging English Church and nation into a recognizably Catholic form. Dominican House of Studie$ Washington, D.C. W. BECKET SOULE, 0.P. Art and the Word of God (Arte e la Parola di Dio): A Study of Angelico Rinaldo Zarlenga, O.P. Edited by VINCENT I. ZARLENGA, O.P. (text in English and Italian). River Forest, Illinois: Fra Angelico Art Foundation, 1990. Pp. xiv + 109. The religious order of the Dominicans (Order of Preachers) was founded in the thirteenth century by St. Dominic with the specific purpose of preaching the Gospel or " ministry of the Word." With the Franciscan Order it shared in the creative, artistic impulse that produced the medieval cathedrals. It is often said that the great Summa Theologiae of St. Thomas Aquinas, for all its intellectual rigor, is also a work of art comparable to the gothic masterpiece of Chartres cathedral. Dominicans and Franciscans thought that the Gospel should find expression not only in words, but in poetry, music, architecture, and BOOK REVIEWS 165 the plastic arts. Among the artists who were members of the Dominican Order are the recently beatified Fra Angelico (BL Giovanni da Fiesole ), Bartolommeo della Porta, an important influence on Raphael and other High Renaissance painters, Juan Mayno the gifted Spanish contemporary of El Greco, Pere Couturier, the advocate of modern church art and friend of Matisse, and the American sculptor, Thomas McGlynn. Carrying on this Dominican tradition, Angelico Rinaldo Zarlenga (1919-1986), a native of Italy, worked in the United States from 1949 until his death. The present work, edited by his brother Vincent, also a member of the Order, makes available a chronological catalogue of his paintings, sculptures, and designs in glass, with many illustrations in full color, along with a biography and critical appreciations by others, including Cardinals Joseph Bernadin and Mario Luigi Ciappi. It is an important contribution to the history of Catholic religious art in the United States. The noted German theologian Hans Urs von Balthasar built his whole theology not on the goodness and truth of God, but on His beauty, or in biblical terms, God's "glory." According to St. Thomas Aquinas, " beauty " is the " radiance of truth," that is, it is truth as truth is related well to our knowing powers. Like the fit between the key and the lock, beauty is the fit between known and the knower. That is why a landscape on a cloudy day looks dull and uninteresting, but when the sun comes out it appears strikingly beautiful. The sun's illumination has made the dim objects vividly visible, radiant to our eyes. This is what the artist does for us. He does not clothe the facts of reality with an adventitious beauty, but he illumines those facts so that... (shrink)

Se aborda la historia reciente de Ecuador centrando la mirada en la figura del expresidente León Febres-Cordero, a partir de dos proyectos realizados con las y los estudiantes de la Escuela de Cine de la Universidad de las Artes del Ecuador. En Delirar el archivo se parte de la fórmula deleuziana «escribir es una forma de delirar» con el fin de releer las imágenes del pasado guayaquileño. En Remontar la historia, igualmente, se utiliza una metodología crítico-creativa para resignificar los archivos (...) visuales del diario El Telégrafo por medio de recontextualizaciones en el espacio público. El análisis de estas piezas audiovisuales permitió la configuración de una tipología de imágenes (imagen-borramiento, imagen-mimética, imagen-entreverada, imagen-arquitectura e imagen-escultura) y una serie de principios sobre el uso de los archivos: de apertura, de intertextualidad, de multiplicidad, de reflexividad y de memoria. (shrink)

A principios del siglo XX se produjo la distinción entre conocimientos físicos clásicos y conocimientos físicos cuánticos. Con la relatividad especial (el espacio-tiempo y la equiparación de energía y materia), culmina la física clásica; y con la cuantización de Planck, se inicia una física nueva, con extrañas síntesis sin identidad: transprobabilidad. Pero, en 1915, apareció una distinción aún más profunda, la de los conocimientos propios (que engloban lo clásico y lo cuántico), y los conocimientos impropios. Todo empezó cuando, en (...) la relatividad general de Einstein, no estaba claro que se cumpliese el principio sagrado de la conservación de la energía. Hilbert afirmó (su famosa Behauptung) que se trataba de un conocimiento impropio; pero no supo explicar el porqué. Fue la matemática Emmy Noether, experta en invariantes, la que, con sus dos teoremas de 1918, explicó la diferencia radical entre conocimientos propios (conservación de la energía, de los momentos lineal y angular, de las “cargas”...), y los conocimientos impropios (segundo teorema). Pero la razón más profunda de la conservación impropia, que Noether encontró en los grupos de infinito no enumerable de Lie, está en el campo intencional de la fenomenología renovada. La encontramos cuando se recorre el campo intencional no “desde arriba hacia abajo” (el movimiento de la mínima acción), sino “desde abajo hacia arriba”: la simple invariancia sin atención al movimiento. Y ahí encontramos la sorprendente identidad del arte, frente a la identidad de la ciencia. El arte es una forma de conocimiento impropio, fuerte y englobante. (shrink)

El presente artículo analiza la relación entre el arte y lo sagrado desde una doble perspectiva: teórica y artística. Desde el plano teórico, basados en las teorías de Gadamer y Eliade, encontramos en el símbolo el nexo entre el arte y lo sagrado. Desarrollaremos la naturaleza del símbolo según la teoría de Ricoeur. Desde la obra artística analizaremos la expresión de lo sagrado propuesta por Rothko en la Capilla Rothko en Houston (Texas, U.S.A.). Terminamos considerando el concepto de verdad en (...) el símbolo artístico. (shrink)

El presente trabajo busca reflexionar, desde la perspectiva de los estudios interartísticos, sobre la práctica narrativa de Adolfo Couve, escritor y pintor chileno que tematiza el mundo plástico en toda su producción narrativa. A partir de una concepción desprejuiciada respecto de lo marginal, de la fealdad y la miseria, el autor despliega una mirada alterna sobre los espacios de borde en busca de la reivindicación de la miseria, a la vez que relativizar el canon estético que prestigia temas y motivos (...) lejanos al campo de referencia de quienes habitan el borde. La exhibición de aquellos espacios, los personajes y los paisajes minoritarios, su composición plástica y narrativa, sin embargo, dialogan permanentemente con la tradición pictórica de elite. (shrink)

Desde que Hegel declarara el arte como “cosa del pasado”, diversas posturas han discutido sus posibilidades de existencia y ocaso, mientras el arte mismo se ha visto en la incomodidad de la indefinición de sus condiciones ontológicas y de sus espacios de circulación. Esa indefinición, no obstante, permitió que ciertas operaciones y modos de hacer artísticos se desplazaran hacia escenarios abiertos y no institucionales. Una vez trazada una ruta hermenéutica desde la estética hegeliana hasta la actualidad, a partir de modelos (...) de análisis como los Estudios visuales, la teoría de Boris Groys o Nicolas Bourriaud, o el sistema modal de Jordi Claramonte, es posible pensar las condiciones de posibilidad actuales del arte en la medida de sus entrecruzamientos y del desplazamiento de su objeto desde la creación hacia la circulación. Sin que haya desaparecido la plataforma de legitimación institucional, las variaciones en las que se despliegan los códigos artísticos en la cultura visual contemporánea desestiman la posibilidad de reclamarse como obras de arte, y se limitan a hacer un uso táctico de formas de relación y producción. De ahí que la demarcación de los escenarios de supervivencia del arte pueda resumirse en el traslado de la categoría arte, como sustantivo, hacia la movilidad versátil del adjetivo artístico. (shrink)

El objetivo del presente documento es analizar las ideas de espacio y tiempo en Hume y mostrar la peculiaridad de dichas ideas, puesto que no provienen de la experiencia y, por el contrario, son necesarias para ella. Para ello analizaré los argumentos que presentó Hume al abordar dichas ideas, con el fin de iluminar y proporcionar una comprensión diferente a la tradicional lectura que se hace de las nociones de espacio y tiempo de Hume, la cual está inmersa (...) por la postura newtoniana del espacio y el tiempo. Sin embargo, esta tarea no se puede realizar de manera aislada a las investigaciones de su tiempo sobre estas nociones, ni tampoco aislarla del sistema del que hace parte, es decir el sistema epistemológico humeano. Así, el primer paso será abordar a grandes rasgos las principales posturas de la época sobre este tema y, en segundo lugar, abordaré el problema en torno a las ideas de espacio y tiempo en Hume, que dividiré en dos partes: la lectura fuerte que se hace sobre estos temas; es decir, la lectura tradicional y la lectura débil que es la que propone Kemp Smith y es sobre la que sustentaré mi tesis: las ideas de espacio y tiempo en Hume son a priori. (shrink)

Este trabajo recupera el vaticinio hegeliano sobre la muerte del arte para demostrar, en contra de lo defendido por el discurso artístico postmoderno, que el arte actual no sólo no ha llegado a su fin, sino que goza de más salud que nunca. La razón es la ampliación sin límites de su concepto como consecuencia de un doble fenómeno: la desestetización del propio arte y la estetización de la vida, con las que el arte parece haber traspasado, al igual que (...) el objeto sublime, los límites de lo pensable, abocando así a la reflexión estética a un amargo aunque también sabroso estremecimiento. (shrink)

Este artículo se propone indagar en la función del arte en la fenomenología de la donación de Jean-Luc Marion y su relación con la hermenéutica. La pintura desempeña un papel fundamental pues constituye el “modelo” que permite entender el carácter radicalmente pasivo de la administración hermenéutica de la distancia entre lo que se da y lo que se muestra.This article aims to investigate the role of art in Jean-Luc Marion’s phenomenology of givenness and its relationship with hermeneutics. Painting plays a (...) fundamental role because it constitutes the “model” that facilitates understanding the radically passive character of the hermeneutic management of the gap between what gives itself and what shows itself. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Reviewed by:Painting Outside the Lines: Patterns of Creativity in Modern ArtMatthew ZiffPainting Outside the Lines: Patterns of Creativity in Modern Art, by David W. Galenson. Cambridge: Harvard University Press, 2001, 272 pp., $29.95.The relationship between the market value of paintings and the chronological point in an artist's working life when the paintings were produced is the driving mechanism for exploring creativity and innovation in David W. Galenson's (...) book "Painting Outside the Lines: Patterns of Creativity in Modern Art. The working thesis of this book is that Modern artists have worked creatively and innovatively in one of two distinctly different manners. The terminology Galenson uses to describe these distinct ways of working are "finders" and "seekers." Finders are artists like Pablo Picasso, who at age 26, make startling and important innovations with little advance indication that such a burst is about to take place. Seekers are artists like Paul Cezanne, whospend their entire working lives engaged in the pursuit of a singular approach or achievement. The differences between these methodologies are carefully presented through the details of the working lives of a variety of Modern artists. French nineteenth century and early twentieth-century artists and mid-twentieth-century American artists are used as the source data for these comparisons.Early in the book Galenson presents lists of chronological events within the lives of artists and market valuation of their work within this chronology. The dramatic clarity of the relationships presented in this data sets the stage for the detailed information that follows. Factors that in some cases only partly, and in others nearly completely, explain an artist's way of working are offered through biographic information, information about the aesthetic and cultural milieu, and about the economic and educational structures that are predominant during the relevant time in the life of the artist.The relationship between the aesthetic and cultural milieu surrounding an artist and the capacity or inclination of an artist to be innovative is an important aspect of the book's analysis. The scope of the book is limited to Modern artists because of the shift that took place at the outset of Modern art, during the mid 1860s, that brought a strong emphasis on innovation and change for their own sake as an important characteristic within a work of art. This emphasis "created incentives for painters to produce new approaches to art" (p. 111). Prior to the time of Modern art, innovation and change were often unnecessary for an artist to be successful. Modern art introduced the demand that innovation and change be necessary ingredients in art, and therefore the search for innovation became a significant element within the work of many artists. The manner in which this search took place, as presented through the data at hand, reveals how individual artists viewed the need for innovation and change within their own [End Page 123] work. Paul Cezanne, for example, was aware of the impact that his painting was having on the art world, but he insisted that he was not yet finished with discoveries that would reveal the truest expression of his beliefs about aesthetic expression.In the American movement, "Abstract Expressionism," Galenson finds a useful counter example to the art scene in Paris. In the United States, especially during the 1940s and 1950s — the peak years of creative output by Abstract Expressionist artists — the demand for their work was quite low. There were few economically viable outlets for the work of de Kooning, Pollack, Rothko, and the others of this group. Consequently there is a shift in the chronological point at which these artists achieve market value success. Nearly all of these artists receivedrecognition at an older age than the French artists of the late nineteenth and early twentieth centuries.The thesis of the book, that there are two fundamentally different ways of working to produce works of art, is directly applicable to, and useful in, exploring issues of teaching and learning in design education. As a teacher of interior architecture I was interested to follow the details that Galenson presented in support of his analysis of the careers of numerous Modern artists. The methodological differences between seeking and... (shrink)

Resumen: El presente artículo quiere ofrecer un análisis de la evolución de la pintura chilena del siglo XIX, indagada a partir de la interpretación del tema hídrico en la producción pictórica de tres de los artistas más representativos en los ámbitos de la pintura de paisaje, del marinismo y de la pintura de glorias navales. En particular nos referiremos a las creaciones de Antonio Smith, Charles Wood y Thomas Somerscales, cuyas representaciones de ríos, lagos y sobre todo del Océano Pacífico (...) son una prueba de la fecunda etapa decimonónica que esta disciplina vivía en Chile. Nos fijaremos en el estudio de las tres claves de composición, luz y color en un conjunto de obras guardadas en prestigiosas colecciones públicas y privadas, seleccionadas atendiendo a los juicios sobre las relevantes cualidades técnicas y estéticas reconocidas en ellas por la crítica y la historiografía artísticas actuales.: The present article has the purpose to offer an analysis of the evolution of chilean painting during the 19th century, investigated from the interpretation of the water in the pictorial production of three of the most representative artists in the field of landscape, sea and naval glory painting. In particular, we will refere to the creations of Antonio Smith, Charles Wood and Thomas Somerscales, whose representations of rivers, lakes and especially Pacific Ocean are a proof of the productive phase that in 19th century painting had in Chile. We will focus on the study of the three keys of composition, light and color in a combination of works kept in precious public and private collections, selected due to the judgment about the relevant technical and esthetic qualities by the actual artistic critics and historiography. (shrink)

La hermenéutica filosófica propone varias herramientas conceptuales útiles para la investigación, la crítica y el disfrute de las obras de arte. No obstante, existe una clara escasez de artículos de nivel intermedio que expliquen estos conceptos en el horizonte de su utilidad. Este artículo se enfoca en la noción de juego en la hermenéutica filosófica y realiza dos tareas: en primer lugar, interpreta la estética hermenéutica como respuesta a las necesidades teóricas y a los problemas filosóficos de su época. En (...) segundo lugar, destaca la relevancia del juego (Spiel) como estrategia fenomenológica para explicar la ontología de la obra de arte. Se argumenta que esta reinterpretación de la ontología de la obra de arte constituye una innovación filosófica que permite reconocer aspectos de la obra de arte que quedaban ocultos en otros abordajes estéticos del momento y que todavía son pertinentes de cara a las nuevas comprensiones de la obra de arte en la medida en que permiten reinterpretar el problema de la autonomía estética. (shrink)